A modo de mapa de peligros, entre la navegación interior y el apego a las lejanías, Los motivos del salvaje muestra una andadura que va y viene desde la rebeldía del lenguaje a la incógnita de la existencia. “Pertenecemos, como el mar, a la intemperie”, se anuncia en algún momento de esta travesía. Música del pensamiento y matemática del instinto se alían para darnos cada verdad con su razón contraria, siempre a la luz del relámpago adivinatorio de la metáfora. Se cumple este viaje “bajo luna del caníbal”, redescubriendo a cada paso esa “eternidad del instante” que funda el misterio de lo poético. Poeta y hombre se reúnen en un porvenir único, el que trae “una mitad de primavera y una mitad de espanto”. Seguramente, este es el viaje más arriesgado de Ángel Antonio Herrera, hasta llegar allí donde “todo fervor es una usanza del olvido”, allí donde “quien tiene el amor tiene también su quemadura”.
Ángel Antonio Herrera (1965) es autor de los poemarios El demonio de la analogía (1984-86), En palacios de la culpa (1986-88), Te debo el olvido (1997-98) y Donde las diablas bailan boleros (2000-02). Dos antologías reúnen su obra poética: El sur del solitario (1984-2000) y Arte de lejanías (1984-2006). Paralelamente, ha publicado la novela Cuando fui Claudia, la biografía Francisco Umbral, el ensayo El falo, o el diccionario de famosos Esto no es Hollywood, entre otros libros de diverso género. Lleva más de veinticinco años dedicado al periodismo escrito, donde es una de las firmas más vivas, literarias y singulares. También ejerce en radio y televisión.

Poesía Experimental Española (Antología incompleta) es hermana lógica y siamesa de Poesía Visual Española (Antología incompleta). Se reúne en este volumen una selección de la obra de más de sesenta poetas-artistas españoles que actualmente trabajan en la frontera de los géneros plástico y poético. Completa aquel primer volumen, y amplía las fronteras —ya difusas— de la poesía visual con el término experimental, aludiendo al valor interdisciplinario y de indagación sobre los signos que puede percibirse tanto entre creadores más cercanos al ámbito de la poesía tradicional como a aquellos que han abandonado la página. Pasen, miren, lean, vean poesía en proceso y constante ebullición.
«Toda poesía válida tiende al último límite de la imaginación. Al llegar a ese lindero final el encadenamiento habitual de los fenómenos rompe su lógica, y al otro lado, en donde empiezan las tierras del poeta, la cadena se rehace en una lógica nueva.» (Vicente Huidobro).
«Aparte de la misión de salvar la identidad del hombre, tan rancia en nuestra sociedad de consumo, creo que el poeta actual debe ampliar su campo, salir de los libros y proyectarse con una serie de medios que le da la sociedad misma y que el poeta puede usar como vehículos insólitos, inyectándoles un contenido ético que la sociedad no les confiere. De aquí arrancan las experiencias de la poesía visual, que, para mí, se convierte en la poesía experimental propia de nuestro tiempo.» (Joan Brossa).
«Cada página debe abrirse con furia, ya sea por serios motivos, profundos y pesados, ya sea por el vórtice y el vértigo, lo nuevo y lo eterno, la aplastante espontaneidad verbal, el entusiasmo de los principios, o por los modos de la prensa. He ahí un mundo vacilante que huye, atado a los cascabeles de la gama infernal, y he ahí, por otro lado, los hombres nuevos, rudos, cabalgando a lomos de los sollozos.» (Tristan Tzara, Manifiesto Dada).
«No será el miedo a la locura lo que nos obligue a bajar la bandera de la imaginación.» (André Breton, Primer Manifiesto Surrealista).
Alfonso López Gradolí publicó entre 1968 y 2000 siete libros de poemas que se incluyeron en el volumen Los bosques de la memoria (Calambur, 2001). Posteriormente, han aparecido Los días luminosos (2002), Quizá conmigo y otros poemas (2006) y Las profundas aguas (2009). En 1971 publicó una obra de referencia en el área de la poesía visual: Quizá Brigitte Bardot venga a tomar una copa esta noche, un conjunto de treinta y un collages en forma de poemas visuales, calificado por The Times como «una obra maestra de la poesía visual». Asimismo, editó Poesía Visual Española (Antología incompleta) (Calambur, 2007). Además, publicó La escritura mirada. Una aproximación a la poesía experimental española (Calambur, Biblioteca Litterae, 2008), un estudio sobre la aparición, desarrollo y asentamiento de esta manifestación artística, una poesía que, en la época de la cultura de la imagen, se erige como un arte fronterizo entre plástica y escritura.

