Ayoola tiene un serio problema con sus novios: cuando se cansa de ellos, cuando le decepcionan, o a veces sin motivo aparente, los mata. Ya lleva tres, lo cual la convierte, en cierta manera, en una asesina en serie. La única que lo sabe es su hermana Korede, que movida por un amor fraternal cada vez más en el alambre, ha ayudado a Ayoola a eliminar pistas, cubrir sus pasos y, en definitiva, evitar que se descubra que aquellas misteriosas desapariciones de hombres jóvenes que se están produciendo en Lagos llevan su marca letal. Por si la situación no fuera suficientemente complicada, Korede contempla horrorizada cómo su hermana empieza a salir con el hombre de sus sueños ?el médico del hospital en que trabaja como enfermera?, por lo que deberá replantearse su rol de cómplice, si no quiere que este triángulo amoroso termine en un baño de sangre. A partir de estas dos hermanas peculiares, con personalidades opuestas y maneras muy distintas de integrarse en la jerarquía social ?Korede representa el esfuerzo, el control, el respeto a las normas; Ayoola es anárquica, visceral, irresponsable, pero libre?, Oyinkan Braithwaite ha construido una trama negra tanto en su sentido del humor como en su vibrante desarrollo a la manera de thriller, situado en una Nigeria de principios de siglo XXI tan dinámica como peligrosa en este momento de cambios económicos y demográficos de la nueva África. Un magnífico debut en la novela en el que, con una prosa afilada y un ritmo embriagador, la joven escritora desliza agudas reflexiones sobre el poder de la consanguinidad, las relaciones tóxicas y las posibilidades reales de comprensión y convivencia pacífica entre mujeres y hombres.

Con un siglo de historia a sus espaldas, y habiendo sido una fuerza de cambio y desarrollo decisiva en la música del siglo XX, ¿cuál es el lugar del jazz en el siglo XXI? ¿Sigue representando una corriente fuerte, innovadora y con valor cultural en nuestro mundo cambiante, o debe resignarse a reproducir los patrones del pasado para el consumo de una minoría elitista? Según Nate Chinen, el jazz está actualmente en pleno proceso de transformación, de adaptación a los nuevos tiempos, y aunque es verdad que vive a la sombra de fenómenos más populares como el pop y el hip hop, su impacto en la cultura contemporánea sigue siendo notable. El jazz del siglo XXI es heredero de la evolución del género hasta su última fase de cambio decisiva, la fusión de principios de los setenta, que resolvió la crisis de identidad que se dio tras la muerte de John Coltrane, y una vez liberado de la presión de tener que ser la música más singular y compleja de su tiempo, el jazz ha vuelto a recuperar sus raíces y a reinventarse a la luz de las nuevas tecnologías, los últimos cambios sociales y la crisis global de la industria discográfica. Playing changes es el primer ensayo que aborda el jazz no como historia pasada, sino como una fuerza viva que todavía hoy sigue creando obras valiosas, generando discursos estimulantes y dialogando tanto con la tradición como con otros géneros. En su viaje por el jazz del siglo XXI, Nate Chinen toma a las figuras centrales del jazz actual –como Kamasi Washington, John Zorn, Brad Mehldau, Flying Lotus y Cécile McLorin Salvant– como hilos conductores de cada uno de los capítulos para repasar la historia del género en relación con el pasado y con sus posibilidades de futuro, una vez conectado con el hip hop post-millennial, el R&B y los discursos del ruido y de la producción electrónica. El jazz es una música que sabe adaptarse a los nuevos tiempos –así lo demuestran las obras del saxofonista Steve Coleman, el pianista Vijay Iyer o la bajista Esperanza Spalding, entre otros protagonistas del libro–, y Playing changes funciona como una guía esencial para entender y adentrarse en esta nueva realidad compleja del jazz.

