En Luces, cámaras y… ¡fuego! La violencia política del País Vasco y Colombia en el cine de ficción (1964-2017), nos proponemos localizar, tipificar y estudiar los diferentes relatos históricos que se han ido generando a través del cine de ficción desde el inicio de la violencia política en el País Vasco (España) y Colombia. Para ello, se parte de dos hipótesis iniciales. La primera de ellas hace referencia a la estructura que el cine de ficción ha seguido a la hora de interpretar y proyectar la violencia política, siguiéndose un parámetro basado en el esquema -romantizacióncomplejización- simplificación-nuevos escenarios”. En segundo lugar, se pretende demostrar que el cine de ficción construye potentes ideas que, después de su visionado, la sociedad considera como verdades. A lo largo de esta investigación, se analizan más de noventa filmes a través de sus tramas, elementos técnicos, espacios, personajes, etc., para llegar a unas conclusiones abiertas y que derivan en nuevos debates acerca de la representación de la violencia política en el cine de ficción.

«Creía que los arqueólogos eran unos graciosos hombrecillos que buscaban momios». Así describe Willie la profesión de su compañero de aventuras Indiana Jones en la película Indiana Jones y el templo maldito. El cine de aventuras siempre fue muy popular y exitoso, basado en un voluntario afán por el entretenimiento más que por la refl exión profunda sobre la condición humana. Dentro de este género, existe un conjunto de filmes cuyo eje central es la búsqueda de un tesoro y que forma un subgénero muy específico que es el cine de Arqueología. Indiana Jones, Lara Croft, Tadeo Jones... son algunas de las principales figuras de este tipo de cine que han trascendido los marcos cinematográficos para convertirse en auténticos referentes culturales. Si bien el cine de Arqueología ha distorsionado enormemente esta profesión, es innegable su magnetismo, capaz de atraer a las salas de cine a miles de personas deseosas de viajar a lugares exóticos, encontrar un tesoro y salvar el mundo. ¿Por qué es tan atrayente este tipo de películas? ¿Cómo y por qué surgieron dentro de la historia del cine? ¿Qué es lo que dicen, o no dicen, sobre la Arqueología?
En este ensayo se defenderá que el éxito del cine de Arqueología reside en una original combinación de tres elementos: el exotismo, una particular percepción del tiempo, y la centralidad del objeto y del tesoro. Basada en una filmografía de más de 280 películas, el ensayo se divide en seis capítulos, en los que se aborda, entre otros, la historia del género, la construcción del personaje arqueológico, el tesoro como elemento central del cine de Arqueología o el análisis crítico sobre el cine de Arqueología como un cine esencialmente colonialista y racista, vinculado con el propio origen de la Arqueología como ciencia a lo largo del siglo XIX. Como afirma Howard Knapp al final del filme Daughter of the sun god: ¡Bebamos por una gran aventura!

Conmemorando el cincuentenario del fallecimiento de Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), Filming Picasso reúne las memorias de Luis Revenga acerca de Picasso, un singular documental producido entre 1980 y 1981, celebrando el centenario del nacimiento del pintor, para el que el director entrevistó a familiares y amigos íntimos del más celebre artista del siglo XX y contó con músicos de la talla de Paco de Lucía, Camarón y Pata Negra.

En las páginas de Filming Picasso Luis Revenga rescata las anécdotas casi inverosímiles que rodearon la filmación de aquel documento único: desde las condiciones que le impuso la familia, a las rencillas personales que mantenían los herederos de Picasso, o los intríngulis de la financiación del documental, que se consideró un «asunto de Estado», y en la que se involucraron las más altas esferas de la política y la cultura del momento. Además, gracias a la evocación de las conversaciones íntimas, repletas de confidencias, que mantuvo con Salvador Dalí, Michel Leiris, Dora Maar, Henry Moore, Camilo José Cela, Jacqueline Picasso, Antoni Tàpies, Rafael Alberti o José Bergamín, entre muchos otros, este libro ofrece una mirada sin prejuicios sobre la persona, Pablo, que había detrás de uno de las grandes genios del arte del siglo XX.

En el año 1999, cuando ya contaba setenta y siete años, Juan Antonio Bardem se propuso rodar una nueva película: Regreso a la calle Mayor. Y este proyecto no era una simple segunda parte de la mítica película, ni una continuación al uso: Bardem iba mucho más lejos en su planteamiento.
Para que el lector pueda ver ?y disfrutar? una película que ya no se rodará, publicamos en este volumen los documentos esenciales del proyecto acompañados de un completísimo estudio introductorio de Bernardo Sánchez.

