Encarna Díaz Velasco. Raíces, visión y obra es un estudio sobre la artista allerana y su trayectoria. Julia Barroso recoge un impresionante recorrido expositivo, ilustrado con numerosas obras, en el que señala la variedad de espacios y lugares por los que ha transitado su arte en Asturias, en el resto de España, y su amplia presencia en el extranjero (Europa y América, y sobre todo su actividad en México).
La obra se abre en un abanico temático, icónico y material que comienza por la descripción de objetos, paisajes y rostros y continúa mediante rupturas en una continua y fructífera experimentación. El cuerpo transformado a través de hibridaciones míticas será uno de los argumentos que renuevan dicho elenco.
A ello une su investigación en historia del arte con su tesis doctoral sobre el pintor mexicano Fernando Castro Pacheco, personaje semioculto tras la barrera visual de los grandes muralistas.
Los repertorios materiales y técnicos de la artista son evolutivos, revelando un rico trasfondo manifiesto en sus pinturas, esculturas, grabados, instalaciones y otras manifestaciones. También se percibe la pluralidad de técnicas y materiales utilizados, que incluyen los soportes digitales.

-- Julia Barroso Villar es catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, donde ejerció desde el año 1971 hasta 2009. En sus 38 años en activo estudió el arte contemporáneo español y el asturiano, además de las especialidades de patrimonio y museología. Asimismo, indaga sobre iconografía y arte contemporáneo, incluido el de mujeres de países árabes.
Impartió docencia en grado, cursos de doctorado, de extensión universitaria y de verano en universidades nacionales y extranjeras (Perugia en Italia o New Paltz en Nueva York), lo que le permitió ampliar su idea del arte. Obtuvo una beca en la Universidad de Bochum y colaboró en los programas Erasmus y Sócrates. Entre los cargos que ostentó en la Universidad de Oviedo destacan el de secretaria de la Facultad, subdirectora del departamento de Historia, directora de Relaciones Internacionales y del departamento de Historia del Arte y Musicología.
Hoy en día escribe sobre temas contemporáneos y colabora en reseñas y críticas, sobre todo en plataformas digitales con incidencia en Asturias.
Entre sus obras recientes destacan: Tema, iconografía y forma en las vanguardias artísticas (2005), Arte contemporáneo en el norte de África: Egipto, Túnez, Argelia y Marruecos (2014) y Mujeres árabes en las artes visuales. Los países mediterráneos, (2016) y Marga Sancho, artista visual, artista vital (2017).
Una artista digna de gran atención que comunica importantes mensajes de pluralidad cultural, de presencia de la mujer y de búsq

Aleksandr Andréyevich Ivánov (San Petersburgo, 1806-1858) dedicó los últimos veinte años de su vida a la confección de un único cuadro, La aparición del Mesías al pueblo (5,20 × 7 m), que se halla expuesto en la Galería Tretiakov de Moscú. La escena elegida marca el inicio del camino hacia la redención de la humanidad. Pero para poder representar la trascendencia de lo ocurrido, creía Ivánov necesitar algo más que su talento. En vano quiso buscar la fe mientras iba pintando el cuadro. Gógol, amigo del pintor, vaticinó que su novela Almas muertas y el cuadro de Ivánov serían las dos grandes obras que impulsarían la redención de Rusia. Sin embargo las cosas no sucedieron de ese modo, antes al contrario: Gógol, desconcertado por la recepción de su novela, cayó en una profunda crisis espiritual y poco antes de morir quemó las páginas manuscritas de la segunda parte de la novela; y el esfuerzo de Ivánov por encontrar la fe redentora no se vio recompensado. El protagonista del lienzo es ese pueblo al que la figura inquietante del Mesías debe aparecerse.
Ivánov buscó la ayuda del pintor nazareno Overbeck y el asesoramiento bíblico del filósofo David Strauss. Herzen le financió parte de sus gastos y lo ánimo para que no desfalleciera y lograra acabar el cuadro. Y Turguénev le dedicó unas emotivas páginas.

-- Ignacio de Llorens (Barcelona, 1957). Ejerce de profesor de enseñanza secundaria de historia y de filosofía en Palma de Mallorca.
Ha publicado el libro de entrevistas Porque nunca se sabe (Barcelona, Laia, 1985, en colaboración con J. A. González) y el libro de viajes El último verano soviético (Madrid, FAL, 1999). Colaboró en diversas revistas, entre otras: Vuelta y Letras Libres, de México; Polémica, Historia y Vida y Archipiélago, de Barcelona; Historia16, de Madrid y actualmente (2020) lo hace en La Gaceta de Alejandría, de Palma de Mallorca.
En 2015 tradujo del francés la novela Nerrantsula de Panait Istrati para Krk Ediciones.

