Mercedes de Velilla nació en 1852 en Sevilla y falleció en 1918 en la localidad sevillana de Camas. Es, pues, una escritora entre dos siglos. Sus poemas juveniles tienen la hechura y la intensidad de las Rimas becquerianas. Sus versos últimos, escritos en los comienzos del siglo XX, están ya en la órbita del simbolismo de Juan Ramón Jiménez y Machado. Se trata de una escritora de fronteras que conduce el hilo de oro de las Rimas becquerianas hasta las Soledades de don Antonio Machado. Los méritos literarios de Mercedes de Velilla son varios. Es una magnífica versificadora, tanto en las estrofas de arte menor como en las del endecasílabo. Escribió poesía popular concisa y misteriosa, en la línea de la mejor poesía oral andaluza. Dejó sonetos de extraordinaria intensidad. En ellos declara, con ardiente precisión y sin ambages, una pasión amorosa frustrada. La fuerza de estos sonetos puede compararse a los de la escritora inglesa Elizabeth Barrett Browning en sus célebres Sonetos del portugués. Finalmente, los poemas escritos en su madurez, ya en los comienzos del siglo XX, son lo más hondo y universal de su obra. Inexplicablemente, la obra de esta poeta ha permanecido casi inédita y en el secreto de unos pocos. Sin duda, la timidez, la discreción, las carencias económicas jugaron en su contra. El amor profundo a la libertad ?a la libertad de la literatura y de la propia conciencia? suele pagarse con soledad y aislamiento. Su vida fue, sin duda, un sueño de libertad, solo en parte logrado. Entre las Rimas de Bécquer y el simbolismo de Machado la crítica sitúa a Rosalía de Castro. Acaso este libro nos haga comprender que, junto a ella, hemos de añadir otro nombre de mujer: Mercedes de Velilla.

Elena Fortún, además de crear la exitosa serie de Celia, escribió teatro infantil pensando en su representación por los más pequeños, en casa o en el colegio. Su obra Teatro para niños, publicada por primera vez en 1935, recoge doce comedias en un acto escritas con anterioridad a la guerra civil, en un contexto de ruptura con los desfasados moldes del teatro infantil decimonónico y en plena vanguardia teatral española. Para los lectores actuales, recuperamos ahora esas doce piezas acompañadas por las ilustraciones que firmó Lluís Dubón en 1942. Protagonizadas por personajes clásicos del universo de Fortún, obras como Las narices del mago Pirulo, La bruja Piñonate o Una aventura de Celia demuestran la maestría dramatúrgica de la autora: ritmo y soltura en la acción, diálogos ágiles y fluidos, acertados gags situacionales, rico juego paródico, equívocos verbales divertidísimos, humor y dinamismo, reformulación de motivos folklóricos? Rasgos de la narrativa fortuniana que brillan con intensidad en estas comedias. Es el teatro que le hubiese gustado representar a Celia: pura defensa de la fantasía frente a las moralejas.
Elena Fortún (Madrid, 1886-1952). Creadora de las célebres novelas de Celia, el personaje infantil más emblemático de la literatura española, comenzó a publicar las aventuras de esta niña madrileña que quería ser escritora el año 1928 en el suplemento infantil Gente Menuda. A través de sus vivencias y las de los otros protagonistas de la saga (Cuchifritín, Matonkikí, Patita y Mila) Elena Fortún construyó una fiel crónica de los años más convulsos del siglo xx español con la visión extraordinaria y fiel de unos personajes que, como su creadora, nunca terminaron de adaptarse al mundo moderno.
Purificació Mascarell. Investigadora y profesora universitaria de literatura española, es premio extraordinario de doctorado por la Universitat de València con una tesis sobre el teatro clásico en la escena moderna y contemporánea. Colabora como crítica literaria en las revistas Clarín y Caràcters. Entre otras publicaciones, es autora del libro de narrativa infantil Centre comercial L?Oblit (2018) y de la obra de teatro juvenil Cavallers (2017), y ha editado el volumen Sherlock. L?home que mai va viure, l?home que mai morirà (2018), con relatos de Conan Doyle. Actualmente, investiga la obra y la figura de Elena Fortún.

