Durante los años setenta se produjeron toda una serie de cambios políticos,
económicos, sociales y culturales que tuvieron su punto de inflexión en el final de la dictadura franquista. La Tercera Vía es el espejo donde pueden leerse muchas de estas transiciones. Impulsada por el productor José Luis Dibildos, se trató de una tendencia cinematográfica que apostó por comedias a medio camino entre el cine comercial y el cine de autor que incluyeran una leve perspectiva crítica. Siendo Ágata Films la productora que utilizó esta etiqueta para sus trabajos, hay que resaltar el papel de directores como Roberto Bodegas (Españolas en París, 1971; Vida conyugal sana, 1974; Los nuevos españoles, 1974) o Antonio Drove (Tocata y fuga de Lolita, 1974; Mi mujer es muy decente dentro de lo que cabe, 1975) y de actores como José Sacristán o María Luisa San José. Fuera de este círculo otros cineastas como José Luis Garci, José Luis García Sánchez, Jaime de Armiñán o Manuel Summers desarrollaron películas semejantes, aunque ninguno de ellos las calificó como Tercera Vía. Una visión de la realidad española desde el Séptimo Arte que combinó calidad y comercialidad, y que supo anticipar el consenso político que reclamaba el país tras la muerte de Franco.

Durante los años setenta, ochenta y noventa del siglo XX, e incluso en la primera década del xxi, el escritor, realizador y productor Augusto M. Torres dialoga con destacados cineastas mundiales. En "21 cineastas españoles (entrevistas)" reúne una variada selección con directores, guionistas, productores, actores y técnicos para construir un peculiar, original y coherente dibujo del cine español de la segunda mitad del siglo XX. Desde el olvidado de la más dura posguerra y el interesante de los años de la Transición hasta el nacido de la política cinematográfica de los socialistas. Una visión alejada de lo tradicional, lo habitual, lo siempre considerado políticamente correcto, que suele aparecer reflejado en las historias del cine. Un conjunto de entrevistas donde diversos profesionales hablan de su vida, sus películas y su relación con un medio tan específico como el cinematográfico. Realizadas en momentos especiales de las respectivas carreras, están prologadas por originales retratos y trayectorias de cada uno, además de una sucesión de consideraciones sobre las relaciones del entrevistador con el entrevistado y de estos con un cine tan específico como es el español durante esas décadas.

?Españolada?. ?Landismo?. ?Cine de barrio?. Términos todos bastante poco precisos que sirven para designar a la comedia popular española. Esa que convoca a más público. Esa que levanta pasiones inconfesas. Y esa que supone un vehículo ideológico de primera magnitud demasiadas veces pasada por alto. Una comedia que parece haber ido cambiando durante los últimos cincuenta años, aunque un análisis en profundidad revela que distintas pieles esconden los mismos discursos reaccionarios y machistas. Por ello nos detendremos en los ejes temáticos de cada uno de los cinco periodos en que hemos dividido este estudio que también aborda las constantes formales de unas comedias que, como género, han cambiado tan poco que suponen nuestra tragedia particular.

En la encrucijada de los años 70 y 80, una generación protagonizó la transición a la democracia: el nacimiento del feminismo, el ecologismo, el pacifismo y la libertad sexual, así como fenómenos culturales como la contracultura, el nuevo periodismo, la movida o la cultura underground, entre otros. En esa auténtica revolución cultural, el cine jugó un papel fundamental como apertura mental de quienes recibieron la educación básica en la dictadura. Ven y mira es la historia del Cine Club Universitario de León —primera actividad estudiantil de la Universidad leonesa— y de la generación que puso en marcha esta y tantas otras actividades. Esa generación que puso a León en la vanguardia fue también la que «robó» el futuro a los jóvenes que hoy viven una encrucijada, la del cambio de siglo, que les enfrenta a retos aún mayores y es pertinente rescatar para ellos esos años en los que la respuesta a las fuertes contradicciones del momento fue la creatividad.

Pasados 100 años del nacimiento de Juan Antonio Bardem y 20 de su fallecimiento, es hora de recordar que la decisiva contribución de Juan Antonio Bardem a la historia del cine español nace de dos dimensiones paralelas y simultáneas (algo que muy pocas veces se da en la historia de las corrientes artísticas): el hecho de constituir la columna vertebral del regeneracionismo crítico que a comienzos de los años cincuenta pone la primera semilla para la renovación del cine nacional (frente a la naftalina folclórica, pomposa y grandilocuente del franquismo de posguerra) y de ofrecer, a la vez, el tronco alimenticio del que nacerán posteriormente las dos ramas más vigorosas de las décadas posteriores: el realismo crítico del Nuevo Cine Español a comienzos de los años sesenta y el cine metafórico de la Transición política, cuyas raíces más fértiles están en obras como "Muerte de un ciclista" y "Calle Mayor".

