Película a película, el cine de Hirokazu Koreeda ha terminado por componer un gran retrato de la familia en el Japón contemporáneo. Con dramas domésticos como "Nadie sabe"; "Still Walking"; "De tal padre, tal hijo"; "Nuestra hermana pequeña", o "Un asunto de familia", el cineasta ha logrado su proyección internacional, prestigio crítico y capacidad para emocionar a públicos de todo el mundo. Su universo creativo está lleno de familias que luchan por su continuidad y se reinventan frente a las adversidades, y cuyos lazos afectivos se exploran con hondura y delicadeza, a partir de unos pocos elementos reveladores. Aun cuando algunas de sus obras han tanteado otros géneros, siempre prevalece el estilo sutil pero comprometido de Koreeda. Más allá de su discurso sobre la familia como una construcción afectiva, son reconocibles otras constantes como la hibridación de estrategias retóricas del documental y de la ficción, la inquietud por la representación de la memoria o una sensibilidad política muy particular. Sobre tales pilares, este libro profundiza en la filmografía del cineasta nipón.

Considerado uno de los grandes cineastas del expresionismo alemán, Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931) desarrolló su carrera inicialmente en su país natal y, posteriormente, en Hollywood. Aunque gran parte de su filmografía ha desaparecido, sin embargo, las películas que han sobrevivido o que hoy han sido recuperadas nos ofrecen auténticas obras maestras desconocidas para el gran público como "La tierra en llamas" (1922) o "Phantom" (1922). Entre sus obras lamentablemente perdidas destaca su película "Los cuatro diablos" (1928), a la que dedicaremos un análisis especial en este libro. Autor asimismo de películas tan conocidas como "Nosferatu, una sinfonía del horror" (1922), filme mítico y prototipo del cine de vampiros; de "El último" (1924), largometraje intimista y social de ribetes expresionistas, y de "Amanecer" (1927), fábula moral que anticipa el "film noir". Fallecido prematuramente en un accidente de coche en Estados Unidos, en los albores del cine sonoro, las películas de Murnau siguen siendo un referente fundamental dentro de la historia del cine mundial.

Este libro explora la presencia del deseo femenino que contienen las imágenes fílmicas del cine español producido durante el franquismo. El deseo aparece, en el marco filmográfico estudiado, como una fuente de resistencia simbólica y figurativa a las consignas represivas de la ideología censora. En la primera parte del libro se plantea una clasificación de los principales modelos de mujer que traspasaron los imaginarios cinematográficos durante las cuatro décadas del franquismo. El "cuerpo-hogar", la "mujer-patria", el "cuerpo místico", la "virgen casadera", el "cuerpo-espectáculo", la "mujer moderna" y "la mujer-monstruo" constituyen arquetipos cuyo examen pormenorizado permite descubrir las diferentes formas del deseo que la figuración femenina podía convocar, más allá de que la mujer se conformara con una vida doméstica, subordinada al marido o al orden patriarcal. En la segunda parte del libro se hace un recorrido por la filmografía de algunas de las principales actrices que encarnaron, matizaron e hicieron evolucionar dichos arquetipos: Aurora Bautista, Analía Gadé, Emma Penella, Josita Hernán, Lola Flores, Sara Montiel, Carmen Sevilla, Marisol, Concha Velasco, Geraldine Chaplin, Teresa Gimpera y Helga Liné. Todas ellas adoptaron, en su forma de actuar, una sugestiva poética de afirmación de los deseos femeninos. Siguiendo el mismo modelo de análisis de su anterior libro "El cuerpo erótico de la actriz durante los fascismos: España, Italia, Alemania (1939-1945)", Núria Bou y Xavier Pérez han convocado a un nutrido grupo de especialistas en cine español y estrellato fílmico para analizar la gestualidad, la fuerza expresiva de los cuerpos y las miradas de unas intérpretes que desbordaron, a veces de forma más visible, a veces de manera más sutil, las pautas de contención que el Régimen había exigido a las mujeres de la época.

El periodo que Fernando Fernán Gómez transcurrió en Roma para trabajar en el rodaje de la película La conciencia acusa del director checo Pabst marcó el futuro cinematográfico y personal de quien llegó a convertirse en uno de los intelectuales españoles más respetados y queridos de todos los tiempos. Los encuentros con los más celebrados artistas y las estrellas del cine de la época, la contagiosa euforia de la Roma de la posguerra (en contraste con la sofocante atmósfera de la dictadura franquista en España) y el aire internacional y mundano de la capital italiana dejaron una profunda huella en el joven Fernán Gómez, que quiso inmortalizar esa etapa vital y artística alegre y fecunda en un diario que en parte fue originariamente publicado por entregas en la hoy desaparecida Revista Internacional de Cine y que en estas páginas se rescata para ofrecer al lector la faceta más íntima e informal del gran cineasta. El libro, publicado para conmemorar el centenario de su nacimiento, incluye también el poemario A Roma por algo, nacido de la misma experiencia romana que dio a luz el diario.

