En este ensayo sobre Gilbert & George se incide en el carácter transgresor de su obra, en su inconformismo con las ideas mayoritarias de su época: una obra que aprovecha cualquier elemento molesto para la sociedad o el mundo del arte. Dan buena prueba de ello cuestiones como la fusión del arte y el artista; el tratamiento abierto de su íntima relación con la bebida; la plasmación de la crueldad y la violencia como elementos constitutivos de la cotidianidad social; el aprecio por otras razas; la asunción del deseo homosexual por los jóvenes y la propia desnudez; las referencias a emblemas militaristas y signos políticos extremistas, o la representación del dolor y la desdicha con toda su crudeza. Temas que han estado, y permanecen estando, en los límites de lo admisible por las mentes biempensantes de la sociedad. Es la suya una obra que nace y se desarrolla en un ambiente netamente urbano. A lo largo de su historia artística resulta llamativa la presencia constante de la ciudad de Londres. En este texto, y través de sus obras, podemos recorrer muy diferentes paisajes y paisanajes de la gran urbe. Pero su topografía no la encontraremos en ninguna guía de la ciudad. Son visiones extrañas y comprometidas de una metrópoli multicultural, imágenes de los sectores menos favorecidos y de las circunstancias o motivos menos glamurosos, pero no por ello menos londinenses. Son los escenarios urbanos que muchos no desean conocer. Coincidiendo con la gran exposición antológica dedicada a Gilbert & George en la Tate Modern de Londres, esta obra aparece recogiendo lo más significativo de su trayectoria y se ilustra con una amplia selección en color de sus piezas más emblemáticas, escogidas por los propios artistas para esta publicación.

La obra enfoca su contenido a partir del planeamiento y construcción del principal monumento madrileño, la plaza Mayor, apoyándose para ello en un detallado análisis de documentos archivísticos, planos arquitectónicos, dibujos y fotografías que recogen ampliamente la fábrica urbana de la época.
La ciudad de Madrid fue elegida en 1561 sede de la corte, lo que la convirtió de facto en capital de España. La construcción de la plaza Mayor y su entorno refleja significativamente el sentido burocrático del nuevo gobierno de Madrid. El libro ilumina, asimismo, el cuidadoso proceso de planificación de la ciudad iniciado en ese momento, que va a atender con particular interés a las necesidades de vivienda y obras públicas que acompañan necesariamente el nuevo estatus capitalino. El estudio del proceso revela el alto grado de complejidad técnica alcanzado por el urbanismo español en este período, al tiempo que fuerza a reconsiderar el nivel logrado por el urbanismo español al ser observado en contextos contemporáneos, tanto en Europa como en la España virreinal.
La plaza Mayor de Madrid se erige como monumento clave para comprender la importancia otorgada a la construcción de espacios planificados y regulares en el urbanismo renacentista y barroco en el ámbito internacional, y simboliza, como ningún otro monumento, el proceso por el cual Madrid deja de ser un mero receptor de ideas urbanísticas, para encabezar la transformación urbana que la convierte en ciudad metropolitana y modelo para otras capitales del mundo.
Con un planteamiento histórico riguroso y profusamente ilustrado con más de un centenar de imágenes en color, la obra, editada con la colaboración de la Obra Social de Caja Madrid, será recibida con agrado tanto por el especialista, ya sea del ámbito de la historia, la arquitectura o el urbanismo, e incluso de la sociología, como por el lector interesado en general por el patrimonio histórico español, que encontrará en esta obra uno de los principales hitos constructivos del legado arquitectónico del Barroco.