-- Edición de Elena de Santiago Páez y Javier González Santos

Los textos que convenimos en llamar Sobre el conocimiento de las pinturas originales y de las copias fueron escritos por Juan Agustín Ceán Bermúdez en Sevilla (1791 y 1805), mientras organizaba el Archivo General de Indias. El primero (que denominó Discurso) permaneció inédito, mientas el segundo (la Carta), más extenso y razonado, fue publicado en la prensa periódica en tres ocasiones (1806, 1843 y 1863) pero siempre sin firmar. La redacción respondía a un imperativo epistemológico que en el agitado mercado del arte y del coleccionismo institucional se fue imponiendo a partir de la segunda mitad del siglo xviii y comienzos del XIX: disponer de un método práctico y eficaz para conocer el estilo y maneras de los grandes pintores y así discernir sus obras originales de las copias. En ambos escritos se detalla el sistema y procedimientos empleados en la infancia de la historia del arte para saber ver pinturas y el método en el que el propio Ceán fundó su agudeza: el estudio y confrontación de los dibujos preparatorios y estampas de los propios artistas con las pinturas objeto de análisis.

-- Juan Agustín Ceán Bermúdez (Gijón, 1749 - Madrid, 1829) es el fruto más quintaesenciado de las ciencias humanas de la Ilustración española. Criado a los pechos de Jovellanos, fue el creador de la moderna historia del arte patrio. Aficionado a las bellas artes desde joven, aprendió a dibujar y pintar con Juan de Espinal (1769-1776) y Antonio Rafael Mengs (1776); esto y su cotidiana relación con artistas (como Francisco Goya) contribuyeron a cimentar su impecable formación técnica y perspicacia para las artes visuales.
Como historiador, puso en práctica el método racional, la sana erudición y crítica textual aprendidos de Jovellanos. Trabajador infatigable y riguroso, dio a la imprenta títulos imperecederos como el Diccionario histórico de los profesores de las bellas artes en España (Madrid, 1800), la Descripción artística de la catedral de Sevilla (Sevilla, 1804), la Carta sobre el estilo y gusto en la pintura sevillana (Cádiz, 1805), las Memorias para la vida de Jove Llanos (Madrid, 1814), la edición de las Noticias de los arquitectos y arquitectura de España de Eugenio Llaguno (Madrid, 1829) o el Sumario de las antigüedades romanas en España (Madrid, 1832). Pero gran parte de su producción quedó manuscrita. En 2016, Krk Ediciones publicó su Historia del arte de la pintura en España, editada por David García López y Daniel Crespo Delgado.

Esta antología no pretende reivindicar una enjundiosa tradición patria original o injustamente olvidada a propósito de la psicología del arte. Ni siquiera aspira a tratar de agotar o sistematizar lo más importante o significativo que en aquella época se pudiera saber en España sobre tal dominio.
Lo que en ella importa más bien es llamar la atención sobre cómo argumentos psicoestéticos bien conocidos en el contexto internacional de finales del siglo XIX y principios del XX —los que autores como Spencer, Guyau, Nietzsche o Lombroso habían puesto en circulación— se ajustan a lo que la realidad cultural española exige en un momento histórico-social crítico: el de los años inmediatos a la llamada crisis del 98.
Psicología y arte confluyen en la propuesta de un nuevo modelo de sujeto —nacional, ciudadano, social— cuya definición y supuesta naturaleza está en disputa entre diversos proyectos reformistas. Para intelectuales como Santiago Ramón Cajal, Rafael Salillas, Gonzalo Rodríguez Lafora, Juan Vicente Viqueira o Eloy Luis André, imbuidos inevitablemente del espíritu regeneracionista, el arte solo puede ser un síntoma privilegiado del funcionamiento del mundo interior y emocional de individuos y colectivos, y un medio para su diagnóstico, tratamiento y reeducación ciudadana.

El libro se compone de una selección de escritos de autores cuya obra puede servir para cartografiar las funciones culturales de la psicología del arte en la España de finales del siglo XIX y principios del XX. Bajo la coordinación de Jorge Castro, reconocidos historiadores de la psicología se han encargado de redactar introducciones a la vida y obra de los personajes seleccionados y de confeccionar enjundiosos aparatos críticos para sus textos originales.
José Carlos Loredo se ha ocupado de Santiago Ramón y Cajal (1852-1934), Iván Sánchez de Rafael Salillas Panzano (1854-1923), Amelia Gutiérrez de Francisco Santamaría Esquerdo (1866-1925), Belén Jiménez de Francisco Barbens (1875-1920), Marco Bernal de Juan Vicente Viqueira Cortón (1886-1924), Enrique Lafuente de Gonzalo Rodríguez Lafora (1886-1971), y el propio Jorge Castro de Eloy Luis André (1876-1935).
Los apuntes ofrecidos por estos especialistas enriquecen la lectura de los escritos, ampliando el panorama de su comprensión e interpretación crítica incluso más all

Tras toda una vida entregada al estudio y defensa de las bellas artes, el asturiano Juan Agustín Ceán Bermúdez emprendió en 1822 la que iba a ser su última gran obra, una monumental historia de la pintura en la que siguió trabajando hasta poco antes de su muerte.

