Francisco José Sánchez García es Profesor Titular en el Departamento de Lengua Española de la Universidad de Granada. Sus líneas prioritarias de investigación son la pragmática y el análisis del discurso (especialmente de los discursos político y periodístico). Entre sus publicaciones destacan los libros Pragmática de los titulares políticos. Las estrategias implícitas de persuasión ideológica (2010, también publicado en Visor), Retórica parlamentaria española (2012) y El discurso referido en la prensa española (2012). En la era de las fake news, las “posverdades” y los “hechos alternativos”, el eufemismo destaca en el ámbito político como una herramienta crucial para maquillar la realidad. Ejemplos como “flexibilización del mercado laboral” (abaratamiento del despido), “recargo temporal de solidaridad” (subida de impuestos) o “afloramiento de contribuyentes” (amnistía fiscal para grandes defraudadores) son muy reveladores acerca del gran potencial de este recurso para evitar el tabú, esos conceptos, nombres o ideas cuya sola mención podría dañar la imagen de un líder o un partido. En definitiva, se trata de un mecanismo indudablemente efectivo, que pasa por convertir el lenguaje en el espejo que nos muestra tal y como nos gustaría que nos vieran. La ciudadanía es cada vez más consciente de las trampas que a menudo se ocultan tras los mensajes políticos. Pero profundizar en la manipulación discursiva del lenguaje del poder exige dar respuesta a algunas cuestiones fundamentales: ¿Cómo funcionan los eufemismos en el discurso político? ¿Por qué se utilizan y en qué situaciones? Y, sobre todo, ¿hasta qué punto son eficaces como estrategia al servicio de la persuasión? En este libro se describen con detalle los pormenores lingüísticos de los mecanismos de la interdicción política desde una perspectiva pragmático discursiva. Para ello, se parte de un extenso glosario de ejemplos (basado en un corpus compuesto por declaraciones de los principales líderes políticos españoles desde el comienzo de la crisis económica de 2009 y especialmente a partir del 15-M), clasificados atendiendo a su tipología y procedimiento de formación y, en especial, a la intención comunicativa que subyace en las declaraciones eufemísticas.

LA poesía de Rafael Cadenas (Barquisimeto, Venezuela, 1930) se muestra en el panorama de la poesía en lengua española durante las últimas décadas, como una de las más sólidas, originales y orgánicas, y así se ha visto reconocida, pues son numerosos los premios que ha merecido.
Cada nuevo libro suyo es una sorpresa y un estímulo para la inteligencia. Su lenguaje preciso y depurado, que no concede ninguna tregua al conformismo ni a la complacencia, es una convulsión de la clarividencia y un ataque a la resignación: la palabra es la última esencia de la poesía y el único camino para reencontrarnos con el otro y con el todo.
Entre sus numerosos premios sobresalen el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances (2009), el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca (2015), el Premio de Literatura FILCAR (2017), y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2018).

ISLA CORREYERO (Cáceres) es una poeta de sino romántico, entregada a la poesía como un destino ineludible. Es también guionista de cine y de televisión. Está incluida en las antologías: Las diosas blancas (1986), Ellas tienen la palabra (1997), Humanismo solidario (Visor, 2014) y Poesía soy yo (Visor, 2016). Es, a su vez, la antóloga de Feroces. Radicales, marginales y heterodoxos en la última poesía española (1998). Ha obtenido los premios Villafranca del Bierzo, Ricardo Molina y Hermanos Argensola. La presente antología recoge sus poemas esenciales, que representan y actualizan todos sus libros publicados: Cráter (1984), Ámbar (1986, inédito), Lianas (1988), Crímenes (1993), Diario de una enfermera (1996), La Pasión (1998), Amor tirano (2002), Lepidópteros (2014) y Divorcio (2015), junto a una amplia muestra de Ámbar, libro de amor que quedó inédito hace años, y a un nuevo poema final que cierra y abre puertas en su escritura. El título Mi bien es una fórmula que la poeta ha usado para la persona amada, pero ahora se refiere definitivamente a la poesía: a la suya y a la que ha leído. Así convierte esta antología en un verdadero libro nuevo, en el que todo adquiere un sentido distinto.