Éste es un libro que, asegura el autor, ha ido creciendo con él. La reflexión sobre su quehacer, sobre la poesía y sobre el arte en general, es cosa que hace muchos años acompaña su escritura, en un intento de no perderse, o al menos de saber cómo, dónde y por qué se perdía. Pero esa reflexión ha ido tomando forma lentamente, a lo largo del tiempo; los textos aquí reunidos son el resultado. Los ofrece ahora por lo que puedan valer, en la esperanza de que, como lo han sido para él, puedan ser también útiles para un posible lector. Que bien puede discrepar de lo que aquí se dice (a menudo, poco o nada convencional); pero eso no importará si le ayudan, o cuando menos le incitan, a pensar, a preguntarse, sobre el quehacer artístico y sobre el mundo. No piensa el autor que, como a veces se dice, tenga el poeta que estar doblado de crítico; pero sí que ese otro modo de crítica, «silencioso y creador», de que hablara Luis Cernuda, es efectivamente deseable que acompañe su trabajo. Y que tampoco es malo que, como le ocurrió a él mismo, alguna vez se rompa ese silencio.
José Cereijo nació en Redondela (Pontevedra), en 1957. Desde 1968 vive en Madrid. Ha publicado hasta la fecha cinco libros de poesía y uno de relatos (Apariencias, Renacimiento, 2005). Ha sido incluido en numerosas antologías, y muestras de su trabajo han aparecido en diferentes publicaciones, tanto de España como del extranjero. Colabora en distintos medios de prensa, escrita o electrónica, en los que ha publicado artículos, reseñas de libros y otros textos literarios. Es también autor de varias antologías de otros poetas, publicadas en esta misma Editorial, donde igualmente ha aparecido otra de su propio trabajo (Árbol desnudo, 2017), preparada por Javier Lostalé. En 2016 apareció, también en Renacimiento, la antología de poemas de Emily Dickinson de título Carta al mundo, realizada en colaboración con su esposa, María Taibo. En 2017 ha sido elegido miembro de la Asociación de Juglares de Fontiveros, pueblo natal de San Juan de la Cruz.

José María Álvarez (Cartagena, 1942). Poeta, narrador y ensayista es una de las figuras más cosmopolitas del panorama literario. Su gran obra maestra es Museo de cera, cuya primera edición fue de 1974 y la octava y última de 2016. Desde entonces ha publicado los siguientes poemarios: Los decorados del olvido (2003), Sobre la delicadeza de gusto y pasión (2006), Bebiendo al claro de Luna sobre las ruinas (2008), Los obscuros leopardos de la Luna (2010), Como la luz de la Luna en un Martini (2013) y Seek to know no more (2015). Una desamparada hermosura supone por tanto el séptimo libro de esta nueva etapa y todos, incluyendo Museo de cera, forman parte del catálogo de esta editorial.

Joaquín Cestino ha publicado cinco libros de poemas, Reding (1992), Notas de prensa (1994), Doce ciudades (1996), Zorah (2000) y Noches trasfiguradas (2013). Es autor igualmente de diferentes libros de relatos, ensayos y temas históricos.
«Subyuga la atmósfera de estos poemas. Ecos decadentes de otras épocas. Casas cerradas, piscinas vacías, la nostalgia de la belleza. Un mundo proustiano. El océano y el mar en la obra de Joaquín Cestino. Es una poética impresionista hecha con frases cortas y expresivas. Así, la elegancia y el buen gusto literario desembocan en la musicalidad que fundamenta el tono fascinante y envolvente del conjunto». Rosa Romojaro

