Este es un cómic sobre la enfermedad y la pérdida, sobre la maternidad y la creatividad (y los problemas que surgen al intentar compaginarlas), sobre el trastorno bipolar y los pequeños incidentes cotidianos? En definitiva, un cómic sobre la vida de
Keiler Roberts, que desde 2009 narra sus hazañas diarias sin dramatismos ni grandes giros argumentales, pero con un sentido del humor tan particular que se ha convertido en su seña de identidad.
Isolada es un pequeño agujero en la pared a través del cual la autora nos permite espiar su día a día, aunque en muchas ocasiones nos sentimos tan identificados con lo que cuenta que da la sensación de que estemos observando nuestra propia vida. Tanto su estilo de dibujo y forma de narrar nos recuerda a la de otros grandes artistas como John Porcellino, Seth o Roz Chast.
Isolada le valió a Keiler Roberts en 2017 una nominación a mejor cómic en los premios Ignatz.

El nacimiento y el desarrollo del movimiento #MeToo en 2017 implicó, entre muchas otras cosas, una dura crítica a nuestra sociedad entendida como una construcción patriarcal en la que, a lo largo de la historia y de manera continuada, los hombres han acaparado todas las parcelas de poder, y este poder se ha ejercido constantemente en perjuicio de las mujeres. Sin embargo, el movimiento #MeToo parece haber dejado al margen de sus debates al padre, figura fundamental a la hora de diseccionar las estructuras de poder que sostienen al patriarcado, y que además está en la misma raíz etimológica de la palabra. Si bien podemos exigir responsabilidades en la vida pública y privada a jefes, compañeros de trabajo, parejas y amigos, ¿qué ocurre con los padres?
A partir de un buen número de ejemplos tomados de la historia y de la ficción, la psiquiatra y sexóloga Katherine Angel ha tenido la audacia de reflexionar por primera vez de manera directa y profunda sobre el lugar que ocupa la figura paterna en la cultura contemporánea y en la reivindicación feminista actual. En este ensayo tan breve como preciso y oportuno, Angel se mueve cómodamente por los cauces del psicoanálisis, la cultura popular y la literatura para detectar y apuntar a todos nuestros papis (los domésticos, los culturales e incluso los políticos), y preguntarse de qué modo la relación entre padres e hijas, en muchos casos intensa y en otros tantos conflictiva ?ejemplos de ello los encontramos tanto en la tragedia griega como en el cine moderno? podría convertirse en una fuerza constructiva en lugar de dañina. Porque aunque la aspiración última consista en desarticular el patriarcado, la figura del padre seguirá siendo insustituible.

El paso del tiempo ha creado la ilusión de que la contracultura de los años sesenta, que se articuló alrededor del movimiento hippie en Estados Unidos y las revueltas de Mayo del 68 en Europa, fue un éxito cuyo eco sigue resonando en la actualidad. Pero lo cierto es que aquel éxito fue un mito, una construcción, y ya durante el tiempo en que la contracultura empezaba a cobrar forma, el denominado establishment empezó a crear los cauces para aplacar y dirigir aquellos aires de revuelta y así poder convertirlos en un negocio, plenamente asimilados por el capitalismo imperante. De hecho, esta conquista de lo cool ha sido una constante durante varias décadas de tensiones entre el poder y su reverso: el capitalismo siempre encuentra la manera de convertir en reclamo (o en moda) cualquier revuelta social, ya sea el movimiento obrero, el pacifismo, el ecologismo o el feminismo. En este ensayo pionero ?que ya publicó Alpha Decay en 2011 y ahora se rescata en una nueva edición revisada y engrandecida con un prólogo del crítico cultural Jordi Costa?, Thomas Frank explica cómo ya en los sesenta, y fundamentalmente desde las agencias creativas de publicidad de Madison Avenue, empezó a asimilarse el lenguaje contestatario de los movimientos juveniles en eslóganes y productos que, traspasados a la esfera del consumo, perdían toda su carga transformadora.
Thomas Frank abunda en los orígenes de un procedimiento que sigue dándose en la actualidad, y cuyos efectos, aunque a veces pasen desapercibidos, tienen un profundo impacto en la evolución de las sociedades occidentales, donde los signos de cambio muchas veces aparecen transformados en una bohemia conformista y en la vacuidad hipster. Y para añadir un toque más perverso a esta relación, Frank desvela otra clave: muchas veces, la intención de revuelta y su asimilación en las dinámicas capitalistas van de la mano, se retroalimentan y colaboran para crear una fantasía en la que lo subversivo pierde su valor más allá de su interés como bien de consumo.

