«Entre nalgas protegido»: Escatología y contracultura del Humanismo al Barroco recoge diez contribuciones que abordan expresiones, imágenes y temas escatológicos que han sido a menudo silenciados por la historiografía oficial pero que constituyeron un ingrediente semiótico fundamental en el pensamiento, la literatura y las artes de la primera modernidad. En efecto, el excremento y otros deshechos corporales salpicaron los debates teológicos de la Reforma protestante, los versos del teatro del Siglo de Oro, las partituras del Barroco musical y una multitud de manifestaciones culturales aparentemente distintas pero unidas por una serie de recursos vinculados con lo bajo. Contra la miopía del «buen gusto» neoclásico, que ocultó estas realidades, la presente monografía pone en valor una historia de la cultura desacomplejada, que, lejos de toda mojigatería, analiza lo escatológico como vehículo de comunicación eficaz y reflexiona sobre su poder en la esfera pública del Humanismo al Barroco.


SUMARIO

Rafael Bonilla & Victoria Aranda: Orinales del Parnaso. Claves sobre la escatología en la Edad de Oro

Israel Muñoz Gallarte: Apelthe eis tous kórakas tachéos: La recepción de la obra aristofánica en el s. XIX, la traducción de Baraíbar y Zumárraga (1883)

Fernando J. Pancorbo: La escatología como elemento retórico y discursivo en los grabados antipapales del siglo XVI

Pedro Conde Parrado: Razones de estiércol y muladar. De la filología a la escatología en una controversia entre jesuitas y protestantes (Drusius y Scaliger contra Serarius y Delrío)

Jean-François Lattarico: Sobre La Merdeide de Tommaso Stigliani: Los italianos contra los Stronzi della Real Villa di Madrid

Matteo Mancinelli: Elementos escatológicos en la producción satírico-burlesca de Alonso de Castillo Solórzano

Séverine Delahaye-Grelois: «Con las cacas que cantáis»: Formas y usos de la escatología

Gaston Gilabert: Escatología de corral: anatomía del excremento en el teatro del Siglo de Oro

Sara Toro Ballesteros: Hacer arte con el cuerpo: de Quevedo a Hurtaut

Javier Blasco: Amor, amor, amor… en el lugar del excremento

Entre versos y notas: Canción de autor en español es el resultado de un proyecto de investigación desarrollado en la Universidad de Salamanca por un grupo de profesores y de jóvenes doctores, cuyas aportaciones, junto a las de algunos profesores invitados, se reúnen en este volumen. Manteniendo el espíritu lúdico de los encuentros organizados por el proyecto, este volumen se organiza como si se tratara del programa de un concierto, con sus solistas y artistas invitados. El libro indaga desde distintas perspectivas en las complejas relaciones entre literatura y música, entre poesía y canción, y ofrece también una amplia bibliografía actualizada sobre el tema.

ÍNDICE

Francisca Noguerol: Un prólogo entre versos y notas

_Se abre el telón
Javier García Rodríguez: Hacia la necesaria integración de la canción de autor en el sistema poético español del último tercio del siglo XX: propuestas teóricas y metodológicas
Emilio de Miguel: La canción ligera, la canción de autor, ¿objetos de estudio filológico?

_Solistas
Emilio de Miguel: Metacanción en la canción de autor en español
Javier San José Lera: Una invitación al vals. De Lorca a Leonard Cohen (configuraciones musicales del «Pequeño vals vienés»)

_Artistas invitados
Raúl Caplan:Leo Maslíah o la canción como despropósito
Lorena Peña Jiménez y Carmen Rodríguez Martín: Yo paso haciendo silencio: notas sobre Cecilia
Rocío Rodríguez Ferrer: Miguel Hernández y Víctor Jara vis a vis
Sabrina Riva: Y volví cantando: Miguel Hernández entre la música y la poesía

_Crónicas de CANTes
Alba Agraz y Sheila Pastor: Los tiempos siguen cambiando: un Nobel de literatura para la canción de autor
Raquel Crespo Vila: Crónica Copihue (o diario de viaje al centro de la canción de autor chilena)
Sara Sánchez-Hernández: El rap español y el aula de literatura. El Chojin en la Universidad de Salamanca

