«Una biografía épica. Un libro para disfrutar, ameno y plagado de detalles. Fascinante».

Kirkus Reviews

Basada en años de investigación y entrevistas con decenas de amigos, amantes y detractores de Warhol, esta biografía traza el recorrido del artista desde sus orígenes como hijo de inmigrantes de Europa del Este en Pittsburgh hasta su revolucionario papel en el mundo del arte. Además, es un fascinante retrato de la sociedad y del mundo en los años setenta y ochenta y de las grandes transformaciones ocurridas en el comercio y la cultura.

Tras el resplandor de su famosa Factory, por donde pasaron las figuras más glamurosas de su tiempo (Susan Sontag, Mick Jagger o los barones de Rothschild, entre otros), había un hombre tímido que vivió gran parte de su vida con su madre y protegió con celo su privacidad. Repleto de ideas nuevas sobre el trabajo y la personalidad del artista, este libro capta a la perfección las contradicciones y el radical ingenio que llevaron a Warhol a revolucionar el panorama cultural. ¿Era una broma o un auténtico genio? ¿Era un radical o un arribista? Como el propio Warhol habría respondido: sí.

La crítica ha dicho:
«Ojalá hubiese podido conocer mejor a Warhol. Esta fantástica biografía me hace creer que lo he hecho. Revela tanto al hombre como al genio que se encuentran bajo esa peluca plateada».

Elton John

«Una biografía incisiva y detallada que sitúa al lector en el círculo íntimo y en el santuario de Warhol de principio a fin. Desmenuza cómo, durante décadas, Andy definió estratégicamente el Zeitgeist de la cultura pop y fue el artista más reconocido del mundo».

Fab 5 Freddy

«Una mirada excelente sobre la vida de Warhol, su personalidad y su genio».

Diane von Fürstenberg

«Impresionante, arrebatador».

The Washington Post

«Gopnik es absolutamente minucioso; el libro tiene más de mil páginas, pero no teman, pues es un excelente cronista».

The New Yorker

Descubre cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias.

La pregunta más repetida en relación con el arte de nuestra época es fruto de la perplejidad: ¿qué significa? Pues su principal y revolucionaria característica es el rechazo a la tradición. ¿Cuál es, entonces, el fundamento de ese arte que ya no busca imitar selectivamente la realidad para plasmar su belleza? La respuesta es la libertad. El ejercicio de ésta implica no aceptar determinación dogmática ni canon preestablecido alguno. Esto explica por qué, todavía hoy, se discute no el valor de una obra, sino qué es el arte. Como el resto de los valores de nuestra época, se rige por el tiempo, cuyo fundamento es el cambio. Probablemente nunca llegaremos a una formulación definitiva acerca del significado del arte, pero ello no nos priva de la experiencia y, por lo tanto, del saber derivado de la historia de esa aventura.

En esta obra, Francisco Calvo Serraller analiza cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias. Esta nueva edición, para la que el autor ha escrito un «Epílogo a modo de prólogo» y que está profusamente ilustrada, aportará a los conocedores una síntesis clara de arquitectura, pintura, escultura, fotografía y cine, que permitirá ordenar conceptos, y a los profanos una clave para acercarse a este apasionante tema.

Durante siglos, los pintores se han inspirado en temas literarios para realizar sus composiciones, y los poetas han intentado conjurar ante los ojos de sus lectores imágenes que sólo las artes figurativas podían transmitir de forma adecuada.
Basta una ojeada a la vieja tradición que se inicia en Homero para convencernos de que la poesía y la pintura han marchado siempre codo con codo, en fraternal emulación de metas y medios de expresión. Este paralelismo puede verse tanto en las descripciones plásticas de La Divina Comedia de Dante y del Orlando Furioso, como en Milton o Picasso.
A partir de estos y muchos otros ejemplos de pintores y escritores, de cuyas obras Praz incluye numerosas reproducciones, este libro presenta la historia común de la pintura y de la literatura, la estrecha relación entre ambas artes. Y, al indagar en esas misteriosas relaciones, el autor nos acerca a la raíz misma de la inspiración artística.