La angustia por el presente, el miedo al futuro, la desorientación en un mundo cada vez más complejo y cargado de estímulos? son algunas de las sensaciones que marcan la vida en el siglo XXI para muchas personas, y que confluyen en el estado anímico al que llamamos «ansiedad». Cuestiones como la incertidumbre constante sobre qué camino tomar, las dificultades para encontrar un lugar en el mundo y la sensación de que todo lo que está por llegar será peor van ganando terreno no solo en el discurso de las redes sociales y las conversaciones entre amigos, sino también en el hecho artístico: cada vez son más las novelas, los poemas, las canciones, las películas y las series de televisión que discurren, de una manera u otra, sobre la epidemia de la ansiedad, los terrores que esta despierta y sus consecuencias.
En este breve pero contundente ensayo, Olivia Sudjic confiesa que padece ansiedad, y que esta condición ha sido recurrente en su vida como escritora, manifestándose en síntomas como la fobia de sentirse juzgada, la incapacidad de gestionar el escrutinio y el volumen de información de internet y la presión por no estar a la altura. Con un estilo tan pulcro como lírico, Sudjic no solo explica lo que es la ansiedad y cómo esta te atenaza y dificulta el desarrollo de una vida normal, sino también cómo se puede canalizar hacia fines creativos. Así, a partir de su propia experiencia, sus lecturas y sus influencias, y tomando ejemplos en la narrativa y el ensayo recientes ?obras como Crudo de Olivia Laing, o Amo a Dick de Chris Kraus, pasando por autoras como Roxanne Gay, Maggie Nelson, Elena Ferrante, Jenny Offill o Rachel Cusk?, Sudjic aborda de manera profunda uno de los males de nuestro tiempo, y además demuestra cómo este puede canalizarse en una producción artística que no solo ayude a combatirlo, sino también a explicar nuestra sociedad.

Considerada una de las más memorables historias de amor de la literatura japonesa, esta novela aborda uno de los aspectos más complejos, y en muchos sentidos tabú, de las relaciones personales en Japón: la marcada diferenciación y reglamentación de los roles masculino y femenino en las situaciones afectivas. Escrita en los años treinta del siglo pasado, está basada en gran medida en las experiencias de su autora, Chiyo Uno, una figura influyente cuya vida liberada causó gran escándalo en su época. En esta novela, con la que alcanzó la fama literaria, narra en primera persona las andanzas de Yuasa Jōji, un afamado artista que, a su regreso a Japón después muchos años en el extranjero, inicia una complicada ronda de relaciones extramatrimoniales, empezando por la arrolladora Takao –una suerte de lolita, previa a la Lolita de Nabokov– seguida de la tormentosa Tsuyuko y la delicada Tomoko. De este modo, el protagonista se ve atrapado en una red de afectos, dependencias y complicadas situaciones que le permiten a Chiyo Uno exponer la férrea moral afectiva del Japón de su época y revindicar el papel de la mujer en una sociedad todavía anclada en las viejas costumbres. Pasados más de ochenta años desde su publicación original, Confesiones de amor se mantiene como una novela protofeminista y valiente, así como un texto vigente para comprender que hay formas de estructuración social diferentes al matrimonio y la tutela patriarcal.

Con El espíritu de resistencia, recopilación de textos inéditos escritos entre 1943 y 1983, la editorial Alpha Decay continúa con la publicación en lengua castellana de las obras claves de Vladimir Jankélévitch.
Este volumen, que constituye el testimonio más importante y comprometido del filósofo en torno a diversas cuestiones relacionadas con el judaísmo, empieza con un homenaje a los héroes de la Resistencia francesa, en la cual el propio Jankélévitch participó activamente, frente a la ocupación nazi y la deportación de judíos. Estamos ante un documento ético e histórico de gran importancia que nos ofrece la perspectiva de un filósofo que frente a los acontecimientos vividos sólo pudo considerar la filosofía como acción. El autor reflexiona sobre el antisemitismo –respecto al cual defiende que hay que considerarlo de manera muy distinta al racismo–, ofrece un radical y necesario alegato contra Heidegger y aboga por la prohibición absoluta de olvidar, a la vez que argumenta a favor de la imprescriptibilidad de los crímenes contra la humanidad. Tampoco faltan en este volumen los pensamientos de Jankélévitch sobre el Estado de Israel –al cual siempre se sintió fiel y al que consideraba «la conciencia del mundo de hoy»–, ni reflexiones sobre uno de los ejes de su filosofía moral, el concepto del «perdón», en relación a la Shoá. Todos los textos, organizados en bloques temáticos por los editores del libro original en francés –reconocidos expertos en Jankélévitch–, son puestos en contexto con la ayuda de introducciones a cada bloque muy útiles y clarificadoras para el lector.

