La guía del insider del arte urbano. Desde cómo confeccionar una bomba de semillas hasta cómo fabricar tu propia cola para carteles, crear un rotulador de tinta orgánica o colocar azulejos, Benke Carlsson y Hop Louie han unido su experiencia y conocimientos a los de otros reputados artistas callejeros para compilar en un solo volumen las principales técnicas y materiales del arte urbano. En este recetario encontrarás una excelente ayuda para impedir que tu imaginación se vea lamentablemente limitada por la falta de conocimientos técnicos, así como una buena dosis de inspiración para lanzarte inmediatamente a la calle a poner en práctica tus conocimientos y creatividad.

Desde finales de los años veinte del siglo XVI hasta su muerte en 1576 la actividad artística de Tiziano, lejos de centrarse en Venecia, su ciudad de adopción, se desarrolló, muchas veces con preferencia, al servicio de las cortes del Renacimiento italiano (Ferrara, Mantua, Urbino, Pesaro, Roma) y europeo (la imperial de Carlos V y, sobre todo, la real de Felipe II en España). Este trabajo, fruto de varios años de investigación en diversos museos, archivos y bibliotecas de Europa, explora las estrategias cortesanas de uno de los mayores artistas de la época y la manera cómo Tiziano modeló no sólo su carrera, sino, en buena medida, su porpia idea de la pintura en fuinción del mundo de las cortes renacentistas de la primera mitad del siglo XVI. A partir de su colaboración temprana con Alfonso de Este en Ferrrara, con el que pretendió revivir la perdida pintura de los griegos, hasta llegar a Felipe II, su principal coleccinista, para el que realizó decenas de obras maestras en el campo del retrato, la pintura mitológica y la religiosa, la actividad de Tiziano configuró una nueva manera de relacionar la pintura con el poder político, de gran influencia en la Europa de la Edad Moderna, sin la que no podrían entenderse las figuras, entre otros, de Diego Velázquez, Pedro Pablo Rubens o Nicolás Poussin.

El sector de los accesorios es una especialidad en auge en el mundo de la moda. Sin embargo, es difícil encontrar manuales que aborden los principios y procesos del diseño de moda centrándose en las especificidades de la industria del accesorio.
Este libro trata de paliar este vacío ofreciendo una introducción básica al diseño de accesorios. Con un estilo directo y pragmático, el libro expone todo lo que hay que saber para hacerse una idea completa de cómo funciona esta especialidad: desde la anatomía y los aspectos básicos de los complementos más importantes (bolsos, calzado, joyería, sombreros, gafas, bufandas, pañuelos, corbatas, relojes, cinturones y guantes), pasando por el proceso completo de diseño, las técnicas de producción, los materiales naturales y sintéticos con que se fabrican, y, finalmente, las técnicas de acabado tradicionales y actuales.
Diseño de accesorios es una guía práctica y visual, repleta de información gráfica que complementa la base teórica expuesta en cada capítulo. El libro incluye además ejercicios prácticos, un glosario básico especializado y numerosas entrevistas a prestigiosos diseñadores internacionales que revelan sus propios procesos de diseño y la filosofía subyacente a su trabajo.

Diseño de joyería es una guía práctica para introducirse por primera vez en el universo del diseño de joyas. Partiendo de las materias clave que todo diseñador de joyas debe conocer (historia, estilos, investigación, creación, producción, marketing y carrera profesional), la autora presenta, con un estilo directo y claramente enfocado a la práctica profesional, las estrategias y recursos básicos con que el diseñador de joyas y bisutería se topará en su quehacer diario. Este contenido se complementa con los valiosos testimonios de profesionales pertenecientes a la escena contemporánea del diseño de joyas, que exponen sus experiencias a través de entrevistas y ejemplos reales.
En la actualidad, el diseño de joyas se ha vuelto más versátil y poco ortodoxo, alejándose de la idea convencional que tenemos de la joyería. El libro también recoge las nuevas técnicas y materiales de un oficio que está generando nuevas profesiones y se ha abierto a nuevos territorios.