El mundo moderno ha desnaturalizado los géneros pictóricos, dejando al arte en el reino de la indefinición. Aunque su huella siga encontrándose en la creación artística de hoy, ¿cuál es el sentido de plantearse un tema como el de los géneros de la pintura?
Cuando en el mundo del arte contemporáneo se apela al género, se hace siempre como un límite que hay que desafiar. Pero los géneros artísticos no han desaparecido del arte, sino que es su jerarquía tradicional la que se ha visto alterada. Así, el arte contemporáneo ironiza, mezcla, confunde y desjerarquiza los géneros tradicionales. Esta libertad extrema, esta inmensa amplitud de miras borra cualquier límite o frontera. Es lo moderno. Es el transgénero.
Francisco Calvo Serraller aborda en este libro la compleja y apasionante historia del desnudo, del retrato, del autorretrato, del paisaje y del bodegón, y aprovecha su identidad y características para reflexionar sobre lo que ha sido y es el arte, hasta llegar a su “problemática” supervivencia actual. Arropado por un gran número de reproducciones de obras pictóricas, el resultado es un libro revelador que apasionará tanto a los expertos como a los aficionados al arte.

¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro?
Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de Comunicación de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno.
Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.
«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.» (Nati Pulido, ABC).
«Will Gompertz es el mejor profesor que podrías tener.» (Guardian).
«Espléndidamente irreverente… Su prosa es clara como el cristal.»
(The Telegraph).

Vuelve la fresca sabiduría de Gompertz para enseñarnos a mirar como artistas y experimentar una nueva manera de estar en el mundo.

Los artistas han aprendido a prestar atención. El resto de los mortales, sin embargo, pasamos la mayor parte del tiempo con el piloto automático, corriendo de aquí para allá, y nuestra excesiva familiaridad con lo que nos rodea nos ciega ante el sinfín de maravillosos fenómenos que afirman la vida. Pero no tiene por qué ser así.

A su más puro estilo, Will Gompertz nos lleva a la mente de los artistas, desde estrellas contemporáneas hasta viejos maestros, desde los más famosos hasta algunos menos conocidos, a lo largo y ancho del mundo, para mostrarnos cómo mirar y experimentar el mundo con mayor conciencia.

Tras leer Mira lo que te pierdes disfrutamos contemplando el cielo en días nublados como el pintor romántico John Constable; Hockney se convierte en el nuevo guía de nuestros paseos por el bosque; entendemos qué es de verdad una amapola gracias a Georgia O'Keeffe; y Rembrandt nos contagia su valentía a la hora de mirarnos a nosotros mismos. Este libro nos ofrece la estimulante sensación de estar verdaderamente vivos.

La crítica ha dicho...
«Will Gompertz es un tipo singular. Rápido como la sangre. Y un defensor de la claridad en un territorio de opacidades».

ANTONIO LUCAS, El Mundo

«Gompertz es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor».

NATI PULIDO, ABC

«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesitan demostrar nada. Aúna sencillez, hondura y falta de afectación».

Hoyesarte.com

«A Gompertz se le da mal ser aburrido».

The Times

«Gompertz es el mejor profesor que has tenido jamás».

The Guardian

Un retrato poderoso, moderno, íntimo y profundamente humano de una era de destrucción extrema y creatividad excepcional, el renacimiento italiano, un periodo que moldeó la cultura occidental y que fue mucho más extraño, oscuro y fascinante de lo que nos han enseñado.

Conocemos a la Mona Lisa por su sonrisa enigmática, pero casi nadie sabe que estuvo casada con un traficante de esclavos. Veneramos a Leonardo da Vinci por su arte, pero pocos hoy somos conscientes de la importancia de sus ingeniosos diseños de armamento. Rara vez oímos hablar, asimismo, de las mujeres escritoras, los mercaderes judíos, los ingenieros, las prostitutas y los granjeros que vivieron el día a día de este periodo.

