El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión "bellas artes", pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.

Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja.

Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares.

Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares.

Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma?

En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns.

Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.

Fruto de una investigación entusiasta de más de quince años, El arte del mosaico hidráulico se adentra en la gran cantidad de artistas, artesanos y fábricas que se dedicaron a la elaboración de baldosas hidráulicas en nuestro país a finales del siglo XIX y principios del XX.
Asimismo, nos descubre la extraordinaria calidad del trabajo que produjeron y la importante nómina de arquitectos de primera línea que diseñaron y aplicaron este tipo de pavimento a los suelos de palacios, instituciones, viviendas y establecimientos comerciales de todo tipo.
Un libro ilustrado de gran formato que recupera un arte decorativo que, afortunadamente, todavía hoy se pueden contemplar en muchos interiores de la península y del extranjero.

Las impresionantes obras maestras de la Grecia Antigua y de Roma son fundamentales para entender la historia del arte en la cultura occidental.

La expansión del mundo helénico, en manos de Alejandro Magno, tuvo un enorme impacto en la mentalidad de la gran superpotencia del Mediterráneo: Roma. Los generales, los mandatarios y los artistas se apropiaron del deslumbrante legado de la pintura y la escultura griegas, y lo imitaron y lo reformularon; el proceso culminó con el mayor coleccionista que ha conocido el mundo: el emperador Adriano.

Esta nueva mirada al arte clásico, emocionante y reveladora, comienza con las excavaciones de la ciudad sepultada de Pompeya, y continúa con una investigación sobre los grandiosos monumentos de los tiranos antiguos y la sensual belleza de Apolo y Venus. Concluye el periplo con la invención artística más influyente del período, el retrato, y resalta el redescubrimiento del arte clásico en el mundo moderno, desde la búsqueda de tesoros en la Roma renacentista a la restauración y recuperación científica del siglo XX.

Este libro presenta, a partir de un detallado trabajo de documentación, las relaciones de Juan Gris con algunas de las mentes más destacadas de la literatura hispanohablante de su tiempo. Artista fundamental del cubismo y las primeras vanguardias, Gris fue, desde sus años de formación, un pintor rodeado de poetas. Colaboró a menudo con revistas y publicaciones dedicadas a este género, fue señalado y valorado positivamente por distintos escritores y mantuvo correspondencias fecundas con varios de ellos, como las que cruzó con Vicente Huidobro, Gerardo Diego o Juan Larrea. De ellas da muestra este mismo volumen, así como de otros documentos de interés tanto para la recepción del autor en España como para trazar el mapa de su actividad artística y vital.

En 2022 se cumple el centenario de la edificación del Pabellón Español en la Bienal de
Venecia. La labor realizada en estos cien años ha contribuido a la construcción y consolidación de la imagen de España como una potencia cultural en el ámbito internacional, proyectando, en uno de los mejores escaparates artísticos mundiales,
la excelencia del arte contemporáneo español.
En este primer siglo de historia, el Pabellón Español ha visto pasar por sus muros diferentes estilos, evoluciones y cambios artísticos, cuyas dinámicas han sido posibles gracias al trabajo de los comisarios que fomentaron y siguen fomentando un ?pluralismo de voces? que caracteriza la esencia de la Bienal.
El libro incluye una extensa documentación gráfica que es fruto de un exhaustivo trabajo de investigación. Nunca antes hasta ahora se había publicado de manera conjunta tanta documentación de interés sobre la historia del edificio y de las exposiciones que tuvieron lugar entre sus paredes en estos años.
La publicación incluye textos de algunos de los comisarios del Pabellón español en diferentes ediciones de la Bienal, como Alberto Ruiz de Samaniego y Martí Manen, así como una introducción histórica por parte de Atxu Amann y Andrés Cánovas, más una cronología anecdótica a cargo de Rosa Martínez.
En coedición con AECID

¿Quién no ha experimentado, delante de un cuadro, esa sensación de estar limitado, a falta de las claves para descifrarlo? Sentimos emociones, pero parece que el significado de la obra se nos escapa.

Dando decididamente la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte, Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos sumerge en una exploración apasionante. ¿Qué relación mantiene el cuadro con la realidad? ¿El artista ha idealizado la naturaleza? ¿La ha deformado? ¿Ha querido el pintor impactar al espectador? ¿Aportarle una visión reconfortante? Gracias a la claridad de la exposición y a un razonamiento en apariencia sencillo ?que esconde, en realidad, un sutil análisis?, todo se vuelve luminoso y accesible: la obra se ofrece progresivamente como una evidencia.

Al breve ensayo dedicado a cada pintura, antigua o contemporánea, se añaden «referencias» que aclaran, en pocas líneas, aspectos fundamentales sobre el pintor y su época, así como otras coordenadas de interés. Profusamente ilustrada, la obra es también un magnífico libro de arte.

Durante los últimos años cincuenta y a lo largo de los sesenta del s. xx diversos movimientos colectivos, equipos y grupos, protagonizaron el desarrollo de las artes plásticas frente al individualismo tradicionalmente proclamado como rasgo propio del artista. Jacopo Galimberti analiza su actividad y la pone en relación con la situación política europea de ese momento. Colectivos como la Internacional Situacionista, N, GRAV, Spur, Geflescht, Kommune fueron decisivos en este panorama. Con ellos, los españoles Equipo 57, Equipo Crónica y Equipo Realidad, que, con la obra de Eduardo Arroyo en esos años, constituye uno de los temas centrales del libro.

A lo largo de su carrera artística, Wassily Kandinsky (1866-1944) no solo transformó su propio estilo, sino que además cambió el curso de la historia del arte. Desde su primera pintura figurativa y paisajista, avanzó hasta convertirse en un pionero del uso espiritual, emotivo y rítmico del color y la línea, y hoy se le acredita la creación de la primera obra de arte puramente abstracta.

Tanto cuando ejercía como maestro y teórico como en su práctica artística, los intereses de Kandinsky en la música, el teatro, la poesía, la filosofía, la etnología, la mitología y lo oculto fueron aspectos esenciales de sus pinturas y grabados. Perteneció a los influyentes grupos Blaue Reiter y Bauhaus, y no solo dejó un legado de obras visuales asombrosas, sino también influyentes tratados como Sobre lo espiritual en el arte. Entre sus principios básicos figuraban las conexiones entre la pintura, la música y la experiencia mística, y la purificación del arte al alejarse del realismo material y acercarse a una expresión emocional condensada, en concreto, en el color.

Este libro expone las obras clave de Kandinsky y presenta su repertorio de vivos colores, formas y emociones. Este recorrido por la radical evolución estilística del artista muestra cómo la progresión de un pintor allanó el camino para las futuras generaciones de expresionistas abstractos.

Sobre la serie

Cada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.