La gran aventura intelectual del surrealismo agrupó, en los primeros años del siglo XX y a la sombra no siempre protectora del movimiento Dadá, a un reducido grupo literario que acabaría pronto con los gestos y actitudes de la vanguardia rezagada. Contaminó e hizo suyas pintura, escultura, cine y solo la música parece haber estado fuera de su influencia. Intervino en política con la contundencia de una izquierda sin ataduras, ajena al escalafón y al consenso, uniendo a Marx y a Rimbaud en una frase que ha hecho fortuna: «Objetivo triple e indivisible: transformar el mundo, cambiar la vida, rehacer de arriba a abajo el pensamiento humano».
A despecho de ellos mismos que siempre se consideraron al margen del orden establecido, fue la literatura su campo de acción y en muchas ocasiones su campo de batalla. André Breton, Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Antonin Artaud, Louis Aragon y Tristan Tzara forman parte de la literatura francesa del siglo xx. Saber lo que se quiere era una forma de ser del surrealismo y nunca se encontraron a gusto en el escalafón de los manuales: «Desaparecer es triunfar» (Éluard, 1921), «Cuando no se tiene genio el consuelo es tener éxito» (Leiris, 1929), «Es precisa la perseverancia para llegar al fracaso» (Chavée, 1958).
Repertorio de ideas del Surrealismo (1919-1970) reúne textos publicados en libros y revistas, muchos de ellos de difícil acceso para el lector actual. Recoge una parte importante de la agitada historia del Surrealismo y de la actitud de los surrealistas sobre los problemas de su tiempo. Su contenido, a pesar de diferentes autores y de un largo periodo de más de cincuenta años, tiene un carácter, un tono que lo recorre y lo identifica.
• Ángel Pariente (1937) fundó en Madrid la desaparecido Ediciones Júcar, para la que ha dirigido las colecciones «Los Poetas» y «Biblioteca de Traductores». De provincia, publicado en 2010, es su último libro de poesía. Traductor de la obra completa del conde de Lautréamont (Los cantos de Maldoror, Poesías, Cartas); ha publicado varios estudios y antologías dedicadas a la poesía española del siglo XVII (Góngora, Poesía culterana) y al movimiento surrealista: Antología de la poesía surrealista en lengua española (1985), Diccionario temático del Surrealismo (1996) y Razonado desorden (2008).
Su Diccionario bibliográfico de la poesía española del siglo XX (2003) obtuvo el Premio de Bibliografía 2002 de la Biblioteca Nacional.

Este libro, que estudia el mundo de las galerías en Barcelona, nació de un encargo de la Associació Art Barcelona con motivo de la celebración del XX aniversario de su creación. Además de ser una de las pocas publicaciones que analizan la historia de las galerías de arte en nuestro país, resulta un documento práctico para conocer los espacios actuales que pueden visitarse. El estudio Galerismo en Barcelona posee tres partes. Las dos primeras tienen un carácter introductorio y se plantean como una reflexión en torno a episodios significativos que constituyen los antecedentes y referentes de nuestra contemporaneidad. En el primer capítulo, Descubrir el arte 1877-1936, se tratan los orígenes y la formación de la institución galería en Cataluña, tomando el Salón Parés (1877-1925) como punto de partida. El segundo capítulo, Defender el arte 1939-1970, analiza el tramo que va de la posguerra a la década de los setenta, un ciclo en que se van a ir consolidando unas plataformas y un público para el arte contemporáneo. Y finalmente, el último epígrafe, Difundir el arte 1970-2012, el más extenso, que se dedica a los tiempos recientes, un momento de una especial vitalidad y en el cual se acaba de articular el mercado del arte en nuestra ciudad. Ésta es una de las primeras visiones de conjunto que tratan el mundo de las galerías en España. Hasta ahora contábamos con estudios individuales de diversas salas de arte, pero no de visiones panorámicas o que intentaran una síntesis globalizadora. El libro incluye numerosas fotografías de archivo y materiales inéditos que ilustran este interesante recorrido por la historia del galerismo en la capital catalana