THOMAS STEARNS ELIOT nació en Saint Louis, Missouri, en 1888. Se mudó a Inglaterra en 1914 y publicó su primer poemario en 1917. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1948. Murió en 1965. Esta edición canónica de los poemas de T. S. Eliot en dos volúmenes establece un nuevo texto distinto a la Poesía completa 1909-1962, corrigiendo erratas y omisiones que han perdurado desde el asombroso debut de Eliot, La canción de amor de J. Alfred Prufrock. Esta edición contiene no solo sus obras maestras, sino también la producción juvenil de Eliot que ha sido redescubierta décadas más tarde, otros textos que circularon privadamente en vida y los poemas de amor de sus últimos años, escritos para su mujer Valerie Eliot. Christopher Ricks y Jim McCue ofrecen en esta edición comentarios que iluminan la vida imaginativa de cada poema. Obtenidos de los escritos críticos de Eliot, de sus borradores, cartas y otros materiales, dichos comentarios ilustran no solo la amplitud de los intereses de Eliot y el valor de sus escritos, sino también cómo el autor de Gerontion llega a escribir obras como Marcha triunfal y los Cuatro cuartetos. Gracias a la familia y los amigos que reconocieron el genio de Eliot y preservaron su legado desde una época temprana, Ricks y McCue han establecido al detalle el progreso de una mente que nunca se cansó de explorar. Tras los poemas reunidos y los poemas sueltos que se incluyen en el primer volumen de esta obra, este volumen segundo se abre con los versos para niños de El libro de los gatos habilidosos del Viejo Possum y con su traducción de Anábasis de St. John Perse. Además, este volumen rescata los versos con que Eliot contribuyó a la desenfada tertulia de Noctes Binanianae, junto a otros versos escritos improvisadamente y dirigidos a los amigos íntimos. Cada una de estas secciones va acompañada de sus comentarios. De Eliot dijo William Empson: “no sé con certeza cuánta parte de mi propia mente y mi propia percepción del mundo inventó él”.

La poesía de José Manuel Caballero Bonald se ha convertido en una referencia ineludible de las letras hispánicas de las últimas décadas, a lo largo de su intensa y extensa trayectoria. Desde Las adivinaciones (1952) hasta Desaprendizajes (2015) ha elaborado una obra unitaria, pero llena de matices. Protagonista en la renovación lírica de la Segunda Generación de Posguerra, con títulos fundamentales como Las horas muertas (1959), continuó camino con la poesía testimonial y comprometida de Pliegos de cordel (1963), y siguió por las incursiones barrocas y herméticas de Descrédito del héroe (1977) o Laberinto de Fortuna (1984), hasta llegar a su última etapa insumisa con Diario de Argónida (1997) o Manual de infractores (2005). El análisis que Juan Carlos Abril realiza en este volumen supone un exhaustivo recorrido por la poética bonaldiana. Investiga un corpus bibliográfico de más de seis décadas, con la aportación de documentos desconocidos o inéditos, para desgranar el mundo del poeta. Se actualizan así los estudios en torno a su obra a partir de una lectura discursiva basada en una pormenorizada reflexión. Diestro en las estrategias de la teoría, el autor navega por la noción de dialogía bajtiniana, la semántica estructural greimasiana y una personal cartografía mitocrítica alrededor de Argónida, que se completa con un característico giro metapoético al que se ha desembocado desde la lingüística cognitiva. Y todo ello en el contexto de los debates estéticos, críticos, sociohistóricos y generacionales de la poesía contemporánea en lengua española.
LUIS GARCÍA MONTERO

LUISA CASTRO (Foz, Lugo, 1966) es escritora en español y gallego. Entre otros es autora de los libros de poemas Odisea Definitiva, Los versos del eunuco, Baleas e baleas, Los hábitos del artillero, De mí haré una estatua ecuestre, y Amor mi Señor. Parte de su obra ha sido reunida en el volumen Señales con una sola bandera. Ha recibido los premios de poesía Hiperión y Rey Juan Carlos I, y como narradora ha obtenido los premios Azorín, Torrente Ballester y Biblioteca Breve. Ha publicado cinco novelas, El somier, La fiebre amarilla, El secreto de la lejía, Viajes con mi padre y La segunda mujer, así como el libro de cuentos Podría Hacerte Daño. Sus artículos periodísticos están recogidos parcialmente en los volúmenes Diario de los años apresurados y Melancolía de sofá. Actores vestidos de calle comienza con un poema escrito tras el atentado terrorista en la escuela de Beslán (Osetia, 2004). Diez años después, en Nápoles, durante la mayor crisis migratoria que vivió la ciudad, su autora vuelve sobre aquellas imágenes para hablarnos de otra destrucción y de otro exilio muy distintos, los de la propia vida, de la que hemos sido expulsados como de un teatro en demolición. Los recuerdos cambiantes, el lenguaje que ha perdido toda su función, la inutilidad del arte frente a un mundo saturado de violencia representada, son también los escenarios que su autora nos mostrará, en un tránsito que va de lo social a lo íntimo, del actor al espectador, de la persona a la Historia.

MANUEL VÁZQUEZ MONTALBÁN (Barcelona, 1939 - Bangkok, 2003) cultivó con enorme éxito la novela, el periodismo, el memorialismo colectivo y el ensayo, pero el centro de su vocación literaria lo ocupó siempre la poesía, caracterizada especialmente por su sentido lúdico y su conciencia cívica, su sagacidad irónica, siempre con notables referencias testimoniales y críticas. La poesía de Vázquez Montalbán se revela totalmente unitaria en su concepción —y en los temas, y en el rigor estético que la caracterizan— a lo largo de los diez títulos que llevan desde Una educación sentimental (1967), hasta el póstumo Rosebud. La presente y definitiva Poesía completa ofrece al lector la obra más esencial de un escritor imprescindible. «Si algún día alguien emprende el estudio de su extensa producción literaria tendría que empezar por la poesía, donde se encuentran la mayoría de las claves para comprender una obra de múltiples resonancias, expresada a través de muy diversos géneros literarios». J.M. CASTELLET

