Hans Feuermann, un especialista en cine de avanzada edad, cruza sus caminos con Terry McKay, una joven aspirante a crítica con problemas mentales, y de ahí surge una intriga trepidante y laberíntica, que se desarrolla en los misteriosos universos de los festivales de cine y el mundo editorial, y que al final gira alrededor de la publicación de un libro que puede que sea este que ahora tú, lector o lectora, tienes entre las manos. La trama queda oculta, como en las mejores novelas modernas, pero salen a la superficie algunas preguntas sin respuesta que afectan tanto a la naturaleza del cine como a la naturaleza del tiempo: ¿por qué nos hemos empeñado en contar la historia del cine en un sentido lineal y progresivo, cuando todos sabemos que las películas más bien se amontonan y confunden en nuestro recuerdo? Y es más: ¿se puede pensar en abolir esa historia, o imaginar una antihistoria, para demostrar que son las películas que aún no hemos visto las que influirán decisivamente a la hora de reinventar las que vimos en nuestra infancia? ¿Será todo un folio en blanco que aún está por escribir, el mismo que sobrevuela la trama que dio lugar a la investigación? Pues no otra cosa son, tampoco, los distintos capítulos que forman el libro, escritos por algunos de los mejores especialistas en la cuestión y finalmente seleccionados por un «coordinador» que es más bien un convidado de piedra. La indagación ?a veces más académica que otras, siempre atrevida y apasionante? se desplaza incansablemente desde la frágil memoria del cine que vimos de niños a nuestro deambular actual por los museos en busca de más imágenes en movimiento para dar lugar, en fin, a una «figura en el tapiz»: la que imaginó Henry James y recuerda uno de los colaboradores del volumen, una subtrama escondida en la que el fin del antropoceno y los perros-actores muertos ?por poner dos ejemplos señeros? adquieren un sorprendente protagonismo.

Cuadernillo didáctico diseñado para crear un diálogo que invite a la reflexión acerca de la Memoria Democrática, tomando como hilo conductor la Guerra Civil en Gijón.

Unas canicas con las que jugaron unos menores en la puerta de una casa, un arca con indumentaria heredada, una hucha en la que se ahorró dinero, una cama en la que nació y murió un ser querido, un descansillo de una escalera en la que una vez hubo un cruce de miradas. Los objetos y los espacios de la casa encierran muchas emociones aún por descubrir y sobre ellas esta publicación plantea preguntas y propone respuestas. En este libro se estudian algunos espacios que configuraron las casas de los siglos XV y XVI, pero especialmente los ajuares que había en ellas, y no solo de personajes de la nobleza bien posicionados, sino también de la nobleza segundona y particularmente de otros grupos domésticos conformados por diferentes profesiones, como pequeños comerciantes y artesanos. No se trata de hacer listados de ajuares, sino de entender las cosas en su espacio, los objetos en la vida cotidiana. Y es esta línea la que se propone en las siguientes páginas, pero aplicando el estudio del mundo sensible, de los afectos y las emociones. En el contexto historiográfico español es prácticamente inexistente la exploración en conjunto sobre la vivienda de esa época desde el plano de la historia de las emociones. Supone todo un reto reconstruir la historia a partir de los objetos y devolverle a esa materialidad el valor emocional que una vez tuvo. Hay objetos que de repente nos evocan algo, nos producen una determinada emoción: el regalo de un ser querido, el primer juguete, el reloj heredado del abuelo, un anillo de pedida… La casa, como espacio físico, también acumula emociones. Todo ello no resta al conocimiento de los objetos muebles y de la arquitectura, sino que suma nuevas preguntas y reflexiones.

El poema no es un problema, ni una ecuación a resolver. No intentes buscar sentidos ocultos ni pseudo misterios. Deja al poema resbalar como música, deja al nudo de palabras buscar su eco en nosotros, como un radar, peces libres patinando entre las olas.
Despoja el cinturón a las palabras, que jueguen, lascivas ahora, temerosas luego, que sean bosque ahora, madre después, humo, reloj, navegante? Un alfabeto sin normas, en re mayor o re menor, a fuego vivo o lento?
Acoge las palabras como vienen, sin pedirles nada a cambio.

«Estas Instrucciones para bailar la bamba comenzaron a ser hace más de
tres años. Hablemos de lo que quise meter dentro. ¿No es la literatura
un extraño manual de instrucciones para vivir? »Recuerdo que la letra de la canción no especificaba los ingredientes.
Se necesita una poca de gracia, sí, y otra cosita que dejaba en el aire
antes de lanzarse al estribillo, que es lo único que sabemos hacer,
lanzarnos como si fuese el último día en la Tierra, como si conociésemos
los segundos exactos de combustión que nos asignaron al nacer y hubiese
que aprovecharlos. »Siempre que ha sonado esta canción, he visto cómo todo el mundo se
echaba a la pista para bailar. Desde el borde les contemplaba pensando:
?el mundo se divide entre los que necesitan instrucciones y los que
reniegan de ellas?. Como cualquier generalización, tiene sus
excepciones. A día de hoy sigo sin saber de qué lado estoy. He vivido
largas épocas en el bando de los renegados, desoyendo un patrón
silencioso que intentaba guiarme a su manera. Puede que la literatura
sea un remedo de todos los manuales que no existen en el mundo.
Instrucciones para eliminar el desencanto. Instrucciones para mirar al
tiempo de tú a tú. Instrucciones para honrar la vida que nos fue dada.
Llegado aquí sólo sé que las palabras ensanchan el mundo, como dijo
Wittgenstein. Tras ellas sigo caminando y aguardando.»

