Roca española es un relato sobre el Museo del Prado construido a partir de textos del pintor Ramón Gaya. Se han utilizado dos libros suyos: uno de entrevistas, Ramón Gaya de viva voz (Pre-Textos, 2007) y su Obra Completa (Pre-Textos, 2010). En ellos se han espigado cuidadosamente frases aisladas para tejer esta historia que narra cronológicamente la vida del pintor y su relación íntima con el Museo, contada en primera persona gracias al formato de las entrevistas, y donde se intercalan partes de algunos de sus escritos fundamentales como Diario de un pintor, Velázquez pájaro solitario, El sentimiento de la pintura?
El conjunto nos permite adentrarnos en El Prado guiados por alguien que lo amó profundamente, y que lo visitó cientos de veces a lo largo de toda su vida desde que entrara por primera vez a los diecisiete años.

Son estos estudios el mayor acopio hasta la fecha de las exégesis a que ha dado lugar la obra del pintor Ramón Gaya, en cuyos escritos, y con el telón de fondo de algunos capítulos cruciales de la historia española contemporánea, reflexiona sobre su experiencia como pintor. El análisis pormenorizado de su obra a la luz de las teorías estéticas más influyentes del siglo XX ha permitido a la autora situar con justicia la figura del creador murciano en su contexto cultural, así como reconocer las diferentes filiaciones de su universo estético, desde el krausismo a Bergson. «Se puede afirmar de los escritos de Gaya lo que se ha afirmado de los aforismos de Nietzsche; a saber, que aunque son asistemáticos y fragmentarios, contienen más rigor que muchos tratados de estética», ha dicho Giorgio Agamben. El diálogo entre pintura y escritura y los modelos estéticos que defiende Gaya, desde el arte oriental a Cézanne pasando por Velázquez o Rosales, sacan a la luz una poética que tiene a la vida como fuente de todo valor. A ello se ha de añadir su noción de pintura que, con una dimensión humanizadora del entorno, alude a una temporalidad no sometida a la precipitación contemporánea ni a las modas artísticas.
Miriam Moreno Aguirre (Madrid, 1954). Desde su ingreso en Televisión Española en 1975, su trayectoria profesional se desarrolló principalmente en el campo de la producción de programas culturales especializados en arte, música, literatura y cine (La Edad de Oro, Fila 7, Encuentros con las Artes y las Letras, A fondo), y ya en la década de los noventa en puestos de dirección en las áreas de coproducciones y producción ajena.
Es doctora en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid con una tesis dedicada a la obra de Ramón Gaya. Ha publicado el libro El arte como destino. Pintura y escritura en Ramón Gaya (2010) y diversos artículos en revistas de filosofía, reseñas
y textos de carácter ensayístico, entre los que destaca el aparecido en Vidario (2009), libro colectivo sobre el Salón de pasos perdidos de Andrés Trapiello.

La pintura china clásica, más allá de sus múltiples corrientes, muestra una continuidad que se debe a que, a los ojos de los propios chinos es ésta la más alta expresión de su espiritualidad. A lo largo de los siglos, los teóricos y los propios pintores consignaron por escrito sus reflexiones y sus experiencias. El conjunto de esos textos constituye un corpus orgánico, en la medida en que todos se refieren a una misma concepción cosmológica de base, en la que prima la noción de shen-ch'i ("Aliento-Espíritu"), así como a una misma práctica del arte del pincel. Lo que aquí se intenta es una presentación organizada según rúbricas claras -arte pictórico en general, árboles y rocas, flores y pájaros, paisajes y hombres- de lo mejor de dicho corpus, traducida y anotada. Con toda humildad querría ofrecer este libro a los pintores vivos y a los venideros, y también a quienes se interesan por el pensamiento chino, a aquellos que aman el arte en general y se preguntan sobre su significado último, y finalmente a todos los que van en busca de una posibilidad de vivir hoy. François Cheng François Cheng ha sido profesor de las universidades del INALCO y miembro de la Academia francesa. Es autor de Vide et Plein, le langage pictural chinois ("Points Essais", 1991) y de L'Ecriture poétique chinoise ("Points Essais", 1996).

En "Obra de arte total Stalin", Boris Groys pone en entredicho la opinión corriente, formalista y superficial, según la cual el estalinismo significó sin más el final de la vanguardia: “mi primer estímulo para escribir este libro fue el deseo de responder a la interrogante: ¿qué ocurrió en realidad con las ambiciones y estrategias artísticas de la vanguardia? Mi respuesta fue y es que la cultura estaliniana se apropió de esas ambiciones y estrategias y las utilizó a su manera”. Explorando esa continuidad de modo esclarecedor, "Obra de arte total Stalin" interpreta el experimento artístico-político del estalinismo desde sus precedentes en la vanguardia, y nos muestra la lógica de su funcionamiento desde la reflexión y la práctica artística, peculiarmente postmodernas, de algunos de los artistas que vivieron en los márgenes de la utópica obra de arte total estaliniana.

"En el presente libro se recoge una selección de las numerosas entrevistas concedidas por Ramón Gaya durante las últimas décadas de su vida. A partir de 1978, aproximadamente, fecha de una importante exposición suya celebrada en Madrid, la figura de Gaya -marginada o ninguneada durante los largos años de su exilio e incluso después de su vuelta a España- comienza a despertar el interés de cierto sector del público, ansioso de recuperar la memoria histórica del país de la cual el pintor constituía un elemento de indudable relevancia. En diversas ciudades -Murcia, Valencia, Madrid, Barcelona- acuden a verle periodistas o simples curiosos con el deseo de oír su testimonio sobre la Edad de Plata de la cultura española y de saber más de este "pájaro solitario" de la pintura contemporánea que, contra viento y marea, dentro y fuera de España, sin hacer concesiones a los modos y modas al uso, había seguido su propio camino, entregado totalmente a la tarea de realizar su obra.
(...) En una entrevista celebrada cuando Gaya era ya muy mayor, contestando a una pregunta sobre la amplitud y solidez de su obra ya realizada, el pintor afirmó tajantemente: "No he dicho nada". Aludía, sin duda, a esa sensación incómoda que le acompañaba como su propia sombra: la de tener siempre más que decir, más obra que emprender, y de necesitar siempre más tiempo para hacerlo. Todo lo que había hecho y dicho le parecía una simple preparación. Su vida, como su obra, era una especie de proyecto inacabado e inacabable, arraigado en un impulso que sólo se extinguió con su propia muerte. En este libro, cediéndole la palabra, hemos querido rescatar una porción de su inmenso legado humano e intelectual." (Nigel Dennis)