En este original y penetrante ensayo, Nil Santiáñez explora siete manifestaciones del mal: el resentimiento, la abyección, el mal radical, el mal absoluto, la banalidad del mal, el terror y el horror. Además de desglosar con claridad el significado de cada noción y establecer una sugestiva constelación de las principales «signaturas» del mal en la edad moderna y contemporánea, Santiáñez invita al lector a desarrollar una atenta mirada ética, mirada que en la sociedad contemporánea se ha ido desgastando hasta el punto de que ya casi hemos perdido esta disposición moral tan importante desde la Antigu?edad clásica, con nefastas consecuencias.
Del mal y sus signaturas se acerca a cada modalidad del mal desde diversos prismas, fundamentalmente la filosofía, la literatura y el cine. Así, la teoría del resentimiento de Nietzsche se ve reflejada en Abel Sánchez de Miguel de Unamuno; el concepto de «mal radical», articulado por primera vez en la filosofía moral kantiana, dialoga con la literatura libertina del marqués de Sade y con el cine de Pier Paolo Pasolini; el «mal absoluto» descrito por Hannah Arendt en Los orígenes del totalitarismo se ve plasmado en Jorge Semprún, en Klaus Mann y en varios testimonios escritos sobre los campos de exterminio nazis; y, por poner un último ejemplo, la filosofía de Schelling sobre el mal que abre el capítulo sobre el horror encuentra su continuación en El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad y en el documental de Claude Lanzmann Shoah.
Santiáñez defiende que no puede haber una definición unívoca del mal, y que solo mediante el examen de sus distintas modalidades, que realiza a través de múltiples referencias que son introducidas de manera accesible y pertinente sin la necesidad de un conocimiento previo por parte del lector, podemos acercarnos a este concepto tan elusivo. Quien recorra estas páginas despertará de nuevo la mirada ética tan necesaria para vivir el presente y afrontar los acuciantes problemas morales que plantea.

El estreno del primer capítulo de "Twin Peaks", el 8 de abril de 1990, está considerado como un momento fundacional en la historia de la televisión: en gran medida, David Lynch y Mark Frost sentaron las bases de lo que sería en el futuro el formato de la serie televisiva, anticipándose a fenómenos como Perdidos. Desde aquel momento, "Twin Peaks" se convirtió en una obsesión constante para quienes vieron sus dos primeras temporadas ?ni la exégesis más tenaz ha sido capaz de desentrañar todas sus claves simbólicas?, y a día de hoy sigue siendo un referente absoluto de la cultura popular de nuestro tiempo. Sin embargo, tal y como argumenta Pacôme Thiellement en este volumen de ensayos iluminadores sobre el que sin duda es uno de los trabajos más conocidos y reconocidos de David Lynch, la intención del creador de "Twin Peaks" no fue tanto revolucionar la televisión como reflexionar sobre el lenguaje televisivo de su tiempo y, de paso, alertar sobre la crisis que estaba atravesando la ficción concebida para la pequeña pantalla.
El primero de estos tres ensayos, «La mano izquierda de David Lynch», analiza la serie a partir de sus ingredientes más esotéricos y de sus múltiples referencias fílmicas y literarias. El segundo ensayo, el más breve de los tres, se adentra en uno de los espacios más emblemáticos de la televisión: la Logia Negra. El tercer ensayo, «La sustancia de este mundo», aborda de forma exhaustiva y brillante la tercera temporada, estrenada en 2017, aportando nuevas claves de interpretación y de análisis. Además, la presente edición incorpora a modo de epílogo un cuarto ensayo en el que Pacôme Thiellement repasa el cine de David Lynch después de Twin Peaks, y en el que se constata, una vez más, que todo cambió después de la muerte de Laura Palmer.

