* La historia de las imágenes comienza en las cuevas y acaba, de momento, con un iPad. ¿Quién sabe qué será lo siguiente?
* Únete a David Hockney, Martin Gayford y a la ilustradora Rose Blake en un viaje a través de la historia de las imágenes. Juntos descubriréis una sorprendente variedad de obras: en cuevas, ordenadores portátiles, teléfonos, revistas, periódicos, videojuegos y libros.
* También conocerás a los artistas que las crearon, como Van Gogh? Este libro te abrirá los ojos a un mundo repleto de imágenes.
Un viaje a través de la historia del arte, desde las primeras manifestaciones artísticas dibujadas en paredes de cuevas hasta las imágenes que creamos hoy en nuestros ordenadores y cámaras de teléfonos.
Basado en el exitoso título para adultos, esta edición infantil se explica mediante conversaciones entre el artista David Hockney y el escritor Martin Gayford, que hablan de arte con una sencillez y una claridad inspiradoras. Las ilustraciones de Rose Blake iluminan las narrativas de ambos autores y dan vida a la historia del arte para un público joven.

Un lápiz y un papel son todo lo que necesitas para hacer crónicas visuales de tus viajes, retratar motivos cotidianos, estructurar el espacio o incluso capturar cosas tan volátiles y aparentemente imposibles de retener como la luz o el caos.
Todo esto y mucho más es lo que te enseña Georg Kleber a través de 46 ejemplos surgidos de su propia experiencia como artista. Cada uno de estos casos se convertirá en una pequeña píldora de conocimiento para familiarizarte con los conceptos y las técnicas básicas del dibujo a lápiz y la composición, además de aportar ideas verdaderamente inspiradoras para tus propios retos creativos.

Descubrir nuevas historias sobre mujeres artistas es un hecho esperanzador, en la tarea de devolver la voz a esas creadoras, cuyo trabajo ha sido silenciado durante décadas. Jane Millares Sall (Las Palmas de Gran Canaria, 1928), es uno de esos ejemplos de fortaleza y talento demostrados a lo largo de más de sesenta años de entregada trayectoria, en los que supo abrirse camino en un entorno convulso y plagado de limitaciones. Su pintura es un reflejo inmediato de sus emociones más profundas, directamente relacionadas con sus experiencias vitales, sus anhelos y la realidad de su tiempo, en una marginada Canarias.

* ¿Qué le parecería poder sentarse junto a su artista favorito y preguntarle lo que quisiera sobre la vida, el trabajo o la inspiración? Esto es lo que este libro, basado en diversas entrevistas inéditas y material de archivo de un enorme elenco de artistas, hace precisamente. ¿Es el arte una 'carrera', una vocación o algo completamente distinto? Este libro, al abarcar todas las fases de la vida de los artistas -desde las primeras obras hasta las exposiciones de debut y las etapas intermedias y tardías de sus carreras-, les permite responder, o reflexionar, sobre todas estas importantes preguntas. ¿Hace falta tener un estudio o contar con un marchante? Y, de ser así, ¿cómo conseguirlos? ¿Los artistas son demasiado competitivos? ¿Cómo se les ocurren las ideas y qué sentido tienen los pases privados? ¿El éxito económico -o su ausencia- cambia a los artistas? ¿Tienelguna ventaja envejecer? ¿Deben leerse las reseñas? ¿Se pueden retirar los artistas?
• James Cahill Escritor y crítico, residente en Londres. Ha colaborado en publicaciones tales como Apollo, The Burlington Magazine, Elephant, The Erotic Review, frieze, London Review of Books, Times Literary Supplement y The White Review. En 2017 finalizó un doctorado consagrado al estudio de las relaciones entre el arte contemporáneo y la tradición clásica; además, ha comisariado exposiciones en el Museum of Classical Archaeology, Cambridge, y el londinense King's College.

El hombre que camina es posiblemente la escultura más célebre del siglo xx, un emblema universal del ser humano en el que Giacometti trabajó incesantemente durante sus últimos años. Franck Maubert rastrea las circunstancias en las que la escultura fue concebida y nos descubre que, más allá del significado que cobró tras la devastación de la Segunda Guerra Mundial, la obra ha trascendido su época y dialoga tanto con las manifestaciones más primigenias de la civilización humana como con los hombres y las mujeres de hoy y de mañana.