Francisca Noguerol: Bibliografía selecta

Aquest llibre continua la investigació sobre la llegenda i el mite que vam començar en el que amb el títol La llegenda es va publicar dos anys enrere en aquesta mateixa col·lecció. S’afegeix al debat amb l’atenció posada en l’evolució dels seus significats en diferents circumstàncies històriques i des d’estètiques i interessos distants. El folklore, el teatre medieval, la historiografia moderna, la literatura romàntica, el modernisme literari i gràfic i el contacte entre cultures que va propiciar l’exili proporcionen una àmplia informació sobre l’ús dels conceptes en temps pretèrits. La teoria literària, els estudis de gènere i les llegendes contemporànies certifiquen l’actualitat d’aquests referents en una societat en què, si ja no s’expliquen contes de la vora de foc, llegendes i mites no deixen de recrear-se en narracions similars a través d’altres plataformes.
ÍNDEX
Magí Sunyer Molné: Pròleg – Sobre la llegenda i el mite
Pere Ballart: Del relat absolut al simulacre social: dues lectures teòriques del mite
Caterina Valriu: Les llegendes demòniques: confluències de realitat i fantasia
Francesc Massip: Entre Enkidu i Tarzan: el llegendari home salvatge en la teatralitat medieval
Arantxa Llàcer: Els gegants de la historiografia: mites i llegendes a l’obra de
Pere Antoni Beuter, Lluís Ponç d’Icard, Joan Binimelis i Antoni Viladamor
Jordina Gort Oliver: Poblet: llegendes, història i mite entre els escriptors de la Renaixença
Magí Sunyer Molné: La llegenda en el Modernisme català
Carme Gregori: Hipertextualitats d’exili: les llegendes mexicanes de Josep Roure-Torent
Montserrat Palau: De Clitemnestra a Clito Mestres de Montserrat Roig, relectura amb perspectiva de gènere
Marta Gort: Galatea no és de pedra: el mite de Pigmalió a Frankenstein i a La salvatge
Jordi Martí Font: El combat per la memòria al voltant de la construcció del mite de Puig Antich
Emili Samper: Les llegendes contemporànies: mites moderns? La vigència del folklore en temps de crisi

Este libro es la historia de un viaje, un recorrido por la historia de la recepción escénica de la obra de Calderón de la Barca que se enmarca entre 1715 y 1927, dos fechas muy relevantes para la relación de los campos del poder y del arte con el Barroco. Comenzamos con un cambio de dinastía que acabó confirmando una progresiva pérdida de prestigio de la estética vernácula en favor de los nuevos gustos franceses e italianos, y nos despedimos a las puertas de un hito cultural que marcó la vuelta al Barroco: la conmemoración del tricentenario de la muerte de Góngora.
El hilo conductor que nos guiará en este extenso periplo por la historia cultural de España es la hipótesis de que a lo largo de estos dos siglos la profesión teatral fue progresivamente articulándose en torno a Calderón como un campo, en el sentido que Bourdieu y la Sociología del Arte le dan a este término. En efecto, los agentes más aventajados del gremio de los cómicos se fueron percatando del capital simbólico que entraña el teatro de Calderón y lo aprovecharon para dejar de ser considerados artesanos y reivindicar su condición de artistas en el tránsito del Antiguo Régimen al Estado Liberal.Y a lo largo de ese viaje, las sucesivas generaciones de trabajadores del espectáculo fueron modificando su visión sobre el dramaturgo áureo, las interpretaciones de su obra y la selección del repertorio, en un proceso cíclico de canonización, descanonización y recanonización.
SUMARIO
Apuntes de Sociología de la Cultura aplicada al teatro clásico español
Primera parte: ¿Artesanos o artistas? Calderón y los cómicos entre el Antiguo Régimen y el Estado Liberal
1. La pervivencia de la dramaturgia calderoniana en la escena tardobarroca (1715-1765)
2. Las (tentativas de) reformas ilustradas frente al teatro antiguo (1765-1808)
3. Calderón romántico, o del primer teatro subvencionado a la liberalización del mercado teatral (1808-1881)
Segunda parte: Teatro clásico para espectadores con clase. El público de Calderón en el cambio de siglo
4. 1881: una efemérides convertida en Fiesta Nacional
5. El arte del verso, o la distinción en el escenario y en el patio de butacas (1881-1898)
6. Los clásicos en la crisis teatral de principios del XX (1898-1926)
De antiguo a clásico: a modo de conclusión
Bibliografía — Índice onomástico y de materias