Vicente Molina Foix siempre ha escrito sobre cine, vertiente literaria que ha compaginado a lo largo de toda su vida con la poesía, la novela, los textos teatrales o los guiones cinematográficos. También dirigió dos películas: "Sagitario" (2001) y "El dios de madera" (2010). Sus críticas cinematográficas han aparecido en las principales revistas y periódicos de nuestro país como "Film Ideal", "Griffith", "Nuestro cine", "Fotogramas", "Cambio 16", "Tiempo", "El País", "Cinemanía" y "Letras Libres". Pero como afirmaba en una entrevista hace algunos años, Molina Foix no se considera mitómano ni un nostálgico de los cineastas clásicos, sino que es, sencillamente, "un escritor que va al cine muy a menudo, en busca de placeres", y que escribe después reseñas en las que intenta desvelar el lenguaje específico del cine y mostrar ese mundo de sensualidad escondido en tantas películas.  En "El tercer siglo. 20 años de cine contemporáneo" podemos encontrar las extensas críticas aparecidas a lo largo de las dos últimas décadas en la revista "Letras Libres", centrándose el autor en la producción cinematográfica del comienzo de este tercer siglo que ya atesora grandes logros y en el que, como dice el propio Molina Foix, los dioses del olimpo cinematográfico han cambiado.

“Bond, James Bond.” Desde que James Bond pronunciara aquellas ya míticas palabras en 1962, el agente secreto más galante de la historia del cine no ha dejado de apasionar y conquistar a espectadores de todo el mundo. Creado por el novelista inglés Ian Fleming, el siempre impecable espía británico ha protagonizado 25 películas producidas por EON y su personaje ha sido interpretado por seis actores diferentes a lo largo de cinco décadas.

EON Productions puso a disposición del editor Paul Duncan los archivos de la serie: fotografías, diseños, storyboards, materiales de producción... Duncan pasó dos años examinando más de un millón de imágenes y 100 archivadores repletos de documentación. El resultado de su esfuerzo es la más completa crónica de la serie: se abordan todas las películas de James Bond, desde Agente 007 contra el doctor No (1962) hasta Sin tiempo para morir (2020), sin olvidar la paródica Casino Royale (1967) ni Nunca digas nunca jamás (1983).

Las abundantes fotografías, diseños del plató, storyboards y memorandos de producción inéditos se complementan con una historia oral contada por más de 150 miembros del reparto y del equipo de producción. De productores a dobles, pasando por directores y diseñadores de producción, estos relatos personales cuentan la verdadera historia del rodaje de las películas de James Bond y ofrecen información privilegiada sobre las personalidades y los procesos tras la franquicia más longeva y de mayor éxito de la historia del cine. Este libro constituye un completísimo homenaje a la leyenda de James Bond.

La edición actualizada incluye fotografías exclusivas y nuevas entrevistas a Daniel Craig, al director Cary Fukunaga, a los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli, y a muchos otros, y cuenta con detalle cómo se rodó la emocionante Sin tiempo para morir. Elaborado con acceso sin restricciones a los archivos de Bond, este libro en formato XXL relata la historia de James Bond en palabras e imágenes

Entre las 1.100 imágenes figuran fotogramas, fotos en plató, memorandos, documentos, guiones ilustrados, carteles y diseños inéditos, además de conceptos y diseños alternativos que acabaron descartándose

Incluye, además, anécdotas entre bambalinas narradas en primera persona por productores, directores, actores, guionistas, diseñadores de producción, técnicos en efectos especiales y otros miembros del equipo

Repasa todas las películas Bond desde Agente 007 contra el Dr. No hasta Sin tiempo para morir

Heredero estilístico de los grandes directores de "blockbusters" surgidos en el seno del Nuevo Hollywood, J. J. Abrams habita un espacio a caballo entre el cine y la televisión, como creador de artefactos narrativos singulares y revitalizador del género fantástico de corte "mainstream". Si sus productos catódicos han sido parte fundamental de las recientes "edades de oro" de las series televisivas, en la gran pantalla Abrams propugna un estilo opuesto a la frenética hiperfragmentación imperante en las grandes superproducciones de los años noventa y principios del siglo XXI. Frente a estos, el cine de Abrams se muestra claramente deudor de la "escuela Amblin" liderada por Steven Spielberg al sustentarse en dos pilares: la claridad y fluidez de su narrativa visual y un hábil uso de los registros y herramientas del melodrama.

El presente libro aborda el análisis de relatos cinematográficos a partir de conceptos teóricos que se desarrollan con ejemplos constantes. La teoría cinematográfica (y por extensión, audiovisual) debe sustanciarse en el estudio de las producciones cinematográficas y en los fragmentos que hagan posible entender cómo funcionan los textos audiovisuales. Comprender un relato audiovisual es el primer paso tanto para poder disfrutarlo plenamente como para poder ser capaz de realizarlo. La multitud de ejemplos expuestos facilita la comprensión de los conceptos, permite que el lector pueda desarrollar sus propios análisis e informa de una multitud de películas, lo que permite también un conocimiento más exhaustivo de la historia del cine.

Este libro argumenta en favor de un trabajo crítico que haga hincapié, por un lado, en la Semiótica como Teoría general de la comunicación y de la producción / reproducción socio-ideológica y, por el otro, en la Teoría de género en cuanto Teoría del discurso, dimensión crítica indispensable para una comprensión efectiva tanto de la subjetividad como del imaginario social. Desde este punto de vista y en el contexto de la interculturalidad como base de toda formación cultural que resulta de la interacción de poderes distintos e históricamente específicos, el estudio del cine es especialmente relevante para el análisis crítico de los lenguajes no verbales (o no solo verbales) y de la comunicación audiovisual. Por eso es importante llevar a cabo una reflexión crítica sobre el cine que sea capaz de desentrañar su dimensión política en cuanto elemento productivo (y no reproductivo, o mimético) del imaginario socio-sexual de nuestra época.