En 2022 se cumple el centenario de la edificación del Pabellón Español en la Bienal de
Venecia. La labor realizada en estos cien años ha contribuido a la construcción y consolidación de la imagen de España como una potencia cultural en el ámbito internacional, proyectando, en uno de los mejores escaparates artísticos mundiales,
la excelencia del arte contemporáneo español.
En este primer siglo de historia, el Pabellón Español ha visto pasar por sus muros diferentes estilos, evoluciones y cambios artísticos, cuyas dinámicas han sido posibles gracias al trabajo de los comisarios que fomentaron y siguen fomentando un ?pluralismo de voces? que caracteriza la esencia de la Bienal.
El libro incluye una extensa documentación gráfica que es fruto de un exhaustivo trabajo de investigación. Nunca antes hasta ahora se había publicado de manera conjunta tanta documentación de interés sobre la historia del edificio y de las exposiciones que tuvieron lugar entre sus paredes en estos años.
La publicación incluye textos de algunos de los comisarios del Pabellón español en diferentes ediciones de la Bienal, como Alberto Ruiz de Samaniego y Martí Manen, así como una introducción histórica por parte de Atxu Amann y Andrés Cánovas, más una cronología anecdótica a cargo de Rosa Martínez.
En coedición con AECID

Baltasar Lobo (1910-1993) es el escultor zamorano de mayor renombre internacional del siglo xx. Su obra, al margen de los academicismos imperantes y con una base popular, modela la definición escultórica de la figura humana dinámica a través de la sencillez formal.
Sus tempranos contactos con Brancusi, Laurens, Picasso y otros artistas de categoría internacional hicieron de sus obras testimonio único de la belleza universal. Sus formas femeninas, esas diosas-madres primitivas extraídas de la memoria de la materia, entonan un canto al origen de la vida. Conocedor de los silencios del cuerpo femenino, Lobo extrae la música de la piedra y el sonido del fuego en los bronces.
Este catálogo razonado es fruto de ocho años de minuciosa investigación, un mapa biográfico imprescindible que reivindica la autenticidad del mercado del arte y de las investigaciones iconográficas.

¿De dónde viene el color? ¿Cómo encuentran los pintores nuevas tonalidades y de qué manera influyen éstas en su obra? Desde la austera paleta de los griegos y la costosa pasión por el púrpura de los romanos hasta la gloriosa profusión del arte renacentista y la sobriedad cromática de Velázquez y Rembrandt; desde las tempranas incursiones de los pintores románticos en el laboratorio del químico al matrimonio, en ocasiones fallido y en otras espectacularmente exitoso, entre arte y ciencia en el siglo XX, la química y el uso artístico del color han existido siempre en una simbiótica relación que ha determinado sus respectivas evoluciones. La historia de la pintura ha estado influida por la disponibilidad o no de determinados pigmentos, y los descubrimientos científicos se han reflejado directamente en la paleta del artista. Lleno de anécdotas y apuntes etimológicos, La invención del color es una historia luminosa de la magia escondida en el lienzo del pintor.

Andrea Hinteregger De Mayo se pregunta si existe algo que pueda llamarse arte latinoamericano. Esto le lleva a estudiar la diversidad cultural de países como Argentina, Brasil, Honduras, México o Perú.
A través de dieciséis exposiciones que agrupan a 44 artistas latinoamericanos, realizadas entre 2010 y 2016, Hinteregger De Mayo ofrece una panorámica de la complejidad del arte contemporáneo que representan. Entre estos artistas destacan Adán Vallecillo, Johanna Unzueta, Michael Günzburger, Omar Barquet, Otto Berchem, Felipe Mujica, Herbert Weber, Montez Magno, Óscar Gardea Duarte, Cat Tuong Nguyen, Justin Hibbs, Daniel Alcalá, Ishmael Randall Weeks, Ricardo Rendón, Omar Rodríguez-Graham, Jaime Ruiz Otis, Stefan Benchoam, Alberto Rodríguez Collía, Jesús ?Bubu? Negrón o Carlos Contente.

Páginas interminables se han escrito sobre la belleza, pero poca cosa hay por ahí sobre lo feo. Es decir, lo que a nosotros nos parece feo.
Tenemos un gusto y es muy nuestro, incluso estamos orgullosos de él, pero ¿de dónde viene? He aquí una posible respuesta, un mapa de la fealdad a través de las épocas, las culturas y los continentes, y de cómo ha ido cambiando en la imaginación pública. De las bestias de la Antigüedad clásica a las gárgolas medievales, del monstruo de Mary Shelley a las exposiciones nazis del arte degenerado. El arte, la música e incluso los objetos de consumo masivo, como las muñecas feas de la década de 1980, esto y más está recogido en este libro bellamente ilustrado con ejemplos notorios de fealdad.