El ALBOROTO DE LOS PÁJAROS fue el último de sus títulos que John Ashbery (1927-2017) vio publicado en vida. A sus casi noventa años, después de haber escrito otros veintisiete volúmenes de poesía, una novela, tres obras de teatro y varias antologías de ensayos y traducciones del francés, y de haber recibido todos los premios y honores literarios del mundo anglosajón, desde la Medalla Robert Frost hasta el National Book Critics Award for Poetry, pasando por el Pulitzer, el anciano poeta compuso una elegía involuntaria que sintetiza de algún modo su quimérica aspiración a reflejar en la página, en el poema, la experiencia vital sin filtros, tal como la mente la percibe, la entiende o simplemente la experimenta. El poeta dedicó su vida entera a profundizar en la elaboración de «la experiencia de la experiencia», a soñar y olvidar para más adelante recordar y dejar constancia de lo percibido, o de lo meramente intuido. Este libro puede leerse como un análisis sobre nuestra pobre percepción del paso del tiempo, una meditación sobre la fugacidad y la incapacidad para apreciar plenamente el momento presente que ya ha dejado de serlo. Lo mejor que puede hacer el lector, lejos de buscar explicaciones o conclusiones, es zambullirse en El alboroto de los pájaros sin ideas preconcebidas y dejar que las palabras le permitan experimentar el triunfo sensorial de la poética del fracaso de John Ashbery, reencontrándose entre ellas con el poeta plenamente vivo.
EDUARDO IRIARTE

Luciana Gentilli es catedrática de Literatura española en la Universidad de Macerata, y especialista del Siglo de Oro. Ha publicado sobre teatralidad, religiosidad barroca y sobre el tema de la educación y de la formación en la sociedad cortesana, con especial insistencia en la imagen de la majestad real.
Renata Londero es catedrática de Literatura española en la Universidad de Udine. Investiga sobre la poesía, la narrativa y el teatro del siglo XX en España, y en lo que atañe al Siglo de Oro, se ha dedicado al teatro de Calderón, de los segundones post-calderonianos y de los epígonos barrocos a caballo entre los siglos XVII y XVIII.
El eje alrededor del cual se vertebra este libro misceláneo es la gran importancia que revisten la fructífera relación entre pasado y presente y la consiguiente reelaboración innovadora de las letras áureas en la contemporaneidad, con vistas a una profunda revisión de la identidad cultural hispánica. En particular, las ocho aportaciones críticas que se recogen aquí versan sobre un género, el dramático, donde el enlace entre lo antiguo y lo nuevo en la literatura española desempeña un papel identitario aún más destacado. De hecho, no cabe duda de que el teatro barroco encierra una inmensa riqueza de potencial receptor e interpretativo, capaz de seguir transmitiendo su mensaje, cada vez releído y renovado, al público espectador y lector de la actualidad. Por lo tanto, los investigadores que han contribuido en este volumen —de nacionalidad italiana, alemana y mejicana— oscilan en sus trabajos entre los siglos XVII, XVIII y XX, y entre España e Italia, apostando por la pujanza semántica y expresiva de las tablas a lo largo de los siglos, y además demostrando su amplitud de alcance, al considerar a autores consagrados —como Lope de Vega, Ramón del Valle-Inclán, Rafael Alberti— al lado de dramaturgos de segunda fi la: Agustín Moreto, Juan de Matos Fragoso, Giovan Battista Pasca y José de Cañizares. Al finalizar la lectura, nos quedamos con la certeza sobre la plena y constante vigencia de los clásicos, cifra de la fecunda mediación del pasado con el presente, como reconocía Italo Calvino en 1981: «Los clásicos son esos libros que nos llegan trayendo impresa la huella de las lecturas que han precedido a la nuestra, y tras de sí la huella que han dejado en la cultura o en las culturas que han atravesado». Escritores problemáticos y nunca dogmáticos, pues, los ingenios áureos nos entregan a través de sus piezas no solo un inmejorable instrumento de exploración de la condición humana, sino, sobre todo, la oportunidad de sorprendernos, rompiendo cualquier imagen estereotipada que de ellos teníamos, y transformando cada relectura en un descubrimiento.

FINLANDESA, nacida en San Petersburgo (1892), y de lengua sueca, Edith Södergran está considerada como la más importante poeta de Escandinavia, y ha sido comparada con Pound o Rilke. De intensa espiritualidad y enorme sensibilidad, la acentuación del problema de Dios la llevó a la resignación y, quizás, a su precoz final. Murió en Carelia en 1923, cuando sólo contaba 31 años. «Que mi literatura es poesía, nadie lo puede negar. Que sea o no sea verso, es otra cuestión. He tratado de someter a un ritmo ciertos poemas refractarios, y he descubierto que sólo poseo el poder de la palabra y la imagen en condiciones de completa libertad, esto es, a expensas del ritmo. Mis poemas son descuidados esbozos a lápiz. En cuanto a su contenido, dejo que mi instinto construya lo que ve mi mente. Mi aplomo se basa en que he descubierto mis dimensiones. Y no tengo porqué hacerme menos de lo que soy.»
E. SÖDERGRAN