Aurora Saura Bacaicoa nació en Cartagena en junio de 1949 y residió hasta su adolescencia en Alicante. Estudió Filología Románica en la Universidad de Murcia y ha sido profesora de Lengua y Literatura hasta su jubilación. Ha publicado los siguientes libros de poemas: Las horas (1986), De qué árbol (1991), Retratos de interior (1998, reedición en 2014), Si tocamos la tierra (2012) y Mediterráneo en versos orientales ?plaquette de haikus? (2015). Varios de sus poemas han sido recogidos en distintas antologías; las más recientes: Contra. Poesía ante la represión (2016) y Composición de lugar (2016). Ha participado frecuentemente en lecturas poéticas, coloquios y encuentros literarios. Ha colaborado también en revistas de la misma índole y en libros franceses para estudiantes de Español. Su lema podría ser, algo modificada, la famosa frase de Terencio: «Nada, humano o no, me es ajeno».
En 'Avivar el fuego', se recoge una selección de libros anteriores: 'Las horas', 'De qué árbol', 'Retratos de interior', 'Si tocamos la tierra', y algunos poemas inéditos.

Una parte importante de España salió de este país en las maletas y petates de tantas personas que tuvieron que partir al exilio. Con ellas, en sus formas de ser y pensar, en su manera de vivir y entender el mundo, se iba también parte de la esencia de esta tierra. Entre aquellos transterrados se encontraba Luis Rius Zunón, un hombre consciente del valor de las tradiciones de su pueblo, al que sus relevantes cargos políticos e institucionales no le alejaron de la voz de las gentes más humildes; un hombre al que el exilio no le borró la memoria de sus raíces ni de esa vida que atesoran las composiciones de la literatura popular. Padre del también poeta Luis Rius, uno de los principales representantes de la generación conocida como «los niños de la guerra», Rius Zunón escribió en México toda una serie de textos basados en la tradición oral castellana. Sones y letras que, tras un viaje de ida y vuelta de miles de kilómetros, siguen aún viviendo en estas tierras gracias en parte a su labor. Rius no volvería a España porque su vida se apagó unos meses antes que la del dictador que lo llevó al exilio. La publicación de su obra y, con ella, la reivindicación de su memoria es hoy una realidad.
Luis Rius Zunón nació en Tarancón (Cuenca) en 1901, en el seno de una respetada familia relacionada con la educación, la cultura y las leyes. Desde pequeño comenzó a desarrollar un especial interés por el folclore, del que se empapó en sus visitas frecuentes a uno de los barrios más populares y humildes de su pueblo, entonces importante cruce de caminos en el centro de la península. Allí comenzó a desarrollar una de sus principales facetas, la política. Posiblemente su carácter sociable y cercano, sus dotes intelectuales y humanistas, y su formación en Derecho fueron aspectos clave para una proyección que le llevó de participar en movimientos sociales y políticos locales ?a finales de los años veinte? a ser alcalde, presidente provincial y representante del gobierno de la Segunda República en distintas provincias y empresas nacionales. Tras la Guerra Civil se exilió en México, donde ejerció la docencia y la administración, y desde donde escribió la mayor parte de su obra. Y allí, en la Ciudad de México, fallecía en 1974, dejando en su haber literario una vasta e interesante colección de poesía ?en gran parte inédita? que hunde sus raíces en la lírica tradicional española.