Muchos de los artistas y pensadores más célebres del Renacimiento (como Miguel Ángel, Rafael o Maquiavelo) no surgieron durante el famoso renacer del siglo XV, sino en el XVI, una época dominada por una serie de luchas de poder y guerras salvajes por toda Europa. Estas propiciaron el surgimiento de grandes fortunas y la creación de algunas de las mejores obras de arte jamás vistas, pero también devastaron al pueblo. Al mismo tiempo, el nacimiento del protestantismo, la colonización española de América y la expansión del Imperio otomano plantearon graves amenazas al poder italiano, y suscitaron debates sobre la ética política, la esclavitud, las creencias religiosas y la moral sexual que resuenan con muchos debates actuales.

En este extraordinario libro, historia narrativa y de alta calidad y rebosante de vida, Catherine Fletcher nos descubre el lado oscuro del Renacimiento, cuyas conexiones con el presente son mucho más interesantes que las que ofrece la simple visión, dominada por bellas imágenes, que nos ha contado la historia convencional.

La crítica ha dicho...
«Brillante y apasionante. He aquí el verdadero Renacimiento en una historia de una originalidad y una frescura cautivadoras.»
Simon Sebag Montefiore

«Una historia de alianzas, traiciones, saqueos, asedios, hambrunas, asesinatos y torturas terriblemente ingeniosas. Fletcher crea atmósfera y drama sin renunciar a la claridad. Poderoso.»
The Guardian

«Aterrador y fascinante, desmantela los tópicos sobre el Renacimiento con la precisión de un arcabuz. Ambicioso y plural, arroja luz sobre figuras a menudo olvidadas por la historia convencional.»
The Sunday Times

«Impresionante y lúcido, el relato brilla con sus coloridos detalles. Una historia sólida pero vívida y convincente sobre cómo Italia fue derribada aún cuando su cultura volaba alto.»
The Times

«Basado en una investigación impecable y admirablemente bien escrito, aporta datos de gran interés en cada página.»
The Sunday Telegraph

«La sabiduría de Fletcher es envidiable. Sabe mejor que nadie lo traicioneros que fueron ese momento y ese lugar.»
The Daily Telegraph

«Magnífico. Fletcher muestra cómo excavar bajo los tesoros artísticos y comerciales del Renacimiento en Italia puede revelar fuertes conexiones entre cultura, negocios, religión y violencia.»
Financial Times

El claroscuro de un genio maldito.

Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años.

Andrew Graham-Dixon ha pasado una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años han desconcertado a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas; describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo; y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época.

La crítica ha dicho...
«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»
Daily Mail

«La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»
The Times

«Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»
Neil MacGregor, director del British Museum

«Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»
Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art

«El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»
Publishers Weekly

Vuelve la fresca sabiduría de Will Gompertz, autor de ¿Qué estás mirando?, con un libro de arte muy distinto a los demás.

Es fácil idealizar a los artistas, pero poca gente sabe hasta qué punto pueden incluirse, en general, entre las personas más prácticas, despiertas, juerguistas y realizadas. Este libro, ingenioso e inspirador, identifica diez lecciones básicas que podemos extraer de las vidas de los más grandes artistas de la historia.

Piensa como un artista es un manual desenfadado pero profundamente inspirador. Gompertz encuentra, al analizar la capacidad innata de ciertas personas para dar con ideas brillantes de manera natural, un nuevo pretexto para hablar con propiedad de la historia del arte.

Reseñas:

«Will Gompertz es el mejor profesor que podrías tener.»
The Guardian

«Gompertz ha escrito un paseo dinámico y exhaustivo a través del arte moderno.»
Independent

«Una base no solo para los amantes del arte sino también para los que lo detestan.»
Express