Es urgente escribir sobre moda. Y lo es por la enorme atracción que ejerce sobre la sociedad. Tanta, que son pocos los que escapan de su poderoso influjo. Su dimensión mediática nos afecta en nuestro día a día: nos vestimos y vivimos, en gran medida, como nos enseñan a hacerlo las marcas de moda. La moda, más allá de vendernos ropa, nos ofrece estilos de vida, muestra nuestro interior y cuenta al mundo quienes somos.
Por esta razón entrar en la trastienda de la gestión comunicativa de las empresas de moda -con un foco especial sobre las marcas españolas- es el objetivo de este libro, que pretende explicar con orden y contexto cómo sucede este fenómeno. Estas páginas son para el estudiante y el profesional de la comunicación de moda un manual práctico y directo sobre la profesión, se explica todo: desde el enfoque stakeholder y los once tipos de público que puede tener una marca, hasta la integración de todas las comunicaciones en una sola estrategia de marketing o el desglose detallado de todos y cada uno de los formatos comunicativos que se utilizan en moda. Pero este libro aporta, sobre todo, una visión de conjunto de los principios y fundamentos de una disciplina, la de la comunicación de moda, cuya repercusión va mucho más allá de los límites estrictos de la industria a la que pertenece.

¿Qué tienen en común el Escarabajo de Volkswagen, la casa Farnsworth de Mies van der Rohe, los carteles de Cassandre, el grabado Tauromaquia 20 de Goya y la catedral de Notre Dame? La comprensión profunda de los sistemas de proporción que refleja su diseño.
Algunas ideas excelentes fracasan en su ejecución porque el diseñador no comprende adecuadamente los principios visuales de la composición geométrica. Este libro pretende explicar dichos principios de manera visual a través de un esclarecedor repaso de los sistemas de proporción clásicos (como la sección áurea y la secuencia Fibonacci, los rectángulos raíz, las ratios, la interrelación de las formas o las líneas reguladoras), y por medio del análisis pormenorizado de 40 diseños de carteles, objetos y edificios cuyo agudo sentido de la proporción ha legitimado el paso del tiempo.
Si bien el análisis geométrico no aborda el contexto cultural en que se ha producido un diseño, sí que resulta increíblemente iluminador respecto a los principios compositivos y permite valorar la primera respuesta —intuitiva— del receptor. La geometría del diseño no pretende cuantificar la estética a través de la geometría, pero sí analizar el papel que la simetría, el orden y el equilibrio visual desempeñan en el arte y el diseño para enseñarnos a reconocer el funcionamiento de estos principios y ayudarnos a aplicarlos eficazmente en nuestro propio trabajo.

Este libro nos introduce en el alfabeto y en el arte de la tipografía de forma absolutamente original y entretenida. Conoceremos a un grupo de revoltosas letras que se conocen por primera vez en una pequeña habitación amarilla. ¿Que las ha traído hasta aquí? Antes de finalizar el libro, el extraordinario secreto que cambiará el mundo nos será revelado...