El grueso de los textos aquí reunidos se centra en la pintura que va del romanticismo y el realismo a los movimientos posimpresionistas, con artistas como Géricault, Delacroix, Courbet, Manet, Fantin-Latour, Cézanne, Degas, Odilon Redon, Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton y Braque. Y en la parte final del libro se suman otros ensayos, sobre las paradojas visuales de Magritte, las esculturas blandas de Oldenburg, el crudo realismo de Lucien Freud y los colores de Howard Hodgkin. Un amplio y muy estimulante paseo por el arte moderno y contemporáneo de la mano de uno de los grandes escritores británicos actuales. Barnes aporta una mirada perspicaz, inteligencia y sensibilidad a raudales, sugestivas conexiones entre literatura y pintura, una grata ausencia de agobiantes corsés académicos y un contagioso

Son estos estudios el mayor acopio hasta la fecha de las exégesis a que ha dado lugar la obra del pintor Ramón Gaya, en cuyos escritos, y con el telón de fondo de algunos capítulos cruciales de la historia española contemporánea, reflexiona sobre su experiencia como pintor. El análisis pormenorizado de su obra a la luz de las teorías estéticas más influyentes del siglo XX ha permitido a la autora situar con justicia la figura del creador murciano en su contexto cultural, así como reconocer las diferentes filiaciones de su universo estético, desde el krausismo a Bergson. «Se puede afirmar de los escritos de Gaya lo que se ha afirmado de los aforismos de Nietzsche; a saber, que aunque son asistemáticos y fragmentarios, contienen más rigor que muchos tratados de estética», ha dicho Giorgio Agamben. El diálogo entre pintura y escritura y los modelos estéticos que defiende Gaya, desde el arte oriental a Cézanne pasando por Velázquez o Rosales, sacan a la luz una poética que tiene a la vida como fuente de todo valor. A ello se ha de añadir su noción de pintura que, con una dimensión humanizadora del entorno, alude a una temporalidad no sometida a la precipitación contemporánea ni a las modas artísticas.
Miriam Moreno Aguirre (Madrid, 1954). Desde su ingreso en Televisión Española en 1975, su trayectoria profesional se desarrolló principalmente en el campo de la producción de programas culturales especializados en arte, música, literatura y cine (La Edad de Oro, Fila 7, Encuentros con las Artes y las Letras, A fondo), y ya en la década de los noventa en puestos de dirección en las áreas de coproducciones y producción ajena.
Es doctora en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid con una tesis dedicada a la obra de Ramón Gaya. Ha publicado el libro El arte como destino. Pintura y escritura en Ramón Gaya (2010) y diversos artículos en revistas de filosofía, reseñas
y textos de carácter ensayístico, entre los que destaca el aparecido en Vidario (2009), libro colectivo sobre el Salón de pasos perdidos de Andrés Trapiello.

Como motivos de este trabajo, figuran los siguientes: primero, plantear
una serie de interrogantes que afectan a la dama del Louvre y a su
inesperada hermana, la cenicienta del Prado. ¿Por qué la calidad de sus
materiales, como el soporte o los pigmentos, es tan diferente? ¿Y tan
similar los pentimenti a mano alzada de su dibujo subyacente? ¿Responden
a un mismo encargo que nunca se entregó al cliente? ¿Cuál es su estado
de conservación y su verdadera imagen primitiva? ¿Qué es lo que vio
Giorgio Vasari? ¿La autoría es autógrafa, coral o de mero taller? Por
citar sólo algunas reflexiones. En segundo término, constituye un buen pretexto para, dentro de una
dimensión pedagógica, definir algunos conceptos: el taller de pintura,
con sus maestros y aprendices, clientes y encargos, condiciones y
precios o los procedimientos de trabajo; términos artísticos, como el de
valorismo y colorismo, perspectiva lineal y aérea, isocefalia y simetría
bilateral, sfumato y escorzo, por citar algunos ejemplos; y también,
cuestiones relativas al peso del neoplatonismo en el naturalismo
idealizado, la importancia de la ciencia o el antropocentrismo
renacentista. Finalmente, emprender un recorrido apasionante por un tema que tiene
algo de novela policiaca. La vida y la obra de Leonardo da Vinci siempre
estuvo envuelta en un halo de misterio, transcendiendo el plano
meramente artístico, para entrar en el ámbito de la leyenda literaria y
acabar convirtiéndose en un mito. Emocionante es también el momento
artístico, con su fecundidad sin límites y proliferación de genios. Los
pintores, debido al amplio abanico de conocimientos que precisan para
llevar a cabo su trabajo, alcanzan un prestigio individual hasta
entonces desconocido.

Todo el mundo reconoce un cuadro de la Crucifixión pero pocos saben quiénes son los personajes representados a los pies de Cristo. ¿Cómo se puede reconocer a Judas en una pintura de La última cena? ¿Por qué aparece un carnero al lado de Isaac cuando su padre Abraham se preara para sacrificarlo? Las obras maestras de la pintura no tendrán secretos gracias a esta obra, que ilustra sobre el Arca de Noé, el Apocalipsis, las plagas de Egipto, la conversión de san Pablo o la lucha entre David y Goliat. Numerosos episodios bíblicos, representados por hasta 3 obras diferentes, en una obra para deleitarse con muchos detalles que pueden pasar desapercibidos a primera vista.