«La heterodoxia es el mejor término que define a Rafael Pérez Estrada. Fue rompiendo todas las hormas y todas las normas y fue asumiendo un riesgo creativo que él consideraba consustancial con el hecho mismo de escribir.» (Antonio Soler).
Rafael Pérez Estrada (Málaga, 1934-2000) es un acontecimiento de la imaginación y del lenguaje. Poeta angular e inclasaificable de la poesía española contemporánea, actualizó y a la vez transgredió todos los géneros literarios. Novelas de una sola página, poemas escenográficos, ensayos de una línea, aforismos, bestiarios, tratados... todo cabe en el arca solar de este poeta que cree que el canon posible es la medida del mar y que "poeta es el que espera". Así este libro, Jardín del Unicornio, que sólo vio la luz en una edición de autor en el año 1988, a la espera de ese lector imaginario que sepa desconfiar del poder porque "engendra caballos". No, lejos de las estructuras reduccionistas de la crítica más conservadora, Rafael Pérez Estrada no engendra caballos, engendra unicornios. Todo un tratado de imaginación trasgresora, es decir, de poesía, en su "cita urgente con la vida".
Prólogo de Antonio Soler.

Francisca Aguirre (Alicante, 27 de octubre de 1930) pertenece a lageneración de mujeres que tuvieron la vida m s dif¡cil de la Españadel siglo xx, la de quienes eran niñas durante la guerra. Se puedepensar que la de sus madres fue a£n m s dura, pues, adultas ya,tuvieron que encarar penuria y sufrimientos d¡a a d¡a, pero no locreo: despertar a la vida, adquirir conciencia (aquello que se llamaba "uso de razón") durante una guerra civil -con todo lo que conlleva-es lo m s terrible que le puede ocurrir a un ser humano.Compuesto entre 1992 y 2000, en Los maestros cantores la autora haceejercicio de gratitud y admiración por aquellos, tantos, queliteralmente le han salvado la vida, son los hombres y mujeres que han acompañado su trayectoria espiritual, intelectual y moral. Se tratade un libro afirmativo y emocionante, que hilvana el di logo con losnombres amados, dej ndose conducir por su energ¡a. El arte cura, s¡,o, dicho de otro modo, sólo en el terreno del arte -vale decir, de lapoes¡a- halla sentido la vida.Olvido Garc¡a Vald‚s, del prólogo a esta edición.Despu‚s de Ensayo general. Poes¡a completa 1966-2000 (Calambur, 2000), Francisca Aguirre ha publicado La herida absurda (2006), Nanas paradormir desperdicios (2008) e Historia de una anatom¡a (2010). Su obraha sido galardonada con los premios Ciudad de Ir£n, Internacional dePoes¡a Miguel Hern ndez y Alfons el Magn nim, entre otros, as¡ comocon el Premio de la Cr¡tica Valenciana al conjunto de su obra.

La obra de Serra, muy personal, nos trae a veces a la memoria el desgarramiento espeluznante, por lo sincero, de Genet y también el misticismo imaginativo de Michaux. Como Cirlot (el primero en envasar sueños) Iñaqui sabe que la única manera virginal de entenderse con lo onírico no está —valga la redundancia— en soñar sueños, sino en crearlos en el plano urgente de lo que racionalmente el artista no llega a entender del todo.
Rafael Pérez Estrada
Bajo la gorra orgasmática de la imaginación está Iñaqui, el poeta con el pecho manchado por la sangre de Tiépolo. Vive en el jardín de los simbolismos. Lo buscan los comisarios de sueños. Pocos tan radicalmente hermosos en la desobediencia y lo oscuro, nadie como él, bebé furioso de Lezama, en la reyerta contra los príncipes del barrio.
Juan Carlos Mestre
José Ignacio Serra (Tarragona, 1961) es poeta, pintor y narrador. Artista en los márgenes de la cultura y la época, su obra, de carácter integral, se desarrolla bajo el juego de la imaginación. Se da a conocer como escritor e ilustrador en los años 90 en revistas como Versión Celeste y plaquettes no venales. Ha publicado los libros de poemas El libro quemado (2000), Pie de druida (2004, Premio Rafael Estrada), La espada en el ágata / Little Killer (2009) y la novela Antología de poetas recién asesinados (2005). Su poesía ha sido recogida en antologías como Poesía Ultimísima, Milenio, Aldea Poética II o La voz y la escritura. Del rigor en el juego es un libro iluminado y disperso en el que se hallan la risa y el sexo, la infancia, el sueño, la locura y la muerte, la metafísica incluso, y las múltiples referencias culturales casi siempre disimuladas y tergiversadas a las que José Ignacio Serra nos tiene acostumbrados.

