Figura clave en el panorama artístico de Nueva York en la década de 1980, Keith Haring (1958-1990) creó un estilo característico que mezclaba arte urbano, grafiti, sensibilidad pop y elementos del cómic, consiguiendo un efecto único y memorable. Con gruesos contornos negros, colores brillantes y figuras cinéticas, sus intervenciones públicas (en ocasiones, ilegales), esculturas y obras sobre lienzo y papel se convirtieron instantáneamente en iconos inconfundibles de la cultura visual del siglo XX.

Desde sus primeras historietas dibujadas con tiza en las estaciones de metro de Nueva York hasta su conocido diseño de Radiant Baby, pasando por sus trabajos para Absolut Vodka o el fabricante de relojes Swatch, la obra de Haring refleja la maníaca ética del trabajo del Nueva York de los años ochenta, pero también se distingue por su conciencia social. A pesar de su estética lúdica y luminosa, sus obras abordan a menudo asuntos políticos y sociales polémicos, como el racismo, el capitalismo, el fundamentalismo religioso o, como presagio de su propia muerte en 1990, el impacto del SIDA en la comunidad gay de Nueva York.

Esta vívida introducción a la obra de Haring explora la ajetreada vida y el espíritu innovador de un artista singular, que estuvo en la cima apenas una década, pero que gracias a su compromiso político y un lenguaje visual accesible se convirtió en uno de los creadores más importantes surgidos de la vibrante comunidad artística de Nueva York.

Las pinturas de Albert Oehlen (nacido en 1954) cobran vida merced a estrategias audaces, la subversión de sus propias reglas y la belleza pictórica de sus formas abiertas y abstractas. Este nuevo y revelador estudio, comisariado por él mismo, se centra en sus pinturas de los últimos treinta años. Se incluyen obras famosas junto a otras apenas conocidas con el fin de repasar su forma de trabajar y sus temáticas. En dos extensas conversaciones con John Corbett y Alexander Klar, Oehlen nos presenta su carrera y pondera el desafío de enfrentarse al lienzo en blanco cada mañana. Además de extractos de textos contemporáneos, se recogen otros clave, surgidos de la pluma de críticos y comisarios a lo largo de la carrera del artista con vistas a proporcionar una perspectiva histórica de su obra.

En combinación, este estudio oral y visual explora la trayectoria de Oehlen desde las pinturas abstractas que realizó a finales de la década de 1980 hasta el primer uso de imágenes pixeladas, que produjo en uno de los primeros ordenadores personales y modificó a mano. Exploramos asimismo la serie de Oehlen con una paleta restringida de tonalidades grises; sus collages de fragmentos de carteles publicitarios chillones pegados sobre lienzos, con los que transformó eslóganes imperativos en elementos abstractos; sus pinturas dactilares, y su serie reciente de lienzos arbóreos, en los que siluetas negras que recuerdan vagamente a árboles se retuercen y definen un repertorio de formas abstractas. En toda su obra, Oehlen transforma lo conceptual en compositivo, alentando y desafiando a un tiempo al espectador a adoptar un pensamiento fresco respecto a la pintura.

La ropa define a las personas. La indumentaria de una persona, ya sea un sari, un kimono o un traje, es la clave esencial de su cultura, clase, personalidad o incluso religión. Fundado en 1978, el Instituto de la Indumentaria de Kioto (KCI) reconoce la importancia del significado de la ropa desde el punto de vista sociológico, histórico y artístico. Actualmente, el KCI, que alberga una de las colecciones de indumentaria más extensas del planeta, ha acumulado una amplia gama de prendas de vestir, ropa interior, calzado y accesorios históricos que van del siglo XVIII a la actualidad.Historia de la moda, que muestra la vasta colección del instituto, supone un viaje fascinante a través de la moda de los tres últimos siglos. Incluye fotografías impecables de la ropa organizada y expuesta con destreza en maniquíes hechos a medida. Este libro da fe de que la ropa es «una manifestación esencial de nuestra forma de ser» y de la pasión del instituto por la moda como una compleja e intrincada forma de arte.

Entre las autoras del libro se cuentan algunas de las mentes más brillantes y los ojos más aguzados de los estudiosos de la moda: Akiko Fukai (conservadora jefe del KCI), Tamami Suoh (conservadora del KCI), Miki Iwagami (profesora de historia de la moda en el Sugino Fashion College de Tokio), Reiko Koga (profesora de historia de la moda en la Universidad Femenina de Bunka) y Rie Nii (asistente de conservación del KCI).