Libro de gran formato y profusamente ilustrado del reconocido interiorista español, Jaime Parladé quien inició su carrera en Marbella con la decoración del hotel de Guadalmina en 1958. Esta obra lo distinguió como una de las principales figuras de la renovación de interiores de aquella ciudad, donde decoró las casas de varias familias y personajes de la vida social, nobles e intelectuales de Marbella y de su costa. Jaime Parladé también ha trabajado en Corfú, Marrakech, Miami, Gstaad o Connecticut, entre otros lugares. Su gran habilidad es la mezcla de estilos, pero lo que prevalece ante todo es la calidad de la obra y su comodidad, para que cualquiera de sus realizaciones resulte atractiva y acogedora desde el primer impacto.
Sus trabajos predilectos son los acometidos en casas de campo o las reformas, como las llevadas a cabo en residencias de Madrid, Ciudad Real o Toledo. Con imágenes captadas por reconocidos fotógrafos este libro realiza un recorrido por algunas de sus casas.

Pintura en Hispanoamérica Siglos XVI a XIX pretende ser una obra comprensiva, que se aproxime con rigor y exhaustividad a los diversos aspectos que conforman el panorama pictórico que se abre en Hispanoamérica a lo largos de los siglos XVI a XIX. Muchos años de empeños, viajes y estudios han llevado al gran historiador del arte y reputado profesor de la universidad de Nueva York, el doctor Jonathan Brown, a culminar, con la decisiva contribución de su colaboradora, la doctora Luisa Elena Alcalá, una obra monumental sobre la pintura en Hispanoamérica entre los siglos XVI y XIX: casi quinientas páginas de gran formato ampliamente ilustradas con imágenes de la mejor calidad. Para Pintura en Hispanoamérica, los doctores Brown y Alcalá han convocado a los más sobresalientes expertos en cada uno
de los periodos, ámbitos y especialidades artísticas desde las que se aborda este trabajo. Se trata de establecer una obra perdurable, definitiva, que en adelante resulte la referencia indispensable para todo posterior estudio sobre pintura hispanoamericana en la época moderna. Se trata de un proyecto largamente madurado por el profesor Brown y preparado con sumo cuidado; un trabajo cardinal que ocupará un lugar preeminente entre las grandes obras que conforman la biografía de este maestro.

De gran formato, acompañado de 65 grandes imágenes a color y 65 en blanco y negro, a través de una rigurosa investigación socio-histórica, Diseño sin diseño : 50 objetos anarquistas -un libro ideado por Rafael Zarza y Koldo Artieda, con edición gráfica de Rai Iglesias & Juan D. Goy, coeditado por Vacaciones en Polonia y la Fundación de Estudios Libertarios Anselmo Lorenzo- rinde homenaje a la producción social y colectiva del arte y el desarrollo de los oficios como herramientas al servicio de aquella revolución sin parangón de la que ahora se cumplen 77 años y que avivó la frase de Carl Einstein “Las masas son el artista”. Además de tratar de manera crítica algunos aspectos de la relaciones estéticas del anarquismo, el intento imposible de devolver a estos objetos su función, contextualizándolos dentro de los acontecimientos de una revolución colectiva en marcha, sus prolegómenos y sus prolongaciones a lo largo de un siglo, sería una de las inmodestas finalidades de este libro, por otra parte de gran atractivo gráfico, en el que han colaborado un montón de personas afines a la Idea.

La imagen surrealista reúne cuatro textos teóricos, cuatro intervenciones críticas, sobre distintos aspectos del surrealismo. En todos ellos, subyace la idea de que el surrealismo no es meramente un «movimiento» poético y artístico más, sino una actitud general ante la vida, que busca la ampliación y el enriquecimiento de la existencia humana. Se plantea, también, que el eje de esa actitud, su núcleo, es el papel que se asigna a la imagen, concebida como plasmación del deseo, como flujo erótico, y que actúa como impulso del cambio, de la transformación.