Tercer volumen ya de nuestra Historia del Arte en cómic, y este estará dedicado al Renacimiento, ¡la cosa se pone seria! Aunque «seria» no es un adjetivo que les pegue a nuestros agentes de la historieta, que siguen haciendo de las suyas, acompañados en esta ocasión de cicerones de la categoría de Leonardo, Sofonisba Anguissola, la Gioconda, Miguel Ángel, Rafael, Durero, Tiziano o Garcilaso de la Vega… ¡Menudo equipo! Pasear por la Florencia de los Medici y asombrarnos con la cúpula de Brunelleschi, por la esplendorosa Roma del cinquecento y contemplar la Capilla Sixtina −¡en todo el esplendor que nos proporciona un tríptico desplegable!−, o perdernos ascendiendo La torre de Babel de Brueghel el Viejo… ¡Llamarlo síndrome de Stendhal es poco para como vas a quedarte tras leer este libro!

Aunque muchas veces la perspectiva se pasa por alto en el estudio del arte, es una técnica fundamental para conseguir representaciones realistas. Esta guía ofrece a dibujantes de cómic, ilustradores, artistas conceptuales y, en general, a cualquiera que desee realmente aprender a dibujar con perspectiva, los conocimientos necesarios para crear entornos con gran realismo, desde lo básico para entender el espacio que nos rodea y cómo lo percibimos hasta técnicas para representar escenarios creíbles.
Marcos Mateu-Mestre explica, de una manera concisa y fácil de entender, cómo construir objetos y entornos de todo tipo, convirtiendo un boceto en un dibujo completo, y lo ilustra con sus propias creaciones a modo de ejemplos. A través de 12 capítulos y cientos de dibujos, aprenderás todo lo que debes saber sobre superficies, puntos de fuga, planos, líneas, objetivos y composición para llevar tus dibujos a otro nivel de realismo.

Siguiendo la estela de su éxito conjunto Dibujo. Cómo crear objetos y entornos con imaginación, Scott Robertson y Thomas Bertling comparten los conocimientos, técnicas y habilidades que cualquier artista necesita desarrollar para dar un paso más con sus dibujos y transmitir sus ideas con mayor claridad y precisión.
La representación es la siguiente habilidad que hay que trabajar después de aprender a dibujar y, aquí, los lectores de todos los niveles artísticos encontrarán herramientas y consejos útiles para representar distintas formas, superficies, materiales y conceptos.
En un momento en el que es tan fácil recrear texturas y volúmenes con programas de renderización en 3D, los autores apuestan por aprovechar las herramientas digitales, pero sin olvidar los fundamentos de la luz, las sombras y la reflectividad. Por eso, a través de sencillas lecciones paso a paso magníficamente ilustradas, ayudan al lector a mejorar su comprensión visual del mundo y a poner en práctica técnicas que le permitirán representarlo con un resultado más realista.
El libro, dividido en dos bloques, plantea numerosos ejercicios y ofrece material complementario para descargar o ver online.

Roca española es un relato sobre el Museo del Prado construido a partir de textos del pintor Ramón Gaya. Se han utilizado dos libros suyos: uno de entrevistas, Ramón Gaya de viva voz (Pre-Textos, 2007) y su Obra Completa (Pre-Textos, 2010). En ellos se han espigado cuidadosamente frases aisladas para tejer esta historia que narra cronológicamente la vida del pintor y su relación íntima con el Museo, contada en primera persona gracias al formato de las entrevistas, y donde se intercalan partes de algunos de sus escritos fundamentales como Diario de un pintor, Velázquez pájaro solitario, El sentimiento de la pintura?
El conjunto nos permite adentrarnos en El Prado guiados por alguien que lo amó profundamente, y que lo visitó cientos de veces a lo largo de toda su vida desde que entrara por primera vez a los diecisiete años.

Las grandes obras de arte plantean más interrogantes que los que son capaces de responder y su poder de fascinación a menudo reside en los misterios que dejan entrever. Del Nacimiento de Venus de Botticelli al Imperio de las luces de Magritte, maestro sin par del enigma, Grandes misterios de la pintura desvela esas zonas de sombra.

Como un juego del escondite, atendiendo a indicios desperdigados, descubriendo sentidos encriptados... este libro ofrece un análisis ameno y revelador de algunas de las principales obras maestras de la historia del arte. Obras que, seguro, ya nunca más veremos de la misma manera...

Aleksandr Andréyevich Ivánov (San Petersburgo, 1806-1858) dedicó los últimos veinte años de su vida a la confección de un único cuadro, La aparición del Mesías al pueblo (5,20 × 7 m), que se halla expuesto en la Galería Tretiakov de Moscú. La escena elegida marca el inicio del camino hacia la redención de la humanidad. Pero para poder representar la trascendencia de lo ocurrido, creía Ivánov necesitar algo más que su talento. En vano quiso buscar la fe mientras iba pintando el cuadro. Gógol, amigo del pintor, vaticinó que su novela Almas muertas y el cuadro de Ivánov serían las dos grandes obras que impulsarían la redención de Rusia. Sin embargo las cosas no sucedieron de ese modo, antes al contrario: Gógol, desconcertado por la recepción de su novela, cayó en una profunda crisis espiritual y poco antes de morir quemó las páginas manuscritas de la segunda parte de la novela; y el esfuerzo de Ivánov por encontrar la fe redentora no se vio recompensado. El protagonista del lienzo es ese pueblo al que la figura inquietante del Mesías debe aparecerse.
Ivánov buscó la ayuda del pintor nazareno Overbeck y el asesoramiento bíblico del filósofo David Strauss. Herzen le financió parte de sus gastos y lo ánimo para que no desfalleciera y lograra acabar el cuadro. Y Turguénev le dedicó unas emotivas páginas.