La ropa define a las personas. La indumentaria de una persona, ya sea un sari, un kimono o un traje, es la clave esencial de su cultura, clase, personalidad o incluso religión. Fundado en 1978, el Instituto de la Indumentaria de Kioto (KCI) reconoce la importancia del significado de la ropa desde el punto de vista sociológico, histórico y artístico. Actualmente, el KCI, que alberga una de las colecciones de indumentaria más extensas del planeta, ha acumulado una amplia gama de prendas de vestir, ropa interior, calzado y accesorios históricos que van del siglo XVIII a la actualidad.Historia de la moda, que muestra la vasta colección del instituto, supone un viaje fascinante a través de la moda de los tres últimos siglos. Incluye fotografías impecables de la ropa organizada y expuesta con destreza en maniquíes hechos a medida. Este libro da fe de que la ropa es «una manifestación esencial de nuestra forma de ser» y de la pasión del instituto por la moda como una compleja e intrincada forma de arte.

Entre las autoras del libro se cuentan algunas de las mentes más brillantes y los ojos más aguzados de los estudiosos de la moda: Akiko Fukai (conservadora jefe del KCI), Tamami Suoh (conservadora del KCI), Miki Iwagami (profesora de historia de la moda en el Sugino Fashion College de Tokio), Reiko Koga (profesora de historia de la moda en la Universidad Femenina de Bunka) y Rie Nii (asistente de conservación del KCI).

Conozca al artista cuyo majestuoso influjo se difundió por todo el mundo. Hokusai (1760-1849) no es sólo uno de los gigantes del arte japonés y una leyenda del periodo Edo, sino también uno de los fundadores de la modernidad occidental. Su prolífica gama de grabados, ilustraciones y pinturas conforma una de las expresiones más completas del género artístico ukiyo-e, y es una de las referencias fundamentales del japonismo. Su influencia alcanzó al impresionismo, el Art Nouveau y el Jugendstil, entre otros, y cautivó a autores de la talla de Claude Monet (que compró 23 de sus grabados), Berthe Morisot, Edgar Degas, Mary Cassatt y Vincent van Gogh.

Hokusai fue siempre un hombre activo. A lo largo de su vida cambió de domicilio más de 90 veces y sustituyó su propio nombre por al menos siete seudónimos profesionales. En su arte mostró la misma inquietud, cubriendo el espectro completo del ukiyo-e japonés (la pinturas del mundo flotante), que es un género pictórico y de grabados realizados mediante xilografía en el que se encuadran desde estampas sueltas con paisajes y actores hasta libros eróticos, álbumes de grabados e ilustraciones para antologías poéticas y novelas históricas. Hokusai también realizó surimono, estampas de carácter privado que se imprimían en ocasiones especiales.

La serie de grabados de Hokusai Treinta y seis vistas del monte Fuji, publicados entre 1830 y 1834, es la obra más famosa del artista. Muestra el pico del monte elevándose en diferentes estaciones y desde diferentes puntos de vista, y supone la cima del grabado paisajista japonés. La serie La gran ola de Kanagawa, también conocida simplemente como La gran ola, muestra algunas de las imágenes del arte japonés más conocidas en todo el mundo.

Este libro de TASCHEN abarca la carrera completa de Hokusai y presenta las obras clave de su amplio porfolio. A través de estas piezas y series, tan majestuosas como meticulosas, recorre la variedad de temática tratada por el artista, desde libros eróticos hasta novelas históricas, así como la evolución de su vívido formalismo y su peculiar organización del espacio por medio del color y de la línea, que liberaría el arte occidental de las limitaciones de la perspectiva única y daría rienda suelta al impulso modernista.

Las fotografías de Julius Shulman (1910-2009) mostraron al mundo el sueño californiano. Sus imágenes de la arquitectura en el sur de la costa oeste de EEUU a mediados del siglo pasado no sólo captaban los elementos estructurales, funcionales y de diseño de cada edificio sino también el contexto de su emplazamiento y a sus habitantes en una perspectiva completa y evocadora de un estilo de vida. Con el tiempo, el talento llevaría a Shulman a viajar por el mundo y crear, poco a poco, una de las cronologías visuales de la arquitectura moderna más irresistibles.