La Poética de Aristóteles ha atraído la atención ininterrumpidamente desde hace más de quinientos años. Usada al principio para definir la poesía y extraer una preceptiva y para interpretar los modelos antiguos, a partir de la constitución de la Teoría Literaria contemporánea, se ha visto en ella un antecedente y un dechado. Varios, y en parte contradictorios, son los motivos de este éxito de la Poética. Aristóteles despliega la fundamentación y la andadura metodológica de sus investigaciones ante los ojos del lector con total transparencia o ilusión de transparencia, “comenzando, como es natural, primero por lo primero”; por otro lado, el estilo entrecortado, elusivo, en muchos lugares deja juego para las interpretaciones y apropiaciones más diversas.
Esta última es la razón de la ingente labor de comentario comenzada en el Renacimiento y que continúa en el presente. El libro que aquí se presenta busca un contexto amplio, anterior y posterior a Aristóteles, en el que algunos conceptos clave puedan adquirir contornos más precisos. De ahí el título: Mímesis, acción, ficción, y el subtítulo: contextos y consecuencias de la Poética de Aristóteles. Con este enfoque, esperamos contribuir a una comprensión mejor de la Poética reparando en lo no dicho por Aristóteles, lo que parece darse por sabido, así como en teorizaciones que parecen haberse perdido, como la relativa a la comedia. También se muestra el diálogo que la Poética ha suscitado en la tradición: respuestas, adaptaciones, contestaciones.


CONTENIDO

Presentación

José L. García Ramón
Poética, léxico, figuras: fraseología y lengua poética indoeuropea

José Antonio Fernández Delgado
Los progymnásmata entre Poética y Retórica

David Hernández de la Fuente
Política y poética dionisíaca: ditirambo, teatro y educación ciudadana

Dmitri Nikulin
Comic thinker in action, or the ethics of comedy

Luis Galván
From poíesis to fiction

Martín Zulaica López
El prólogo aristotélico a El Bernardo de Balbuena: el poema épico y la verdad histórica de su argumento

Ana María Casas-Olcoz
La disposición natural a la mímesis: la representación artística del intercambio conversacional en El coloquio de los perros de Cervantes

Barbara Ventarola (†)
Aristóteles y la Vanguardia: nueva aproximación a una relación complicada

Denis Thouard
Le retour de la Poétique (après le structuralisme)

Carmen Sofia Brenes
Sobre el reconocimiento en la Poética y sus aplicaciones a la escritura del guion

Sumario analítico

This book examines Santiago Kastner’s paramount role in applying musicology to performance from the 1930s to the 1980s. A British-born cosmopolitan man coming from a remarkable musical background –his family owned a pianola business–, his European tours as keyboard player during the 1930s and his activity as music critic in Lisbon during the early 1940s enabled Kastner to build an exceptional network that granted him appointments in Portuguese and Spanish institutions. From this position, Kastner was a scholar performer who painstakingly uncovered sixteenth- to eighteenth-century Iberian repertoire by means of its study, edition and interpretation. His impressive output, including music editions, academic literature, concert programmes and recordings, and his extensive collection of marked scores engages this research with the methodological framework of performance studies. Considering historical performance as an invention triggered by musicology and thus a product of contemporary musical performance, three case studies, focused on Seixas, Soler and Cabezón, delve into Santiago Kastner’s approach to the repertoire, into his pioneering attitude in the way that he applied musicological research to concert practice and into his impact in creating a performing tradition.