Después de haber editado La memoria alucinada (una amplia antología de su obra poética) y El gran libro del flamenco (enciclopedia en dos volúmenes y libro de referencia para flamencólogos y aficionados al arte flamenco), Calambur pone ahora en manos del lector esta poesía reunida, la totalidad de la obra poética de Manuel Ríos Ruiz, revisada y reordenada por el propio autor. Una obra cuyo acento intransferible, como bien señalara Francisco Umbral, ha sido el de convertir el poema, a través de una permanente reelaboración del lenguaje poético y desde la ya larga tradición del barroco andaluz, en un emisario de las emociones y experiencias tanto individuales como colectivas.

La difícil poesía amorosa, por su uso y abuso, es un tema espinoso y lleno de dudas, como lo es este libro íntimo y de tono autobiográfico de Kepa Murua. El gato negro del amor es un libro que viaja: escrito entre Londres, Toronto, Nueva York y Vitoria-Gasteiz (entre los años 2005 y 2006), y es, a su vez, un viaje hacia la gama de colores que componen la imagen del amor, el desamor y la separación. Personificado el proceso en la elasticidad y ambivalencia del gato (el gato negro, el gato blanco, el gato gris, el gato del silencio, el gato de fuego), Kepa Murua nos presenta a los personajes que componen este relato (los amantes, los escenarios, la memoria) con su habitual despojamiento retórico y, desde el distanciamiento que otorga el viaje, sin ningún patetismo. Hay dolor, pregunta y desconcierto, y grandes dosis de sinceridad, sobre uno de los recurrentes temas de la poesía, planteado en este libro desde una perspectiva netamente contemporànea.

Selección de Úrsula Rodríguez Hesles. Prólogo de Juan Carlos Mestre.
«Antonio Pereira nombraba lo que importa, la condición de cuanto alegre hace causa con lo luminoso. A nadie que haya leído alguno de sus libros le habrá resultado indiferente la emoción compasiva con que subraya cada una de sus líneas la pericia humana.» (Juan Carlos Mestre).
Antonio Pereira (Villafranca del Bierzo, 1923- León, 2009) se dio a conocer como poeta aunque pronto le siguió su labor narradora; y de la simbiosis de ambas formas de escritura consiguió extractar con su inteligente humor y delicada socarronería cuentos y relatos, todos ellos poéticas piezas de cuidada expresión a la altura de los grandes narradores universales de lo breve. No en vano, cada vez es más frecuente que se reclame su figura entre aquellos lectores y creadores del microrrelato, que ven en su obra uno de sus solitarios precursores. Pereira es uno de esos artistas que, distante de posturas academicistas y casi sin proponérselo, dejó humildemente un legado cuyo radical magisterio consistió en descubrirnos la natural precisión semántica y emocional con la que nos hablan las palabras cuando éstas son el verdadero hogar de lo que se cuenta. Esta antología, que toma su título de uno de los poemas de Antonio Pereira, ofrece un selecto paseo por una obra urdida con un original y sutil talento poético-narrativo.

El niño que bebió agua de brújula no es sólo un libro sino que también es un universo con sus propias leyes. A la vez enérgico y sutil en su plasticidad, violento en su desamparo ante la realidad y la condición humana, el autor explora las posibilidades del conocimiento en un mundo fragmentario. Desde el inconformismo ante cierta tradición inmóvil o las modas fugaces, Mas Alcaraz funda un imaginario propio a través de un original sistema simbólico y estructural que transgrede los límites que separan realidad y ficción. El resultado es un libro cinematográfico en el que los poemas-secuencia se abren a diversas lecturas de una reflexión que es individual y colectiva de manera simultánea, y que se sitúa, por su clara vocación neovanguardista en un espacio singular de la poesía española contemporánea.
Julio Mas Alcaraz nació en Madrid en 1970 y pasó su infancia y juventud en Alicante. Licenciado en Ciencias Económicas y MBA ha vivido también en Chicago, Londres y Nueva York. Su primer poemario fue Cría del ser humano. Como traductor ha publicado La diferencia entre Pepsi y Coca-Cola. Antología de poesía norteamericana contemporánea; Vive o muere, de Anne Sexton; y El juramento del a pista del frontón, de John Ashbery. Ha dirigido la colección de poesía Highway 66. Es miembro fundador del grupo de performance EX.PO.RA. En la actualidad (2011) estudia dirección de cine.