Esta nueva edición de Modernism Rediscovered de TASCHEN, que incluye más de 400 joyas arquitectónicas en imágenes procedentes de los archivos del autor, representa un inmenso tesoro cultural por un precio asequible. Cada proyecto y fotografía fueron seleccionados personalmente entre más de 260.000 imágenes por Benedikt Taschen, quien ha disfrutado de una estrecha relación con Shulman y su obra desde la publicación de Julius Shulman: Architecture and Its Photography (1998). Los proyectos, que documentan el enorme alcance de la estética moderna, abarcan especialmente la costa de California, pero también el resto de Estados Unidos, además de México, Israel y Hong Kong. Todos están retratados con su agudeza característica para comprender espacio y contexto, y su brillante e intuitivo sentido para la composición.

Las imágenes se contextualizan gracias a una introducción firmada por el crítico de fotografía Owen Edwards; una extensa biografía de Shulman por Philip J. Ethington, historiador de la Universidad del Sur de California; descripciones de los elementos decorativos en las imágenes escritas por Peter Loughrey, el fundador de la casa de subastas Los Angeles Modern Auctions, y biografías de arquitectos clave. Además, el libro incluye reflexiones del propio Shulman y transcripciones de las conversaciones mantenidas a lo largo de varios meses con el escritor de arte Hunter Drohojowska-Philp que retratan la época.

Maestro de lo sublime
El impresionista esencial
Junto con J.M.W. Turner, ningún artista se esforzó más que Claude Monet (1840-1926) en capturar en el lienzo la luz. De todos los impresionistas, fue el hombre del que Cézanne decía «solo un ojo, pero ¡Dios mío, qué ojo!», el hombre que se mantuvo completamente leal al principio de la fidelidad absoluta a la sensación visual, pintando directamente a partir del objeto.
Se podría decir que Monet reinventó las posibilidades del color y que, ya fuera por su temprano interés en los grabados japoneses, su período como recluta bajo la resplandeciente luz de Argelia o su relación personal con los pintores más importantes de fines del siglo XIX, lo que creó Monet durante su larga vida cambió para siempre el modo en que percibimos tanto el mundo como sus fenómenos asociados. El punto culminante de sus exploraciones fue la serie tardía de nenúfares pintada en su propio jardín de Giverny, la cual, en su giro hacia la ausencia casi total de forma, es realmente el origen del arte abstracto.
Esta biografía hace del todo justicia a este artista tan excepcional y profundamente influyente, y ofrece numerosas reproducciones y fotos de archivo junto con comentarios detallados y precisos.
Sobre el autor:
Daniel Wildenstein (1917-2001) fue historiador del arte y miembro de la Académie des Beaux-Arts de París. Desde 1939, fue director de las Galerías Wildenstein de Nueva York, Londres y Tokio y, más adelante, editor de varias publicaciones internacionales, como la revista Arts (1956-1962) y la Gazette des Beaux-Arts (a partir de 1963). Fue cofundador de la Fondation Wildenstein en 1970 (rebautizada en 1984 como Wildenstein Institute) y promovió numerosas exposiciones con repercusión a escala internacional. Daniel Wildenstein también dirigió la edición de catálogos razonados de varios artistas de los siglos XVIII, XIX y XX. Fue una autoridad mundial del Impresionismo y publicó catálogos de las obras completas de Gauguin, Manet y Monet

Las ruedas de la historia
Del Ford T y el DB5 al «Escarabajo» de Volkswagen y el Hummer
Henry Ford aceleró el advenimiento de la era del automóvil cuando en 1908 puso en marcha la primera cadena de montaje de su Ford modelo T. A lo largo del tiempo, el automóvil ha ido evolucionando: la traqueteante bestia de carga de los primeros años ganó vistosidad y alerones y ha acabado por convertirse en un elegante objeto de deseo, al que no le faltan ni los adornos del capó. El tiempo ha hecho de aquella curiosidad mecánica un elemento necesario de la era moderna y un símbolo de libertad en la inmensidad de la carretera.
20th Century Classic Cars propone una suntuosa historia visual del automóvil, década a década, a través de más de 400 anuncios de prensa de la colección Jim Heimann. Las imágenes del libro, selección de un siglo de publicidad, siguen la evolución del automóvil, desde los tiempos en los que era un simple carro sin tiro hasta los actuales cohetes sobre ruedas y más allá. La introducción y los textos de cada capítulo son obra de Phil Patton, especialista en motor del New York Times, y están complementados por una cronología ilustrada; con estos elementos, el libro destaca las innovaciones tecnológicas, los principales constructores y distribuidores, los acontecimientos históricos y la influencia de la cultura popular en el diseño de automóviles. Láncese a un viaje en el tiempo a lo largo de la era del automóvil: esta colección le pondrá al volante de su itinerario. Un clásico TASCHEN, disponible ahora en un nuevo formato y a un precio irresistible.