El primer reto que ofrece el arte rococó consiste en su propia definición, dentro de una época incierta como es el siglo XVIII, donde se sucede, convive y solapa una pluralidad de lenguajes y soluciones artísticas. Además, toda categorización que trata de enjaular la realidad para explicarla tiene siempre un carácter relativo, al escaparse esta entre sus barrotes. Otra dificultad es el carácter un tanto caprichoso y lúdico de su comportamiento, que acaba por ocultarse ante los propios ojos del historiador del arte en su juego al escondite entre el contenido barroco y la forma clásica. La evolución de este estilo en España puede desglosarse en tres fases sucesivas: una primera etapa de transición tras el advenimiento al trono de la nueva dinastía borbónica con Felipe V, que se caracteriza por la dialéctica entre las corrientes castizas y las influencias exógenas, principalmente francesas e italianas; su apogeo y máxima difusión durante el reinado de Fernando VI en los años centrales de la centuria; y el canto de cisne bajo el despotismo ilustrado de Carlos III, hasta su muerte definitiva con la llegada al trono de Carlos IV y el auge de la moda grecorromana. El Patrimonio de la Corona, un conjunto de residencias, monasterios, jardines y paisajes pertenecientes a las dinastías de los Austrias y los Borbones, único en Europa por su magnificencia, acumulación de obras de arte y estado de conservación, adquiere precisamente en el siglo XVIII su máximo esplendor. A ello contribuye la renovación y creación de palacios de nueva planta, la presencia de artistas internacionales de primera línea y el impulso de innovadoras manufacturas regias, como las fábricas de cristal de La Granja, de tapices de Santa Bárbara o de porcelana del Buen Retiro. Frente al rococó impulsado desde arriba por una corte afrancesada, unido a unos ambientes cortesanos y como refinado capricho de una elite exquisita, esta tendencia también enlaza por abajo con el sentimiento popular, promovido principalmente por las ordenes mendicantes, cofradías y hermandades. Se encuentra unido al retablo en su canto de cisne durante la segunda mitad del siglo XVIII, que forma parte indisociable de camarines, capillas de la comunión, tabernáculos y sagrarios, grandes catedrales, todo tipo de templos, ermitas y oratorios.

El colectivo de artistas que trabaja en talleres y locales, normalmente se encuentra inmerso en sus creaciones y no se preocupa o desconoce las pautas de conservación para sus obras. Pero en algún momento de su trayectoria artística la conservación de sus colecciones puede que tenga más importancia, fundamentalmente cuando la preservación se convierte en un asunto que contemplar dentro de su relación con el mercado. Por ello, resulta importante que el/la artista conozca los principios de la conservación y que los deterioros que se puedan producir en sus obras mientras estén bajo su tutela no sean accidentales. Este manual pretende dar unas pautas de conservación para los y las artistas. Se determinan cuáles son los factores de deterioro que pueden dañar las obras y las sensibilidades de los materiales frente a ellas. A partir de ahí se plantean estrategias para favorecer la correcta conservación de las obras ofreciendo pautas específicas para almacenarlas, con diferentes propuestas. También se señala la relevancia de la documentación que acompaña las obras para facilitar su compresión y evitar que se extravíen. Por último, se abordan estrategias de conservación durante todo el proceso expositivo, desde la manipulación, el transporte, el montaje y el mantenimiento. Con pocos recursos pero con los conocimientos necesarios se pueden aplicar pequeños cambios produciendo una mejora en el estado de conservación de una colección.

Muchas ciudades se están transformando en museos al aire libre gracias a las pinturas creadas en las medianeras o en las fachadas de los edificios. Este libro recoge las motivaciones fundamentales que impulsan la creación de estas pinturas y explica las condiciones que determinarán su conservación, recogiendo los principales recursos técnicos y materiales empleados para crearlas y los factores externos más determinantes, como el clima o el vandalismo. Se recogen también algunas experiencias llevadas a cabo para su conservación impulsadas por sus autores, la Administración o la ciudadanía, así como diversas estrategias de difusión e investigación. Y finalmente, se proponen algunas pautas para su conservación preventiva desde la óptica de los profesionales de la conservación restauración.

Las grandes transformaciones producidas a partir de la década de los ochenta del siglo XX en el sector de la cultura han llevado a que el panorama museológico de los países del sur de Europa presenten en la actualidad una gran complejidad, especialmente en los modelos de organización de sus entidades. La principal causa se debe a la influencia del mundo del mercado y de la economía, provocando la inclusión de mecanismos de gestión procedentes de las empresas y convirtiendo a los museos en auténticos productos culturales. España y Portugal han sido dos de las naciones más afectadas por estos cambios una vez que se instaura en ellas la democracia. Con esa base histórica, la intención del estudio ha sido ofrecer una síntesis general que permita la comprensión del fenómeno museológico contemporáneo y de los episodios, causas y acontecimientos más relevantes para su gestación como una de las instituciones centrales de la cultura posmoderna. La estructura del ensayo divide los contenidos en cinco bloques temáticos: historia (capítulos I y II), economía (capítulos III y IV), política (capítulos V y VI), globalización (capítulo VII) y práctica museológica (capítulo VIII).