Katharine Hepburn es una de las grandes estrellas de Hollywood y una actriz con una dilatada trayectoria que recorre el cine del siglo XX, ya que su primera película la rodó en 1932 y, la última, en 1994. A lo largo de su vida fue muchas mujeres: una hija tierna en los melodramas: la joven divertida y chispeante de las comedias screwball de los años treinta; y la pareja artística de Spencer Tracy, con quien formó uno de los dúos más inolvidables de la historia del cine. Dueña de una irresistible personalidad, la Diosa —tal y como la llamaban directores y actores de su época— fue única e irrepetible.

"El cine español contra sí mismo" traza las continuidades y discontinuidades fílmicas subterráneas del legado del surrealismo y del compromiso político dentro del Estado español desde los años treinta hasta la actualidad, desde la obra pionera de Carlos Velo, José Val del Omar, Luis Buñuel y Salvador Dalí hasta el cine militante actual forjado en la estela del 15-M. Sin embargo, por mucho que esté radicado en la historia, este no es un libro histórico, sino una contrahistoria, una impugnación de la temporalidad en sus diferentes formas. Enmarcado por la teoría de cine y el pensamiento filosófico, este libro sigue las huellas de estos antecedentes para analizar la obra de una serie de cineastas poco estudiados y no canónicos con el propósito de llevar el debate sobre el cine hacia unos horizontes críticos alternativos más cosmopolitas y complejos. En la época de lo posnacional y lo poscinemático, este volumen plantea un reto al discurso historiográfico tradicional y pone en tela de juicio el concepto de «cine nacional» y cuestiones formales de la práctica fílmica.

Como muchos antes que ella, María Lagana llega a Hollywood desde su Italia natal para escapar de su pasado, dejando a casi toda su familia atrás, a finales de la década de 1920. Quince años después, en vísperas de la entrada de Estados Unidos en la II Guerra Mundial, María ya es productora en los estudios de Mercury Pictures e intenta evitar que su vida personal y profesional se desmorone. Su madre no le habla. Su jefe ha sido convocado a Washington. Su novio, un virtuoso actor sinoamericano, no puede escapar del estrecho encasillamiento del estudio. Y el propio estudio, el único hogar de María en el exilio, se tambalea al borde de la bancarrota. Mientras el mundo se hunde en la guerra, María se eleva a través de un laberinto de políticas en conflicto, lealtades divididas y ambiciones que compiten entre sí. Pero cuando la llegada de un extraño del pasado de su padre amenaza la estabilidad de María, esta deberá enfrentar ambos destinos, el de su padre y el suyo propio.

Rhett y Scarlett se besan por fin, la sangre salpica la cortina de la ducha o E.T. vuela hacia la puesta del sol. La última década del siglo XX reafirmó el fascinante poder de la gran pantalla, donde la proyección al futuro se combinó con referencias al pasado. No resulta exagerado decir que nunca antes el cine había abordado de forma tan irónica su propia vanidad y que nunca se había preocupado con tanta intensidad por sí mismo como medio. Cineastas como Steven Soderbergh, David Lynch, Quentin Tarantino y Ang Lee crearon mundos tan crípticos como confusos, mientras que James Cameron, Steven Spielberg y George Lucas recurrieron a efectos especiales cada vez más espectaculares.

¿Sueña con vagar por el desierto con El paciente inglés? ¿Podría salvarse en Titanic? ¿Sigue convencido de que Algo pasa con Mary? Cine de los 90 repasa los títulos más importantes del cine de 1991 a 2000 y recupera una gran variedad de películas de primer orden. La trama y la estética de cada película se presenta de forma analítica e informativa. Los comentarios sobre actores, directores y aspectos históricos o técnicos del cine añaden otros elementos de interés. Cine de los 90 es un libro especializado pero entretenido, claro pero incisivo. Como una escena cumbre del cine, este libro es inolvidable y absolutamente apasionante.

Este libro nos invita a adentrarnos en el apasionante mundo de la creación artística, desde ese lugar privado y recóndito, donde se ocultan los fantasmas personales que originan con tanta frecuencia las ideas y emociones más intensas, hasta el barullo de un plató, donde, ante decenas de personas, bajo la luz de los focos, con la cámara en acción, esos fantasmas empiezan a obedecer a un orden invisible, a encarnarse en una historia que, gracias al arte, pasará a ser nuestra. Bergman no duda en revelar en estas páginas sus apuntes de trabajo, notas y diarios de sus rodajes y montajes teatrales, así como los recuerdos y las obsesiones que pueblan su cinematografía. Imágenes es, en suma, un fascinante viaje por la memoria de un creador para quien el arte, la obra y la vida fueron siempre una misma y única cosa.