Los textos reunidos en este volumen presentan una manera de "pensar el cine" en plena efervescencia de la reflexión sobre el poder de la imagen cinematográfica (1970-1985). De tal forma que el lector entrará en contacto con las ideas con las que un teórico de la talla de Noël Burch afronta los grandes problemas que condicionan el acceso por parte del espectador a esos objetos que denominamos películas. Partiendo de un "formalismo" rápidamente enriquecido por una atención maniática al sentido de los films, combinando los acercamientos a cinematografías geográficamente lejanas con obras distantes en el tiempo, Burch dicta en "Itinerarios" una lección que conserva toda su relevancia en nuestros días. Nos ofrece un instrumental analítico para poder ejercer una crítica sustantiva de las imágenes que han configurado el imaginario de tantas generaciones, siempre inspirado por una voluntad de "entender" más allá de los tópicos banales y las apariencias engañosas.

La lectura de ¡Viva Rusia!, cuarta e inédita entrega de la saga cinematográfica dedicada a los Leguineche, permite conocer el desenlace previsto para las grotescas andanzas de la decadente familia de aristócratas creada por Luis G. Berlanga y Rafael Azcona, cuyas peripecias -que habían arrancado en 1978 con el fogonazo de La escopeta nacional- acaban conformando unos nuevos «episodios nacionales» centrados en la sinuosa transición española a la democracia. Inédito hasta ahora, el guion de ¡Viva Rusia! fue la postrera colaboración entre Berlanga y Azcona, un mano a mano que duró más de tres décadas. La película no llegó a realizarse en el último momento, pero el aprecio del cineasta valenciano hacia su guion ?completado con la intervención de Jorge Berlanga y Manuel Hidalgo? quedó patente al depositar su manuscrito en la caja 1034 de la cámara acorazada del Instituto Cervantes como parte de su legado, con instrucciones de no ser abierta hasta el mismo día de su centenario.
Ahora, por fin, podemos acceder al muy berlanguiano último capítulo de la saga más célebre y desopilante de la historia del cine español, un texto de gran importancia para la cultura española del siglo xx.
Con un prólogo de Manuel Hidalgo y un epílogo de Aguilar & Cabrerizo

Los monstruos no surgen de la nada. Son criaturas que tardamos en reconocer a través de la bruma y que, antes de alcanzarnos, han hecho un largo y vacilante camino desde orígenes muy diversos. Un caso mediático de la crónica negra, un episodio histórico, un hallazgo científico, una creencia mitológica, un edificio maldito, una fantasía distópica, un trauma colectivo,... a veces cristalizan en nuestra imaginación bajo una apariencia monstruosa, agudizada por un sentimiento muy familiar: el miedo.

A quienes siempre se han acercado al cine de terror con una mezcla de escepticismo y aprensión, les sorprenderá la enorme influencia de las veinticinco películas ilustradas y reseñadas en este libro, convertidas en clásicos y en iconos reconocibles para todo el mundo. Su diversidad, sus fuentes de inspiración (casi siempre literarias), su calidad artística y técnica y su frecuente carácter intemporal, justifican la existencia de fieles y multitudinarios aficionados a la irrupción del terror en la pantalla. Uno de los géneros cinematográficos con mayor capacidad para que nos revolvamos en nuestras butacas, nos sintamos zarandeados en nuestras emociones y no nos recuperemos tan fácilmente tras la palabra FIN.

(Alberto Gil)

Película a película, el cine de Hirokazu Koreeda ha terminado por componer un gran retrato de la familia en el Japón contemporáneo. Con dramas domésticos como "Nadie sabe"; "Still Walking"; "De tal padre, tal hijo"; "Nuestra hermana pequeña", o "Un asunto de familia", el cineasta ha logrado su proyección internacional, prestigio crítico y capacidad para emocionar a públicos de todo el mundo. Su universo creativo está lleno de familias que luchan por su continuidad y se reinventan frente a las adversidades, y cuyos lazos afectivos se exploran con hondura y delicadeza, a partir de unos pocos elementos reveladores. Aun cuando algunas de sus obras han tanteado otros géneros, siempre prevalece el estilo sutil pero comprometido de Koreeda. Más allá de su discurso sobre la familia como una construcción afectiva, son reconocibles otras constantes como la hibridación de estrategias retóricas del documental y de la ficción, la inquietud por la representación de la memoria o una sensibilidad política muy particular. Sobre tales pilares, este libro profundiza en la filmografía del cineasta nipón.

Considerado uno de los grandes cineastas del expresionismo alemán, Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931) desarrolló su carrera inicialmente en su país natal y, posteriormente, en Hollywood. Aunque gran parte de su filmografía ha desaparecido, sin embargo, las películas que han sobrevivido o que hoy han sido recuperadas nos ofrecen auténticas obras maestras desconocidas para el gran público como "La tierra en llamas" (1922) o "Phantom" (1922). Entre sus obras lamentablemente perdidas destaca su película "Los cuatro diablos" (1928), a la que dedicaremos un análisis especial en este libro. Autor asimismo de películas tan conocidas como "Nosferatu, una sinfonía del horror" (1922), filme mítico y prototipo del cine de vampiros; de "El último" (1924), largometraje intimista y social de ribetes expresionistas, y de "Amanecer" (1927), fábula moral que anticipa el "film noir". Fallecido prematuramente en un accidente de coche en Estados Unidos, en los albores del cine sonoro, las películas de Murnau siguen siendo un referente fundamental dentro de la historia del cine mundial.