Ofilwe y Fikile tienen la misma edad y viven en el mismo país. Aparentemente, comparten también una misma cultura. Pero en la Sudáfrica de principios de los noventa las diferencias son todavía abismales incluso entre diferentes comunidades dentro de la población negra. Ofilwe ha llevado una vida sin complicaciones, diríase que privilegiada: su familia ha prosperado, ha recibido una buena educación y ha crecido rodeada de comodidades. En el argot sudafricano, ella es una coconut: negra por fuera y blanca por dentro, como la nuez de coco. Y eso implica una diferencia cultural insalvable con respecto a las chicas como Fikile, que viven en los márgenes de las grandes ciudades, en chabolas, y que sufren toda clase de desigualdades derivadas de la antigua discriminación racial, pero que crecen dentro de una comunidad fuerte y unida que las apoya y las protege.
Ofilwe y Fikile aspiran a objetivos prácticamente opuestos: la primera, que ha sido educada en la cultura blanca, no sabe cómo conectar con otras personas de su misma raza; Fikile, por su parte, lucha por escapar del gueto y emprender el camino vital que la convierta, en la medida de lo posible, en una coconut.
En su primera novela, la joven escritora Kopano Matlwa abordó uno de los conflictos culturales más profundos de su país: el largo camino hacia la normalidad de la primera generación born free en Sudáfrica, aquella que creció en libertad tras el final del apartheid. Un camino difícil y que, en muchos momentos, resultó ser una gran mentira social, como reflejan las historias de estas dos protagonistas: aunque crecen en una sociedad en la que poco a poco se van borrando las diferencias entre negros y blancos, ambas sufren las consecuencias del pasado y se ven incapaces de librarse de los estereotipos raciales y sociales que todavía atenazan a una población que lucha por sanar sus heridas.

En una aldea arrasada por la peste, Agnès sobrevive de forma sobrenatural a una plaga que ha terminado con todo rastro de vida. Mientras los cadáveres se amontonan a su alrededor y el miedo y la desesperación aumentan, es ella la encargada de que todo siga funcionando con aparente normalidad. Un día, y tras dejar el cadáver de su hermana en la fosa común, se encuentra con Giles, quien está a punto de compartir con Agnès la desesperanza y el dolor que el duelo deja a su paso. Juntos consiguen desafiar a la muerte con amor y, en mitad de esas pequeñas brechas de esperanza que crean en la intimidad, comparten sus miedos sobre lo que parece ser el fin del mundo.
Tras su magnífico debut en Fantagraphics con Black is the Color (2013), Julia Gfrörer inaugura la colección de Alpha Cómic y vuelve a demostrar en Devastación que es una de las autoras más originales y prometedoras del panorama actual.

Este ensayo funciona como mínimo en tres niveles, y es esta variedad de capas y significados lo que le confiere excepcionalidad y lo convierte en uno de los textos musicales más apasionantes y valiosos de los últimos años. En la superficie, se trata de una reflexión acerca de uno de los grupos más influyentes del hip hop, A Tribe Called Quest, una formación liderada por Q-Tip, Phife Dawg y Ali Shaheed Muhammad que encabezó el movimiento Native Tongues en la década de los noventa. A Tribe Called Quest buscó puntos de conexión entre el rap y la gran tradición del jazz y otras corrientes de la historia negra americana, y se convirtió en el grupo de culto por excelencia de su tiempo, una exquisitez que, aunque no conquistó el éxito masivo, sí se ganó el respeto eterno de miles de fans. Pero más allá de la biografía y del análisis crítico de los discos de A Tribe Called Quest, este libro deviene algo muy superior: es una carta de amor a la música y a la importancia de dar con referentes que determinen el curso de una vida y una carrera. Hanif Abdurraqib no solo habla de su grupo favorito: habla de sí mismo, de lo que es ser afroamericano en Estados Unidos en la actualidad, de lo que significa ser fan y vivir la afición con intensidad y sin concesiones.
Y más allá todavía, Go Ahead in the Rain analiza el peso histórico que ha tenido a lo largo de más de un siglo la música negra en el desarrollo de la cultura popular americana. El libro se remonta hasta la esclavitud, al nacimiento del jazz y el blues, para explicar cómo la evolución de esta música ha estado conectada durante décadas con la lucha política y la reclamación ?todavía hoy candente y de plena actualidad? de que todas las vidas importan en un país que, por momentos, ha parecido darle la espalda de manera descarada a la población y la tradición afroamericana.
Así, en este libro, A Tribe Called Quest es una feliz excusa para hablar, con una exquisita prosa lírica, de la historia de un movimiento y de una música que contribuyen a explicarnos el mundo en que vivimos.