A partir de las incursiones de Ale de la Puente en el Instituto de Astronomía de la UNAM y la Organización Europea para la Investigación Nuclear (CERN), la artista traza un viaje por las distintas formas de concebir el espacio-tiempo. Un catálogo que acompaña una muestra donde arte, ciencia y tecnología buscan las formas de estar con los pies en el agua, el significado de tener la mirada en las estrellas y que se pregunta cómo todos estamos esperando el relámpago.

· Un recorrido por la obra del artista chileno Patrick Hamilton a través de sus proyectos más emblemáticos.
· Su obra se desarrolla fundamentalmente en el campo de la fotografía, collage, objetos e instalaciones y comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura e historia en el Chile de los últimos 50 años; en
particular en el Chile de la postdictadura.
· En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución neoliberal” implantada en Chile durante los años 80 y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora.
· Incluye textos críticos de Christian Viveros-Fauné (curador y crítico de arte del Village Voice, New York), Gabi Scardi (curadora y crítica de arte, Milán) y una conversación entre el artista y la curadora en jefe del Museo de Arte
Contemporáneo de Los Ángeles (USA) Alma Ruíz.

· Los Sujetos son varias exposiciones individuales en las que participan los artistas españoles Cabello/Carceller, Francesc Ruiz y Pepo Salazar y que tienen como punto de partida la figura de Salvador Dalí.
· Los Sujetos también tiene como contexto la mirada a la figura del artista desde la literatura, el pensamiento de género y el cuestionamiento alrededor del hecho expositivo.
· Cabello/Carceller propician y filman una situación en la que varios personajes desmontan sus capas y desean la indefinición como actitud. Pepo Salazar cuestiona lo que es obra y lo que es fuera de obra. Francesc Ruiz recupera personajes perdidos de la cultura popular.
· Incluye entrevistas con Montserrat Aguer (directora del Centro de Estudios Dalinianos de la Fundació Gala-Salvador Dalí), Manuel Borja-Villel (director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), Vicente Todolí (director en la Tate Modern cuando se presentó la exposición Dalí & Film) y Paul B. Preciado (filósofo y activista queer, director del Programa de Estudios Independientes del MACBA).

-- "· Este año, el Pabellón de España en la 56ª edición de la Biennale di Venezia ha roto con la línea planteada en los últimos tiempos. El comisario, Martí Manen (Barcelona, 1976), ha propuesto una exposición colectiva, con tres artistas: la pareja formada por Helena Cabello (París, 1963) y Ana Carceller (Madrid, 1964), Francesc Ruiz (Barcelona, 1971) y Pepo Salazar (Vitoria, 1972) unidos todos bajo un mismo punto de partida; el Salvador Dalí más performativo, el que convive con los media, el de la imagen pública. Un Dalí que no está presente con obra, sino como un fantasma, una visión. El pabellón se convierte así en un lugar de encuentro, en un marco desde el que se posibilita la acción y la narración, los contactos y el diálogo.
· Dalí observado desde distintos momentos para dar el salto al presente en los trabajos de los artistas actuales, nuevas incorporaciones a un lenguaje ya existente. Los Sujetos plantea la necesidad de marcar un momento fuerte ahora,
siendo conscientes de un pasado escondido e incómodo.
· Esta publicación también recoge otras miradas, las de cuatro voces invitadas que desde la afectividad, la performatividad, la vinculación contextual y el juicio a lo internacional ofrecen puntos de partida paralelos al proyecto expositivo."

Una clase magistral sobre diseño, arquitectura, forma, objetos y consumo en el siglo XXI.
Con la A de Auténtico. Así empieza este libro, que es algo más que un diccionario: una guía esencial para entender el mundo moderno. Por qué Warhol es auténticamente falso, cómo se crean las identidades nacionales, y qué es esa extraña manía de coleccionar. También explica por qué Grand Theft Auto es un gran invento o por qué los apartamentos de Hitchcock no podrían existir. Y no es una autobiografía, pero brinda al lector la visión personal de uno de los más reconocidos expertos del mundo en el diseño y sus manifestaciones.

• Desde 2004, el artista Antoni Abad ha desarrollado una serie de proyectos geográficamente diversos, multidisciplinares, innovadores y comprometidos socialmente, englobados en megafone.net.
• Esta plataforma invita a diferentes grupos humanos en peligro de exclusión a expresar sus experiencias y opiniones mediante el uso de teléfonos móviles, publicando mensajes de audio, vídeo, texto y foto de forma instantánea en la web.
• megafone.net ha obtenido el máximo reconocimiento internacional dentro del ámbito del arte electrónico por sus resultados pioneros en las artes y la comunicación social.
• Los textos abarcan desde la historia del arte y la crítica hasta la geografía y la etnografía, desde los estudios de la comunicación hasta el pensamiento social y político. Juntos conforman un análisis en profundidad de aquellos usos alternativos de la telefonía inteligente y las redes sociales donde la experiencia de los grupos vulnerables se vuelve pertinente para toda la sociedad.
• El proyecto expositivo, del cual esta publicación es referente, es fruto de la colaboración del MACBA y AC/E.