4.ª EDICIÓN. Nueva encuadernación en rústica.
¿Por qué los teléfonos modernos tienen teclas que no sirven para nada? ¿Por qué no se sabe, con frecuencia, si para abrir una puerta hay que empujar, o tirar, o si se trata de una puerta deslizante? ¿Por qué es tan difícil entender un manual de instrucciones?
Con muchos ejemplos similares y en clave de humor, Donald A. Norman, uno de los psicólogos más imaginativos de las últimas décadas, analiza los problemas del diseño de los objetos que nos rodean en la vida cotidiana y el tipo de conocimiento que cada uno requiere. La obra es también una amena y lúcida lección de psicología que utiliza el diseño como excusa.
«Todos somos víctimas de la perversidad natural de los objetos inanimados. He aquí un libro que, por fin, se revuelve contra los objetos, los diseñadores, los fabricantes y el resto de los seres humanos que originan y mantienen esta perversidad.» Isaac Asimov
«Un libro entretenido y apasionante, lleno de historias sobre cómo se diseñan los objetos y sobre cómo deberían ser diseñados.» R. Shank, catedrático de Psicología de la Universidad de Yale
«Un libro lleno de encanto, de enorme importancia para todos los que vivimos en un mundo de máquinas que no sabemos manejar y manuales de instrucciones que no nos ayudan a aprender, y para aquellos que diseñan el mundo. Los psicólogos nos acusan de haber perdido el contacto con nuestros sentimientos; Norman demuestra que ni siquiera tenemos contacto con los objetos que nos rodean.» The Magazine of International Design.
Donald A. Norman es profesor emérito de Ciencia Cognitiva en la Universidad de California, profesor de Ciencias de la Informática en la Universidad de Nortwestern y distinguished visiting professor en el Departamento de Diseño Industrial del Korea Advanced Institute of Science & Technology de Daejon (Corea del Sur). Consultor (y cofundador) del Nielsen Norman Group, en su larga trayectoria académica, galardonada por las Universidades de Delft y Padua, ha centrado sus investigaciones en la psicología cognitiva, la usabilidad de los objetos y el diseño emocional, áreas sobre las que ha publicado numerosos libros, como Memory and Attention: An Introduction to Human Information Processing, Things That Make Us Smart (1993), The Invisible Computer (1998), Emotional Design (2004) y Living With Complexity (2010).

Catálogo de la exposición homónima de la National Gallery de Londres sobre Canaletto y los principales pintores venecianos del siglo XVIII. («Canaletto y sus rivales»: National Gallery, Londres, 13 de octubre 2010-16 de enero 2011 // National Gallery of Art, Washington, 20 de febrero-30 de mayo 2011.)
En colaboración con la National Gallery, la editorial Nerea presenta este hermoso catálogo, bellamente ilustrado, que recoge el amplio abanico de pintores que, con Canaletto a la cabeza, representaron el paisaje veneciano, con su luz siempre variable y sus espectáculos y ceremonias.
Aunque Canaletto es el artista que comúnmente se asocia con las imágenes paisajistas de Venecia, la pintura de vistas en la Venecia del siglo XVIII congregó una constelación de artistas extraordinarios, que plasmaron desde los famosos espectáculos de la Serenísima hasta los lugares más recónditos de la ciudad en deslumbrantes pinturas que se sitúan entre los logros más destacados del arte dieciochesco.
Junto a Canaletto, todas las figuras principales —Bellotto, Carlevarijs, Guardi, Joli, Marieschi y Vanvitelli— están representadas en esta cuidada edición, además de otros fascinantes pintores de la época, como Cimaroli y Tironi. Una breve biografía de cada uno de los pintores introduce las obras, agrupadas cronológicamente por autor.
Imprescindible para todos los interesados en el arte del siglo XVIII, especialmente en la obra de Canaletto, así como para todos los lectores que deseen, a través de sus páginas, disfrutar de la exposición de la National Gallery y de la siempre fascinante imagen de Venecia.
El editor de la obra, Charles Beddington, es académico independiente y marchante de arte londinense. Ha pronunciado numerosas conferencias y publicado diversas obras sobre Canaletto y otros pintores de vistas italianas del siglo XVIII. Es autor de Canaletto in England.

9.ª EDICIÓN.
Mediante un amplio panorama de cinco siglos, desde las grandes salas llenas de humo de los palacios medievales hasta los ambientes y espacios de hoy, en este libro se explica de una forma extraordinariamente entretenida qué es una casa. El término comprende conceptos tales como confort y comodidad, intimidad y domesticidad o austeridad y estilo.
El autor, arquitecto y catedrático de Arquitectura, expone entre otras cosas cómo los cambios sociales y culturales han influido en los estilos de decoración; la relación entre los tapices medievales y las moquetas modernas; o cómo algunos de los lujos más apreciados de la vivienda moderna obedecen a requisitos técnicos de la construcción. Rybczynski formula además una dura crítica a «la pobreza esencial de las ideas arquitectónicas modernas», pues a su juicio «la idea que del confort tienen los arquitectos y los ingenieros es fundamentalmente errónea» y el bienestar doméstico «es algo demasiado importante para dejárselo a los expertos; es, igual que ha sido siempre, asunto de las familias y de las personas».
«La casa… es un libro serio, históricamente correcto y de lectura exquisita. Es el triunfo de la inteligencia.» (The New Yorker).
[Traductor: Fernando Santos Fontenla].