Berlín sobrevivió a dos guerras mundiales, quedó dividida durante la Guerra Fría y fue reunida tras la destrucción del muro, para emerger como centro del poder y la cultura europeos. Este libro abarca desde 1860 hasta nuestros días y presenta la historia de Berlín a través de fotografías, retratos y vistas aéreas. Con 560 páginas llenas de imágenes emotivas y evocadoras, desde vertiginosas fotografías de los locos años veinte a devastadoras imágenes de la guerra y conmovedoras fotos de la postguerra que muestran a una ciudad destruida rehaciéndose a sí misma —el Reichstag en ruinas y después envuelto por Christo y Jeanne-Claude—, este es el más exhaustivo ensayo fotográfico de Berlín realizado hasta la fecha.

Entre las fotografías hay obras de Henri Cartier-Bresson, Helmut Newton, René Burri, Robert Capa, Thomas Struth y Wolfgang Tillmans, así como prestigiosos fotoperiodistas de la vida berlinesa como Friedrich Seidenstücker, Erich Salomon, Willy Römer y Heinrich Zille (se incluye también un índice de biografías de fotógrafos). Las citas de berlineses y expertos de la vida berlinesa como Vladimir Nabokov, Alfred Döblin, Herwarth Walden, Marlene Dietrich, Billy Wilder, Willy Brandt, Helmut Newton, sir Simon Rattle y David Bowie dan voz a las imágenes. Más que un tributo a la ciudad y su historia cívica, social y fotográfica, esta obra quiere rendir especial homenaje a sus habitantes por su coraje y esperanza y porque en sus rostros se refleja el alma inmortal de Berlín.

Con una carrera desarrollada en todo el mundo durante más de seis décadas, la obra del arquitecto Norman Foster solo se puede calificar como extraordinaria. La innovación creativa y el enfoque holístico lo han convertido en uno de los arquitectos más influyentes y conocidos del mundo. Con Foster + Partners ha creado hitos que destacan por su modernidad inventiva y lo que él llama «un enfoque sostenible para el diseño del entorno construido», desde el campus Apple Park en Cupertino, California, hasta el Reichstag en Berlín, el patio interior del Museo Británico en Londres o el viaducto de Millau en Francia.Por primera vez, la obra completa de Foster se presenta en una edición de una escala tan grande. Esta ofrece una perspectiva única del funcionamiento interno de su práctica creativa. Detalla el enfoque personal con el que aborda su oficio, sus inspiraciones, el vínculo entre arte y arquitectura, y el significado y la relación entre sus pasiones, como la aviación, con su trabajo.La monografía XXL abarca una vida de logros y originalidad en dos volúmenes. El primero presenta su obra arquitectónica y está lleno de imágenes y bocetos inéditos seleccionados por Foster procedentes de sus propios archivos. El segundo libro contiene casi 1.000 ilustraciones y ocho ensayos que escribió explicando sus fuentes de inspiración.Además del premio Pritzker de 1999, se ha reconocido a Foster con la Medalla de Oro de Arquitectura del American Institute of Architects, la Medalla Real de Oro de Arquitectura del Royal Institute of British Architects y la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura. Este es un magnífico viaje visual por algunas de las maravillas arquitectónicas más importantes y a la mente de un genio. Norman Foster esbozó cada página de esta edición y pasó innumerables horas con el autor y el diseñador gráfico para convertirlo en uno de los libros de arquitectura más extraordinarios jamás publicados.También disponible como Edición de Arte de 300 copias acompañada de una lámina firmada de un dibujo de Norman Foster y de un estuche diseñado a medida.