Descubre cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias.

La pregunta más repetida en relación con el arte de nuestra época es fruto de la perplejidad: ¿qué significa? Pues su principal y revolucionaria característica es el rechazo a la tradición. ¿Cuál es, entonces, el fundamento de ese arte que ya no busca imitar selectivamente la realidad para plasmar su belleza? La respuesta es la libertad. El ejercicio de ésta implica no aceptar determinación dogmática ni canon preestablecido alguno. Esto explica por qué, todavía hoy, se discute no el valor de una obra, sino qué es el arte. Como el resto de los valores de nuestra época, se rige por el tiempo, cuyo fundamento es el cambio. Probablemente nunca llegaremos a una formulación definitiva acerca del significado del arte, pero ello no nos priva de la experiencia y, por lo tanto, del saber derivado de la historia de esa aventura.

En esta obra, Francisco Calvo Serraller analiza cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias. Esta nueva edición, para la que el autor ha escrito un «Epílogo a modo de prólogo» y que está profusamente ilustrada, aportará a los conocedores una síntesis clara de arquitectura, pintura, escultura, fotografía y cine, que permitirá ordenar conceptos, y a los profanos una clave para acercarse a este apasionante tema.

Jordi Teixidor es un pintor abstracto. Y, en este sentido, extremadamente realista, si concebimos lo real como lo opuesto a la consigna, a la normalización tranquilizadora, al runrún megalómano del "statu quo". Es un pintor abstracto y, en consecuencia, concreto y preciso. Porque solo de la máxima claridad puede nacer lo oscuro. De la confusión solo nacen lo confuso y el simulacro de transparencia que deriva de confundir la realidad con las formas más burdas y adocenadas de realismo. Este es un libro sobre arte, es decir, sobre política, es decir, sobre los tiempos que corren y el futuro que prometen.

Baltasar Lobo (1910-1993) es el escultor zamorano de mayor renombre internacional del siglo xx. Su obra, al margen de los academicismos imperantes y con una base popular, modela la definición escultórica de la figura humana dinámica a través de la sencillez formal.
Sus tempranos contactos con Brancusi, Laurens, Picasso y otros artistas de categoría internacional hicieron de sus obras testimonio único de la belleza universal. Sus formas femeninas, esas diosas-madres primitivas extraídas de la memoria de la materia, entonan un canto al origen de la vida. Conocedor de los silencios del cuerpo femenino, Lobo extrae la música de la piedra y el sonido del fuego en los bronces.
Este catálogo razonado es fruto de ocho años de minuciosa investigación, un mapa biográfico imprescindible que reivindica la autenticidad del mercado del arte y de las investigaciones iconográficas.

Para Marc Chagall (1887-1985) la pintura era un intricado tapiz de sueños, cuentos y tradiciones. Con su vocabulario visual, reconocible al instante, Chagall se forjó un lugar único en el arte de principios del siglo XX y fue, a menudo, identificado como una de las primeras expresiones de nuestra experiencia psíquica.

Los lienzos de Chagall se caracterizan por sus pinceladas vagas, sus colores profundos, su particular inclinación por el azul y un repertorio de tropos recurrentes entre los cuales figuran músicos, gallos, azoteas, flores y amantes que flotan en el aire. Rebosantes de encanto etéreo, sus composiciones solían estar plagadas de referencias complejas. En ellas combinó no sólo los colores y las formas, sino también sus raíces judías con su experiencia parisiense, las expresiones de fe con los gestos de amor, los símbolos de esperanza con los testimonios del trauma.

Esta fiel introducción al artista indaga en las múltiples versiones del rico vocabulario de Chagall. A través de escenas de nacimiento, amor, matrimonio y muerte, valiéndose de imágenes de la torre Eiffel o de escenas de Vítebsk, su ciudad natal, esta obra rinde homenaje a la estética única, tan elegante a la vista como atractiva a la imaginación, de uno de los más reconocidos maestros de la modernidad y uno de los artistas judíos más influyentes de todos los tiempos.

Sobre la serie

Cada libro de la Serie Básica de Arte de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

La escultura castellana del siglo XVI es un arte tan fuertemente expresivo que solo toma de la vida lo que conduce de un modo directo a la emoción. Es el tiempo en el que los grandes retablos, tan característicos en el arte español, adquieren todo su desarrollo, no solo en el aspecto decorativo sino también en el narrativo, en el expresivo, para despertar el interés y la devoción de los fieles. Fue Alonso Berruguete (c. 1486 - 1561), uno de los escultores españoles más influyentes del siglo XVI, quizá el artista capaz de reflejar con mayor intensidad en su obra las emociones y los sentimientos religiosos de su época, capaz de expresar en sus esculturas la belleza del alma, el misticismo, la devoción. Los materiales utilizados por Berruguete para la realización de su obra fueron siempre la madera, el mármol, el alabastro o la piedra; y la escultura en madera requería necesariamente la policromía. Alonso Berruguete plasmó el color en su obra con un sello muy personal, armonizado con su técnica y con su ideal.

El arte es esencial para el ser humano, lo define, lo distingue y refleja la psicología del artista y del espectador. Javier Urra nos sorprende en esta obra con una visión muy particular en la que nos describe la presencia en el arte de hasta 65 términos de su especialidad en psicología tales como abuso sexual, ambición, culpabilidad, dolor y sufrimiento, envidia, eutanasia, Inteligencia Artificial, manipulación mental, prostitución, psicopatía, salud mental, venganza?
Así, en este libro encontrará:
Cine Animación
Literatura
Teatro
Cómic
Pintura
Escultura
Música
Danza
Fotografía
El lector podrá disfrutar de esta lectura y recordar, bajo esta nueva perspectiva, lo que quizás ya vio, leyó, escuchó o por qué no, podrá interesarse por profundizar en las propuestas artísticas que nos realiza Javier URRA. Es por tanto, una obra inédita y necesaria que busca que su público lector pueda acercarse de una manera entretenida al mundo del arte y de la psicología.

Paula Barreiro ha estudiado la crítica de arte y el arte de vanguardia en los años 1940-1975-76 desde dos perspectivas fundamentales: analiza con minuciosidad y rigor el desarrollo de la crítica de arte en España en el marco del contexto social y político, con especial atención a la complejidad de los problemas suscitados por la naturaleza de este contexto, y lo hace situando esta crítica en el ámbito de la crítica de arte internacional, con especial atención a la italiana, evitando de esta manera una mirada de otra forma elemental.

Collage, técnica artística que combina elementos diversos en un todo, a veces respira surrealismo, otras vanguardia, pero siempre contiene una amalgama de intenciones libres de ser interpretadas por el observador.
Originalidad y complejidad, serían los criterios más relevantes de está disciplina, donde en su elaboración surgen matices impredecibles.
Un juego de imágenes, donde las proporciones y los personajes, toman otra
dimensión, carácter que enfatiza está técnica, donde la conjugación de elementos busca creativamente un objetivo o función.
Desde el fotomontaje hasta el collage digital, técnicas que han declinado múltiples estilos y lenguajes que os presentamos en este libro con diferentes autores, los más destacados en la escena internacional.