Poco antes de fallecer en enero de 2018, Ursula K. Le Guin mantuvo una serie de conversaciones con su amigo David Naimon sobre el acto más profundo e íntimo que puede llevar a cabo una mente creativa: el de escribir. Es a través del ejercicio de la escritura, que se alimenta del poder de la imaginación, como transmitimos las mejores historias. Naimon y Le Guin planeaban reunir sus charlas en un libro que funcionara como un diálogo amistoso sobre el placer de imaginar y la vocación de escribir, dirigido a todo aquel que quisiera indagar en el misterio de la creación. Para Ursula fue su última obra ?aunque no pudo revisarlo por completo, sí llegó a supervisar una buena parte del texto?, y para David Naimon el cumplimiento de un sueño: había accedido a la sabiduría de la mejor escritora americana de ciencia ficción y fantasía del siglo XX, y con este libro la podía compartir con el resto del mundo.
Estas conversaciones sobre la escritura están divididas en tres bloques temáticos: el primero sobre la narrativa o la ficción (el oficio de escribir, la estética del texto, la filosofía que se filtra en la ficción de obras mayores como La mano izquierda de la oscuridad o las novelas del ciclo de Terramar), el segundo sobre la poesía y el componente lírico de la prosa de Le Guin y, finalmente, sobre su acercamiento productivo y caudaloso al género del ensayo y la crítica literaria. Cada forma de escribir tiene su método, su oficio y su misterio, y de manera tan amena como cándida la autora comparte su visión sobre ese fuego invisible que mantiene la imaginación siempre activa. Además, el libro se convierte en un breviario de observaciones lúcidas sobre temas tan diversos como las guerras culturales, el papel de la mujer en la literatura, la presencia de la naturaleza en las historias de Le Guin, y una sólida defensa del género fantástico. Todo ello hace que este testamento del pensamiento de Le Guin funcione también como un valioso manual de inspiración y motivación para una vida atenta y creativa.

-- Traducción de Albert Fuentes.

Mickey Mouse, Hello Kitty y Pikachu tienen algo en común: encajan plenamente en el patrón estético de lo que en inglés llaman «cute» y que en español identificamos con las cosas monas, adorables, achuchables... en definitiva, con lo Cuqui. Son figuras, muñecos, personajes u objetos que despiertan nuestra ternura, nuestra capacidad de empatizar y proyectar amor por su combinación de colores, sus formas redondas y suaves, o su tamaño pequeño y manejable. Lo Cuqui está por todas partes, nos despierta emociones y adhesiones, nos anima a comprar y a coleccionar; nos tatuamos, decoramos nuestra casa, forramos nuestras carpetas y tapizamos nuestros coches con motivos cuquis. Es indiscutible, pues, que lo Cuqui tiene poder. Pero ¿en qué consiste ese poder?
En este ensayo, el filósofo británico Simon May profundiza en el asunto y consigue llegar a conclusiones. En la línea de pensadores contemporáneos que se manejan en un terreno a medio camino entre la estética, la cultura pop y la política -como Mark Fisher o Pacôme Thiellement-, May parte de la idea de que lo Cuqui no es solamente un capricho estético o una moda del momento, sino uno de los factores que explican nuestra época: una expresión de los miedos y las inquietudes que nos provoca la transformación constante -política, económica, tecnológica- del mundo en que vivimos. Nos refugiamos en las cosas cuquis porque la realidad es fea, y lo Cuqui es un antídoto y una forma de control cuando la incerteza y el malestar se abren paso en nuestras vidas. Ese es, a grandes rasgos, el poder de lo Cuqui: mostrarnos con detalle el tipo de sociedad en que vivimos, protegiéndonos de paso contra sus efectos desasosegantes.