-- Ignacio de Llorens (Barcelona, 1957). Ejerce de profesor de enseñanza secundaria de historia y de filosofía en Palma de Mallorca.
Ha publicado el libro de entrevistas Porque nunca se sabe (Barcelona, Laia, 1985, en colaboración con J. A. González) y el libro de viajes El último verano soviético (Madrid, FAL, 1999). Colaboró en diversas revistas, entre otras: Vuelta y Letras Libres, de México; Polémica, Historia y Vida y Archipiélago, de Barcelona; Historia16, de Madrid y actualmente (2020) lo hace en La Gaceta de Alejandría, de Palma de Mallorca.
En 2015 tradujo del francés la novela Nerrantsula de Panait Istrati para Krk Ediciones.

El primer defensor del informalismo en España fue Juan Eduardo Cirlot. Sus relaciones con los pintores de este grupo se convirtieron en testimonios de combate en favor de la nueva tendencia, publicados en revistas, periódicos y catálogos de galería muchos de ellos hoy inencontrables.Los textos de esta antología profundizan en la obra de artistas como Antoni Tàpies, Antonio Saura, Modest Cuixart, Manolo Millares, Luis Feito o Rafael Canogar entre los españoles, y de Rothko, Fautrier, Fontana o Manzoni entre los internacionales. Pero lo que caracterizó la obra de Juan Eduardo Cirlot frente a los demás críticos del momento fue su intento de explicar el sentido general del informalismo tratando de esclarecer las ideas generales que unían a artistas que, en principio, parecían muy alejados los unos de los otros.Estos escritos son los de un poeta que se dedica a la crítica de arte. Las obras que lo ocupan empatizan con su poética. Muchos de estos textos son verdaderos poemas en prosa que van desentrañando no solamente lo que vemos cuando contemplamos un cuadro, sino —y mucho más importante— aquellas otras realidades ocultas que cuando miramos no se ven. Para ello Cirlot utiliza los recursos que le ofrecen la poesía, pero también la música, el simbolismo, la filosofía, la historia de las religiones o la historia del arte.

-- Edición de Elena de Santiago Páez y Javier González Santos

Los textos que convenimos en llamar Sobre el conocimiento de las pinturas originales y de las copias fueron escritos por Juan Agustín Ceán Bermúdez en Sevilla (1791 y 1805), mientras organizaba el Archivo General de Indias. El primero (que denominó Discurso) permaneció inédito, mientas el segundo (la Carta), más extenso y razonado, fue publicado en la prensa periódica en tres ocasiones (1806, 1843 y 1863) pero siempre sin firmar. La redacción respondía a un imperativo epistemológico que en el agitado mercado del arte y del coleccionismo institucional se fue imponiendo a partir de la segunda mitad del siglo xviii y comienzos del XIX: disponer de un método práctico y eficaz para conocer el estilo y maneras de los grandes pintores y así discernir sus obras originales de las copias. En ambos escritos se detalla el sistema y procedimientos empleados en la infancia de la historia del arte para saber ver pinturas y el método en el que el propio Ceán fundó su agudeza: el estudio y confrontación de los dibujos preparatorios y estampas de los propios artistas con las pinturas objeto de análisis.

-- Juan Agustín Ceán Bermúdez (Gijón, 1749 - Madrid, 1829) es el fruto más quintaesenciado de las ciencias humanas de la Ilustración española. Criado a los pechos de Jovellanos, fue el creador de la moderna historia del arte patrio. Aficionado a las bellas artes desde joven, aprendió a dibujar y pintar con Juan de Espinal (1769-1776) y Antonio Rafael Mengs (1776); esto y su cotidiana relación con artistas (como Francisco Goya) contribuyeron a cimentar su impecable formación técnica y perspicacia para las artes visuales.
Como historiador, puso en práctica el método racional, la sana erudición y crítica textual aprendidos de Jovellanos. Trabajador infatigable y riguroso, dio a la imprenta títulos imperecederos como el Diccionario histórico de los profesores de las bellas artes en España (Madrid, 1800), la Descripción artística de la catedral de Sevilla (Sevilla, 1804), la Carta sobre el estilo y gusto en la pintura sevillana (Cádiz, 1805), las Memorias para la vida de Jove Llanos (Madrid, 1814), la edición de las Noticias de los arquitectos y arquitectura de España de Eugenio Llaguno (Madrid, 1829) o el Sumario de las antigüedades romanas en España (Madrid, 1832). Pero gran parte de su producción quedó manuscrita. En 2016, Krk Ediciones publicó su Historia del arte de la pintura en España, editada por David García López y Daniel Crespo Delgado.