Kioto se ha convertido en la ciudad más turística de Japón, y una de las más visitadas de toda Asia. Sus atracciones son conocidas por todo el mundo: el paseo de Arashiyama, rodeado de largas cañas de bambú, el santuario Fushimi Inari, con su camino jalonado por miles de puertas rojas que culmina en la subida a una pequeña montaña sagrada? Por no hablar de los templos del interior de la ciudad, como el Pabellón Dorado, que inspiró la novela de Yukio Mishima, o el jardín seco del templo Ryoanji, la máxima expresión del arte influenciado por la filosofía zen. Pero hay otro Kioto que se esconde entre los pliegues de esta ciudad milenaria, un Kioto solo accesible a quienes han pasado muchos años allí, y que algunas veces aguarda en los lugares más visitados pero requiere una interpretación a partir de los códigos propios del arte y la arquitectura oriental. Para descubrir ese otro Kioto, nadie mejor que Alex Kerr, que lleva más de cincuenta años viviendo en Japón y que con este libro ?fruto de una larga serie de conversaciones con su amiga Kathy Arlyn Sokol? quiso brindar un insólito y fascinante enfoque de la ciudad y sus tradiciones, inspirado por las enseñanzas de los maestros que ha encontrado en el camino: artistas, monjes zen, sacerdotes sintoístas e insignes personalidades como el legendario comerciante de arte David Kidd.
Este libro no es una guía de viajes, ni un tratado sobre arte, aunque tiene elementos de ambos géneros. El visitante (e incluso el residente) encontrará pistas interesantes para descubrir maravillas alejadas de los circuitos más populares. Pero sobre todo es una explicación pormenorizada de aspectos intrínsecos del arte japonés tan desconocidos para el público occidental, y que suelen pasar desapercibidos en las visitas turísticas: ¿por qué las puertas de los templos son grandes oberturas sin cierre? ¿Cómo hay que leer e interpretar los textos y las placas de los edificios? ¿Cuáles son las partes que constituyen un santuario y cuáles son sus límites? ¿Por qué los suelos son de madera? ¿Cómo hay que sentarse en un tatami?
El tono cercano y ameno con el que Alex Kerr transmite sus conocimientos y la erudición y el detalle de sus descripciones (siempre acompañadas de hermosas y clarificadoras ilustraciones) convierten El otro Kioto en un compañero de viaje ideal.

En 1978 Jonathan Cott, editor para Europa de la revista Rolling Stone, entrevistó a Susan Sontag en dos intensas jornadas, primero en París y luego en Nueva York. El encuentro se produciría en un momento crucial de la carrera profesional de Sontag: el año anterior había publicado una de sus obras más conocidas, Sobre la fotografía, y otras dos estaban a punto de aparecer: el conjunto de relatos Yo, etcétera y el ensayo La enfermedad y sus metáforas, que escribió mientras se trataba de un cáncer. Estos tres textos son el punto de partida de una fluida y cautivadora conversación que termina abarcando los temas más dispares (los libros y la música, la guerra y el arte, la sexualidad y la muerte) y en la que Sontag despliega de forma magistral sus hondos conocimientos en filosofía, literatura, estética y feminismo.
El presente volumen recoge la transcripción completa de esta entrevista que duró más de doce horas, y que al final atraviesa el umbral de su género para convertirse en un documento sumamente valioso: una suerte de autobiografía intelectual que pasa a engrosar el legado de una de las mentes más brillantes, poderosas y certeras del siglo XX.

Entre 1935 y 1940, Christopher Isherwood mantuvo una intensa relación epistolar con su madre, Kathleen. Fueron los años en que el escritor británico, tras abandonar Berlín en pleno auge del régimen nazi, estuvo recorriendo Europa en busca de asilo político para él y, en especial, para su amante Heinz, que había sido llamado a ingresar en el ejército alemán. A lo largo de este periplo con un ambiente prebélico y asfixiante de fondo, su madre fue la receptora de las confidencias, los miedos y las agudas observaciones de Isherwood, en un lustro convulso que concluyó con la marcha definitiva de Isherwood a Estados Unidos, donde desarrolló toda su obra de madurez al abrigo de la industria de cine de Hollywood.
Esta es, por lo tanto, la voz de la última juventud de Isherwood: sus cartas no solo muestran la afectuosa relación que tenía con su madre, sino que también abarcan el periodo de gestación de su vocación de escritor, a la vez que sirven de documento vívido sobre el último suspiro de la Europa de entreguerras. En definitiva, constituyen un valioso texto salpicado de abundantes notas coloristas y de una alta calidad literaria, que en esta edición viene profusamente acompañado de fotografías, reproducciones de las cartas originales y un estudio preliminar, con anotaciones pertinentes, a cargo de la académica Lisa Colletta.