Esta obra resulta tan novedosa como la trayectoria de quien fuera el primer historiador del arte español. Gracias a un trabajo muy laborioso que incluyó numerosas lecturas, viajes, registros en archivos y compra de estampas, Ceán pudo trazar un completo fresco de la evolución de la pintura europea. Incidió de manera especial en la pintura española, cuyo desarrollo puso en paralelo con el protagonizado por las grandes escuelas europeas. Nunca antes se había emprendido tarea semejante, y tardaría mucho en repetirse.

Esta es la primera vez que se publica en su integridad la parte dedicada a la escuela española de la Historia del Arte de la Pintura, cuyos once tomos todavía permanecen manuscritos en el archivo de la Real Academia de San Fernando. El lector tiene ahora la oportunidad de conocer mejor la aportación de Ceán Bermúdez, el autor más representativo de toda una generación que, bajo el signo de la Ilustración, creó la moderna historia del arte.

• Juan Agustín Ceán Bermúdez (Gijón, 1749 – Madrid, 1829) fue el primer estudioso en España en aplicar la crítica histórica nacida de la Ilustración a la investigación de las bellas artes. Estrecho amigo de personajes tan trascendentes para entender el pensamiento artístico de su época como Jovellanos o Goya, su pasión por la investigación le llevó a abordar todos los campos posibles de estudio, desde la arquitectura a la pintura pasando por la escultura, el dibujo, el grabado o la arqueología; y todas las épocas, desde la Antigüedad hasta su propio tiempo.
Residente durante muchos años en Sevilla y Madrid, viajó por buena parte de España, teniendo acceso a las mejores colecciones públicas y privadas, así como a los archivos más importantes. Lo que le quedó por ver, lo conoció gracias a una tupida red de corresponsales, que durante décadas le enviaron noticias esenciales para la historiografía española.
Rodeado de libros, dibujos, estampas y documentos, y frecuentando las obras de arte – en muchas ocasiones junto a sus amigos artistas –, creó una nueva disciplina en la que su labor erudita nunca dejó de lado la pasión por la contemplación de las obras de arte. Trabajador incansable, vinculado a las reales academias de su tiempo, su larga vida se consagró al estudio de las bellas artes. Auténtico pionero en nuestro país, sus trabajos son todavía indispensables para el conocimiento de la historia de las artes en España.

La anónima publicación de "Efluvios cordiales de un monje amante del arte" en 1796 marca el nacimiento del romanticismo alemán. Pese a su apariencia y tono inocentes, es un alegato del entusiasmo artístico dirigido contra la tradición dieciochesca: no el arte clásico, sino el renacimiento italiano y, sobre todo, el redescubrimiento de Alberto Durero como personificación del auténtico arte alemán constituyen el paradigma que presenta la obra.
El texto ofrece otras características sorprendentes: la combinación de formas (vidas de artistas, cartas, poemas, una nouvelle...), el tono patriarcal del narrador, la idea ilustrada de la tolerancia aplicada al arte, el anuncio de una nueva religión del arte y el relato de la vida de Berglinger. Este supone una doble innovación, al proyectar la música como arte absoluto e introducir el modelo de artista romántico en conflicto permanente con su entorno. La aparente sencillez e inocencia del discurso del monje, de agradable lectura - el texto no se dirige a expertos, sino a amantes del arte-, ni oculta su conocimiento de la discusión estética en la Alemania de finales del XVIII, ni resta complejidad a su radical intención filosófica.

La música griega antigua presenta graves problemas a la hora de valorar sus muchas aunque contradictorias fuentes. Ello se debe a que los musicólogos, gramáticos y poetas que hablan de la música y de cualquiera de sus manifestaciones pertenecen, por lo general, a un periodo histórico alejado de aquél al que hacen referencia o, sencillamente, porque desconocen las fuentes originales y el contexto temporal e incluso geográfico del que éstas emanan.
Acudiendo por ello al conjunto de fuentes disponibles, sin desechar ninguna, fuentes principalmente griegas aunque, en ocasiones, también romanas, la presentee monografía analiza los instrumentos empleados por los pueblos griegos y aporta un glosario donde se mencionan todos los instrumentos de los que tenemos noticia.

Rústica Arte col.Asturias