• Estudio preliminar de Enrique Rull y Ana Suárez.
• Ignacio Arellano (ed.)
• Colección Ediciones críticas 229 (Autos sacramentales completos de Calderón 100).

Sobre un motivo de vasta tradición, la imagen del mundo y la vida como teatro en el que cada hombre desempeña su papel, que termina con la muerte para recibir su premio o castigo, se articula este auto sacramental, quizá el más famoso de su autor.
Las connotaciones de fugacidad, de inestabilidad y de acabamiento se reflejan de modo inmejorable en la metáfora básica a la que tanta afición muestra el Barroco, lección que revela la dimensión ficticia de las pompas mundanales. La responsabilidad y el libre albedrío son otras fuerzas básicas: una vez repartidos los papeles cada actor es dueño de su actuación y responsable, por tanto, de la misma. La admirable eficacia de la dramaturgia calderoniana sigue apelando a la razón y a la emoción del espectador en esta pieza maestra.

-- Prólogo de Tess Knighton.
-- En cooperación el Instituto de Estudios Zamorano «Florián de Ocampo».

En los últimos años, los estudios sobre el paisaje sonoro se han configurado como una categoría de inestimable valor para el análisis de sociedades preindustriales y contemporáneas. Este trabajo tiene como objetivo afrontar el paisaje sonoro desde la perspectiva de la historia cultural y la musicología urbana, destacando la importancia de ir más allá del texto musical o la simple relación de sonidos para adentrarse en el contexto e influencia que lo sonoro tuvo en la sociedad del momento. Espacio, identidad, percepción y performance se interrelacionan en el texto, utilizando para ello fuentes escritas, iconográficas y musicales. Si bien el estudio ubica su observatorio en la ciudad de Zamora (España), el autor adopta una perspectiva mucho más amplia, concentrándose en desarrollar discursos comparativos y hermenéuticos que nos ayudan a abrir los oídos al pasado. De esta manera, las referencias y ejemplos de fenómenos sucedidos en lugares diferentes al zamorano, así como la exposición de planteamientos generales superan el concepto de historia local con el fin de presentar un modelo válido de estudio.
A lo largo de los siete capítulos, Alberto Martín nos invita a reflexionar sobre categorías tan sugerentes como la «la cultura del grito», la percepción del paisaje, la importancia de la memoria, la escenificación sonora o la existencia de un paisaje sonoro imaginario. Zamora cuenta con unas fuentes excepcionales que al autor combina y entrecruza para acercarnos la realidad de una ciudad periférica durante la Edad Moderna. Dicho de otro modo: lo ordinario frente a lo extraordinario. En palabras de Tess Knighton, autora del prólogo de esta edición, «este libro ofrece un gran paso hacia adelante».

-- Edición de Francisco Domínguez Matito.

El señor de Noches Buenas, una de las obras de Cubillo de Aragón más valoradas por la crítica, esconde bajo tan ingenioso título un conflicto entre hermanos, desarrollado en el paradigma de la comedia «de capa y espada». La comicidad del enredo dramático se conjuga con otros ingredientes de alcance moral o social, como el triunfo de la discreción sobre la estupidez, de la virtud personal sobre los privilegios heredados y del valor de la libertad femenina contra la opresión de convencionalismos caducos. La lectura contemporánea puede advertir una «intensa dosis de modernidad» en esta comedia, que es también exponente fiel de la preceptiva del dramaturgo.

El volumen presenta un abanico muy diferente de comedias en cuanto a época de composición y género: la Segunda parte del Séneca de España, don Felipe segundo, pertenece a la última fase antes de la enfermedad de Juan Pérez de Montalbán y completa una trilogía histórica que el dramaturgo madrileño dedicó al reinado de Felipe II; mientras que las dos comedias de capa y espada, La deshonra honrosa y Amor, lealtad y amistad se escribieron en los años juveniles y giran alrededor del conflicto entre el servicio amoroso, el respeto de los amigos y la obediencia al rey.