Este estudio documentado traza y analiza en detalle la acogida que recibieron en España varios movimientos de vanguardia extranjeros durante los primeros lustros del siglo veinte. Mientras que la recepción del surrealismo ya ha recibido bastante atención crítica, se ha prestado relativamente poca a los otros «ismos» europeos, todos anteriores. Por esta razón, el presente libro se enfoca en el cubismo (tanto la acogida en Madrid como la que recibió en Barcelona, bastante distinta), el futurismo y el dadá, y recoge las reacciones coetáneas ante estas modernísimas manifestaciones del arte y de la literatura que llegaban desde Francia, Italia, Suiza, Alemania y otros países. Los cuatro capítulos analíticos se complementan con sendos capítulos bibliográficos, que muestran por primera vez la notable extensión del comentario contemporáneo sobre las nuevas tendencias, además de las publicaciones de muestras de textos vanguardistas originales y de traducciones de ellos.
Andrew A. Anderson ha sido profesor de literatura española en las universidades de Oxford, Michigan y Virginia. Su línea de investigación se destaca por el estudio de la obra de García Lorca, así como de la vanguardia histórica (el Futurismo, Gómez de la Serna, el Ultraísmo, Salvador Dalí, Sebastià Gasch, Ernesto Giménez Caballero, el Surrealismo, etc.), del teatro español de entreguerras, y de la historiografía literaria de la misma época. Sobre Lorca ha publicado Lorca?s Late Poetry: A Critical Study (1990), Federico García Lorca en Nueva York y La Habana. Cartas y recuerdos (2013, con Christopher Maurer), y una serie de ediciones críticas, entre ellas Diván del Tamarit. Llanto por Ignacio Sánchez Mejías. Seis poemas galegos. Poemas sueltos (1988), Epistolario completo (1997, con Christopher Maurer), y Poeta en Nueva York (2013).
Sobre la vanguardia cuenta con varias monografías: El veintisiete en tela de juicio. Examen de la historiografía generacional y replanteamiento de la vanguardia histórica española (2005), Ernesto Giménez Caballero: The Vanguard Years (1921-1931), y El momento ultraísta. Orígenes, fundación y lanzamiento de un movimiento de vanguardia (2017).

Fernando Villalón (Sevilla, 1881-Madrid, 1930), conde de Miraflores de los Ángeles, fue ganadero de toros bravos. Su ideal –criar toros tan temibles como aquellos que lidiaron Pedro Romero y Pepe-Hillo en los albores del siglo XIX− lo condujo a la ruina. Pero lo que perdió el ganadero, lo ganó el poeta. Durante tantos años de andanzas por tierras de Andalucía la Baja, marismas y orillas del Guadalquivir, sin olvidar las estancias en su amada Sevilla, Villalón almacenó en su memoria y sensibilidad paisajes, colores, perfumes, canciones, semblanzas, hasta que brotó la necesidad de convertir esas sensaciones e impresiones en poesía. En esta antología se reúne lo esencial de los tres libros que publicó (Andalucía la Baja, 1926; La Toriada, 1928, y Romances del 800, 1929) y una notable cantidad de poemas que permanecieron inéditos más de cincuenta años después de su muerte. Entre ellos, una extraordinaria cosmogonía, «Kaos», y poemas de cortes diversos: neopopulares, humorísticos, ecologistas, espirituales y hasta surrealistas. Los versos de Fernando Villalón, son «memorables», como justamente escribió Fernando Ortiz, tan cargados de fuerza poética que, después de leídos, acompañan y cautivan para siempre al lector.

Teixeira de Pascoaes (Amarante, 1877-1952) fue el poeta portugués moderno más importante hasta la aparición de Fernando Pessoa, quien dijo de él que era «uno de los mayores poetas vivos y el mayor poeta lírico de la Europa actual». Autor de una amplia obra lírica, narrativa y ensayística, fue una de las figuras clave de las relaciones entre las literaturas ibéricas a principios del siglo XX. Padre del movimiento denominado Saudosismo, que estuvo en la base de las primeras composiciones pessoanas, Pascoaes llegó a ser candidato al premio Nobel en los años cuarenta. Los aforismos aquí presentados, seleccionados y ordenados por el gran poeta surrealista Mário Cesariny (Lisboa, 1923-2006), revelan la esencia de un poeta de profunda raíz reflexiva y espiritual que vive entre dos mundos: el de la arcadia perdida de una saudade siempre presente y el que avanza vertiginoso en las artes y las letras de las primeras décadas del siglo XX.