La madera como soporte ha sido, después del muro de cobijo de los primeros pobladores, uno de los materiales más utilizados desde la Antigüedad y uno de los de mayor recorrido a lo largo de la historia, llegando hasta nuestros días su uso en la elaboración de objetos artísticos.
Siendo un material de indiscutible nobleza, se encuentra, sin embargo, sujeto a una gran inestabilidad provocada por la influencia de diferentes agentes del entorno. Como soporte de obra de arte que forma parte de un amplísimo legado cultural, está sujeta a las leyes inexorables de la naturaleza: envejecimiento y transformación (desaparición). Así pues, el mecanismo que genera la aceleración del envejecimiento está en las condiciones de vida, es decir, en el ambiente en que se encuentra el objeto artístico.
La conservación preventiva busca adelantarse al deterioro que estos factores puedan causar, estudiando sus características, las del objeto, la interacción entre ambos y teniendo siempre en cuenta la optimización de los recursos disponibles. La adopción de medidas que estén a nuestro alcance para minimizar la incidencia de cualquiera de estos factores puede ser muy importante para la conservación. Excepto en el caso de los grandes museos o instituciones, no es preciso implementar grandes infraestructuras o disponer de enormes presupuestos para lograrlo.
El fin de este libro no es otro que poner a disposición del usuario un material recopilado de diferentes fuentes, que le sirva como punto de partida para un primer análisis de la situación del patrimonio encomendado y para acceder a una información más amplia y detallada en caso necesario. Partiendo de dichas premisas y teniendo en cuenta las enormes posibilidades que brindan los medios actuales para la consulta inmediata, esta publicación puede considerarse una pequeña guía de orientación en este largo camino aún por recorrer.
• Ubaldo Sedano Espín es jefe del Área de Restauración del Museo Thyssen-Bornemisza desde 2003.
Durante años ha ejercido como profesor y coordinador de diferentes másteres de Conservación Preventiva, Restauración, Seguridad y Museología en universidades e instituciones públicas y privadas. En los años 1988-1990 realizó la coordinación de diferentes cursos para el Ministerio de Cultura con la Universidad Politécnica de Cataluña y con la Politécnica de Madrid. Entre 1987 y 2001 participó como profesor y experto asesor en los proyectos derivados de los convenios suscritos entre el Gobierno de España y los de Ecuador, Perú y Argentina para la recuperación del patrimonio mueble e inmueble.
Ha dirigido también diferentes proyectos de investigación y actualmente participa junto a otras instituciones en el desarrollo de diversos proyectos.
Asimismo, ha impartido charlas en reuniones técnicas y congresos nacionales e internacionales, y ha participado en el comisariado de exposiciones tales como Otto Dix: Retrato de Hugo Erfurth. Técnicas y Secretos (2008), Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia (2010) y El Greco. De Italia a Toledo (2014).
Desde hace algunos años forma parte del comité de expertos de Feriarte, Feria de Arte y Antigüedades de Madrid.

Georges Braque publicó en diciembre de 1917 unas notas sobre su pintura en la revista de vanguardia “Nord-Sud”, propiciada por el poeta Pierre Reverdy. En ellas pretendía mostrar «la orientación de un arte», el cubismo, que había dado lugar «a tan diversas interpretaciones». Años más tarde reescribió esas notas y añadió otras nuevas, agrupándolas en el opúsculo “El día y la noche”, que ahora publica la editorial Acantilado junto con aquellas primeras que están en su germen. El lector encontrará en este libro un documento de primera mano para comprender una de las tendencias más creativas del arte del siglo XX, en especial en sus aspectos clasicizantes y esencialistas, así como el testimonio de la evolución intelectual de uno de sus grandes pintores.
“El sentido del humor no falta en algunas páginas. Un conjunto de reflexiones indispensables sobre la estética.” (Dolors Massot, ABC).
“ Una reflexión estética casi wittgensteiniana en brillantez y concisión.” (J.F. Yvars, La Vanguardia).
“ Cercando, sin querer, la estética de Stéphane Mallarmé; componiendo borradores que habrían facilitado a Oscar Wilde su concepción estética; moldeando lo fortuito y lo imprevisible que los surrealistas se encargarían de erigir en templo.” (M. José de los Santos, El Periódico).
“Braque lega sus cuadernos a otra disciplina, la literatura, que debe agradecerlos e incorporarlos como pedazos de un pintor tocado por la gracia de la pluma.” (M. José de los Santos, El Periódico).
“Un libro de aforismos de Braque que desmonta los tópicos más extendidos sobre su arte.” (Xavi Ayén, La Vanguardia).
-- George Braque (Argenteuil, Francia, 1882 - París 1963) fue uno de los más importantes pintores de la espléndida vanguardia de principios del siglo XX. En 1907 pasó a formar parte del importante grupo de artistas que se reunieron alrededor de Daniel-Henry Kahnweiler, que acababa de abrir en París la pequeña galería destinada a jugar un papel tan sustantivo en el desarrollo del arte contemporáneo. Juanto a su coetáneo Pablo Picasso, fue el creador del cubismo.
-- Traducción: Ramón Andrés y Rosa Rius Gatell.