¿Cómo es vivir la adolescencia en las afueras de una gran ciudad, tan cerca y a la vez tan lejos de todas las cosas emocionantes que suceden allí? ¿Cómo es morirse de aburrimiento en una comunidad residencial cuando tu máximo deseo es comprar música, ir a conciertos, pasar el fin de semana bailando y conocer chicos pero no tienes ni la edad ni la capacidad para moverte como deseas? En los años setenta, cuando no había internet, las distancias eran más largas ?los trenes eran más lentos y las comunicaciones más precarias?, y el acceso a la cultura más caro y difícil, esa sensación de aburrimiento y vacío alimentaba los anhelos más feroces y generaba la necesidad de un cambio radical, que para toda una generación llegó con la irrupción del punk y sus nuevos códigos estéticos y musicales. Ese es el resumen de la adolescencia de Tracey Thorn: una larga espera en pubs de barrio, en discotecas de pueblo y en fiestas rutinarias, confiando en que pronto llegarían los momentos decisivos que transformarían su existencia y personalidad.
Otro planeta es la crónica de una vida cualquiera, o de la vida de mucha otra gente: la de las amistades del colegio que se van perdiendo, la del descubrimiento del amor y las pasiones culturales que determinan nuestro camino, la del desarrollo del gusto estético en moda, cine y música y, sobre todo, la lucha constante contra la sensación de vacío, abulia y desorientación que caracteriza a todos los adolescentes. A partir de sus diarios personales y con continuos flashbacks, Tracey Thorn explica con prosa tierna y vivaz cómo fue su despertar musical, sentimental y pre-adulto, antes de comprar su primera guitarra y fundar, junto a su futura pareja sentimental y artística, el exitoso dúo de pop Everything But The Girl.

A diferencia de lo que se acostumbra a creer, el tarot no es solo un método de adivinación: también puede ser empleado como una guía para la reflexión personal que ayuda a profundizar en el autoconocimiento y, por tanto, a sacar mayor partido de las cualidades personales y a decidir qué camino tomar en diferentes momentos importantes de nuestra vida. Más allá de las múltiples teorías que giran en torno a su origen, hay algo indiscutible en esas cartas: los arcanos mayores y menores representan arquetipos, y se pueden traducir en situaciones probables y dinámicas de cambio. Al echar las cartas del tarot, no se abre ante nosotros un mensaje unívoco y directo, sino un conjunto de parámetros e ideas genéricas que pueden ayudarnos a reflexionar sobre el presente. Así, la baraja del tarot se revela como una excelente herramienta de exploración que, aplicada al proceso creativo, puede ayudar a los artistas ?en el sentido más amplio del término? a alcanzar sus fines, guiándoles en la toma de decisiones tales como cuándo comenzar un proyecto y cuándo darlo por concluido, cuándo cambiar de dirección y cuándo persistir.
A la manera de autores como Alejandro Jodorowsky o John Cage ?que se dejaba asesorar por el I Ching?, Jessa Crispin ha utilizado durante años el tarot como una guía para explorar su camino en la vida y profundizar en su proceso creativo como escritora. En este libro, Jessa Crispin desgrana el significado arquetípico de todas las cartas de la baraja, explica cómo interpretarlas y cómo extraer ideas a partir de valiosos ejemplos. Además, acompaña sus lecciones con divertidos incisos y, al final de cada capítulo, nos recomienda lecturas, canciones, películas y obras de arte que pueden ayudarnos a interpretar qué intentan decirnos las cartas. Hay múltiples caminos que podemos emprender, y el tarot puede ayudarnos a tomar las mejores decisiones tanto en nuestra vida cotidiana como en el arte.