En este lúcido ensayo, el erudito ensayista francés analiza la obra de Élisabeth Louise Vigée Le Brun, una de las pintoras más brillantes e ignoradas de las últimas décadas prerrevolucionarias en Francia. Retratista magistral «capaz de conjugar el parecido fiel con la idealización im- palpable», Vigée Le Brun fue la aliada a la que escogió María Antonieta para ofrecer una imagen humana y digna de ese mundus muliebris que ella representaba y que, supuestamente, corrompía el prestigio y la autoridad de los monarcas a fuerza de afeminarlos. Un relato fascinan- te que recrea con magnífica precisión el virulento despertar de una misoginia política, moral y social que hizo de la reina María Antonieta y su retratista oficial sus chivos expiatorios.

Este libro reúne los dos textos que Ivo Andrić, premio Nobel de Literatura en 1961, dedicó al gran pintor español Francisco de Goya. En el primero, el escritor resume la vida del pintor y analiza algunos de los aspectos biográ cos más decisivos para entender el estilo y los temas en su obra. En el segundo, Andrić recrea una conversación con Goya, quien se le aparece en un viaje a Burdeos, ciudad donde el pintor pasó sus últimos años. Y pese a que Goya le confiese su falta de elocuencia, y hasta la reivindique como el resultado de su apego a la sencillez, su voz suena clara y su discurso es luminoso. Andrić realizó así el homenaje más generoso que un escritor puede rendir a un pintor: prestarle las palabras para expresar de otro modo lo que las imágenes pueden seguir revelándonos dos siglos después de haber sido creadas. Para comprobarlo, al lector le bastará contemplar las treinta reproducciones de obras de Goya alojadas en el Museo del Prado que se incluyen en las últimas páginas del libro.

En 1600, durante un viaje a Italia, Rubens conoció en Venecia a Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y generoso mecenas que le ofreció el prestigioso puesto de pintor de corte. Esta circunstancia permitió a Rubens familiarizarse con la obra de los grandes maestros de la pintura italiana, pero además le brindó la oportunidad de conocer a Claudio Monteverdi, miembro de la capilla ducal. Durante los ocho años que compartieron en la corte de Mantua, el pintor y el compositor desplegaron su arte en un momento crucial tanto de la música como de la pintura. A través del análisis de una obra de Rubens, el Consejo de los dioses (1624), cuyo origen ha sido un misterio para diversas generaciones de historiadores del arte, Hans Ost abre interesantes perspectivas sobre la relación entre distintas disciplinas artísticas.

El hombre que camina es posiblemente la escultura más célebre del siglo xx, un emblema universal del ser humano en el que Giacometti trabajó incesantemente durante sus últimos años. Franck Maubert rastrea las circunstancias en las que la escultura fue concebida y nos descubre que, más allá del significado que cobró tras la devastación de la Segunda Guerra Mundial, la obra ha trascendido su época y dialoga tanto con las manifestaciones más primigenias de la civilización humana como con los hombres y las mujeres de hoy y de mañana.

La decadencia de la mentira (1898) no es sólo uno de los diálogos de mayor alcance teórico de Oscar Wilde, sino que representa su manifiesto antinaturalista y una contribución tan notable como polémica, aún hoy, al debate sobre el valor del arte. Para Wilde, cuando se exige al arte que renuncie a la belleza—la más elevada aspiración humana—en pos de la verdad, se sacrifica una de las capacidades más extraordinarias del ser humano: la de transformar la realidad. Crear significa urdir maravillosas mentiras para convertir el mundo en un lugar digno de nuestro asombro. Y cuando el Arte consigue liberarse de las cadenas del realismo, no sólo no imita a la Naturaleza ni a la Vida, sino que se convierte en el modelo de ambas.

Un paisaje de ruinas fascinante con una fecha inscrita, 1536, y la firma de un pintor, Herman Posthumus, del que nada se sabe. Éste es el punto de partida de un viaje a los restos del palacio de Nerón en Roma, al que en el siglo XVI descendieron tres artistas flamencos para ver los frescos grutescos y grabar sus nombres en aquellas antiguas paredes olvidadas durante siglos. Los tres pintores, Heemskerk, Posthumus y Sustris, se hallan en el origen del paisaje de ruinas, un género que no sólo causó furor en toda la Europa del Renacimiento, sino que dejó una honda impronta en la pintura occidental posterior. «Roma quanta fuit» combina el ritmo narrativo del relato detectivesco con una investigación histórica rigurosa donde el estudio de los documentos se completa en todo momento con el análisis estilístico de las obras. A través de la pintura flamenca y la italiana, la arqueología y el dibujo, Nicole Dacos reconstruye la historia de una escuela artística desconocida que sin embargo inauguró toda una tradición.

Georges Braque publicó en diciembre de 1917 unas notas sobre su pintura en la revista de vanguardia “Nord-Sud”, propiciada por el poeta Pierre Reverdy. En ellas pretendía mostrar «la orientación de un arte», el cubismo, que había dado lugar «a tan diversas interpretaciones». Años más tarde reescribió esas notas y añadió otras nuevas, agrupándolas en el opúsculo “El día y la noche”, que ahora publica la editorial Acantilado junto con aquellas primeras que están en su germen. El lector encontrará en este libro un documento de primera mano para comprender una de las tendencias más creativas del arte del siglo XX, en especial en sus aspectos clasicizantes y esencialistas, así como el testimonio de la evolución intelectual de uno de sus grandes pintores.
“El sentido del humor no falta en algunas páginas. Un conjunto de reflexiones indispensables sobre la estética.” (Dolors Massot, ABC).
“ Una reflexión estética casi wittgensteiniana en brillantez y concisión.” (J.F. Yvars, La Vanguardia).
“ Cercando, sin querer, la estética de Stéphane Mallarmé; componiendo borradores que habrían facilitado a Oscar Wilde su concepción estética; moldeando lo fortuito y lo imprevisible que los surrealistas se encargarían de erigir en templo.” (M. José de los Santos, El Periódico).
“Braque lega sus cuadernos a otra disciplina, la literatura, que debe agradecerlos e incorporarlos como pedazos de un pintor tocado por la gracia de la pluma.” (M. José de los Santos, El Periódico).
“Un libro de aforismos de Braque que desmonta los tópicos más extendidos sobre su arte.” (Xavi Ayén, La Vanguardia).
-- George Braque (Argenteuil, Francia, 1882 - París 1963) fue uno de los más importantes pintores de la espléndida vanguardia de principios del siglo XX. En 1907 pasó a formar parte del importante grupo de artistas que se reunieron alrededor de Daniel-Henry Kahnweiler, que acababa de abrir en París la pequeña galería destinada a jugar un papel tan sustantivo en el desarrollo del arte contemporáneo. Juanto a su coetáneo Pablo Picasso, fue el creador del cubismo.
-- Traducción: Ramón Andrés y Rosa Rius Gatell.

En este libro de ensayos, Oscar Tusquets, diseñador, pintor y arquitecto, se presenta, por encima de todo, como un fino observador alejado de prejuicios que nos ofrece una generosa mirada sobre el hecho artístico entendido en su más honda humanidad: aquello que, huyendo de lo engolado, destila oficio, amor y conocimiento. Su aproximación al arte, a la arquitectura o al oficio es siempre un acercamiento alejado por sistema de cualquier juicio previo o cualquier actitud preestablecida: de ahí su radical y profunda iluminación. Los personajes que le sirven de punto de partida y que configuran este friso son, tal como afirma el autor en su título, «dignos de ser amados».
• Oscar Tusquets Blanca (Barcelona, 1941), arquitecto, diseñador, pintor y escritor, es el prototipo de artista integral que la especialización del mundo moderno ha llevado progresivamente a la extinción. Por su trayectoria profesional ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Diseño, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, la insignia de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, y la Creu de Sant Jordi. Tiene además dos premios Ciutat de Barcelona y varios FAD de Arquitectura y Deltas de Diseño. En 1994 se reveló como ensayista con Más que discutible, más tarde publicó los libros Todo es comparable, Dios lo ve y Contra la desnudez y, en el año 2003, Dalí y otros amigos y Anna. En 2012 salieron a la luz unas memorias de la infancia escritas a cuatro manos con su hermana Esther Tusquets, Tiempos que fueron. Es también autor principal de Requiem por la escalera y del libro L’escalier, publicado en Francia y en el Reino Unido.

En este sugerente ensayo, Carla Carmona trata de reflejar la visión del mundo del pintor Egon Schiele destacando las relaciones de parentesco que se dan entre su obra y la de algunos de sus contemporáneos, principalmente Wittgenstein y Trakl. Asimismo, intenta esclarecer su gramática, en la medida en que el artista participó de la crisis del lenguaje característica de la Viena finisecular, aspecto generalmente negligido cuando se le cataloga expeditivamente de expresionista. Un libro iluminador sobre un momento fundamental de la cultura europea contemporánea.
• Carla Carmona (Sevilla, 1982) es Doctora en Filosofía por la Universidad de Sevilla. En la actualidad es profesora de Filosofía en la Universidad de Extremadura. Especializada en la Viena finisecular, ha publicado numerosos artículos acerca de la pintura y la cosmovisión de Egon Schiele, así como del pensamiento de Ludwig Wittgenstein y su dimensión estética. Cabe destacar su libro La idea pictórica de Egon Schiele: Un ensayo sobre lógica representacional (2012) y su labor como editora de la revista Egon Schiele Jahrbuch.

«Una educación sensorial es el título de este libro, pero, asimismo, exactamente, lo que en él se narra bajo la doble experiencia de un adolescente que descubre en el arte lo que la vida todavía no le ha ofrecido, y de un adulto que evoca, tras el paso de los años, lo que fue aquel aprendizaje singular y en muchos sentidos mágico. Sin embargo, también el subtítulo es ajustado, puesto que, como se observará, la narración implica a la par una reflexión sobre el erotismo y una auténtica historia del desnudo en la pintura, construida siempre, eso sí, desde la experiencia subjetiva del narrador». (Rafael Argullol).
«Un libro ameno y rico, no sólo destinado a los amantes de la mejor pintura». (Luis Antonio de Villena).