Que Europa quedara destrozada durante medio siglo por las dos grandes guerras no fue razón suficiente para que la música continuara alcanzando un formidable desarrollo. Alemania, una de las protagonistas esenciales de la contienda, prosiguió su glorioso camino iniciado con Bach y transitado luego por Mozart, Haydn, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Bruckner, Wagner... para desembocar, en pleno hitlerismo, en una nueva explosión creativa que rompió con una tradición que ya se había tensionado hasta el límite en las últimas creaciones de la etapa romántica: la armonía tradicional.
Las dos figuras clave en esa dialéctica entre pasado y futuro, Richard Strauss y Arnold Schönberg, hijos no deseados pero muy queridos de Wagner, constituyen la base de este libro, que sin embargo no olvida que los nazis llegaron a otros países. A Francia y Hungría, por ejemplo, donde oficiaron Messiaen y Bartók, respectivamente. Figuras de culto, como la de Hans Pfitzner, o el gran listado que Hitler construyó con lo que sus servidores definieron como «músicos degenerados», forman parte de sus páginas, que también recalan en una parte de los intérpretes de primera línea que protagonizaron la vida musical en el área alemana durante el periodo nazi: los directores de orquesta que vivieron en sus propias carnes la debacle nacionalsocialista. De alguna manera, es un libro que complementa a Los músicos de Stalin, la anterior publicación del autor. La suma de ambos revela una buena parte de la grandeza musical del siglo XX.
«Desde que Pedro González Mira abandonó el trabajo de crítico desde su revista del alma, la centenaria Ritmo, se ha dedicado a regalarnos libros que resumen todas sus experiencias musicales. En este, una vez más se recogen textos que él califica de divulgativos pero que van mucho más allá, porque no solo atesoran una gran cantidad de información; resultan
entretenidos; se leen con placer». Rosa Torres-Pardo, pianista y Premio Nacional de Música.

La moda española ha logrado consolidarse en el competitivo panorama internacional, siendo el «made in Spain» sinónimo de tendencia. Es común que los referentes de estilo internacionales apuesten por prendas diseñadas y fabricadas en nuestro país. Pero, ¿cómo se crea una empresa de moda? ¿Cómo se logra la centralización en la logística? ¿Cómo se consigue el uso de materiales artesanos y el control de la distribución con excelencia en el trato al consumidor?
En este libro, el autor, quien ha ejercido diversas disciplinas en la moda como booker, estilista, director de arte de desfiles, consultor y docente, nos muestra de manera didáctica los caminos para crear una empresa de moda de forma orgánica, controlada, práctica y sensorial. A través de su experiencia y consejos como asesor de medianos empresarios de moda y su amor por esta compleja y apasionante profesión, nos ofrece una guía para hacer realidad nuestros sueños.
Con un rico aparato de imágenes que ilustran estilos, tejidos, accesorios y complementos, Pedro González nos muestra cómo conciliar el alma racional con el espíritu emocional de una empresa de moda. Este modelo de gestión original y práctico ofrece respuestas para triunfar en un sector en constante evolución.

Este libro se ocupa de la música escrita por los compositores rusos más significativos del área rusa desde los últimos años del zarismo hasta la compuesta después de la caída de la Unión Soviética, haciendo especial hincapié en los maestros que, de una manera u otra, desde dentro y desde fuera, trabajaron durante
los años de
la dictadura de Stalin. Un repaso desde Glinka a Chaikovski; desde Rimski-Kórsakov a
Músorgski; desde
Rajmáninov a Stravinski, Prokófiev, Shostakóvich y sus herederos. Defiende la tesis de que los que trabajaron en los años de acero fueron el resultado de un poliédrico proceso que arranca con un coloreado y potente movimiento nacionalista hasta alcanzar una vanguardia que solo a veces es capaz de expresarse con autonomía, debido a la permanente mediatización de su asfixiante dependencia política. Indirectamente, pues, habla de las relaciones entre el espíritu de lo ruso y su inagotable y magnífica inventiva.
El autor pone su empeño en clarificar ese escenario, tratando de separar la paja, que es mucha, de un trigo que pudo crecer gracias al enorme talento de unos cuantos compositores que desarrollan su arte inmersos en la inmensa mediocridad oficialista. E igualmente expone los datos necesarios para encontrar explicaciones a la posterior deriva que conduce a la sequía musical producida en la Federación Rusa
desde el momento mismo de la caída del imperio soviético. El punto sin retorno de esta funesta evolución es un estado actual de la sociopolítica
en el que es difícil detenerse, pero que queda encarnado en una cruenta y letal mezcla entre (in) cultura, violencia, irracionalidad religiosa e impenitente imperialismo.
Como ya sucediera en sus libros anteriores para Almuzara, en este vuelve a hacer un repaso exhaustivo de los contenidos, bajo una perspectiva dominada por la sencillez y un esforzado intento de descender hasta el alma de la música. Un alma que, en este caso, tiene que ser arrancada a los pentagramas bajo el signo de la autodestrucción, ese rasgo tan grandioso, y a la vez doloroso, de la gran creación rusa.
«Pedro González Mira domina en sus libros el arte, casi imposible, de escribir sobre música, porque sabe expresarse con claridad, sin enredarse en zarandajas técnicas ni perderse en vaguedades o jergas indescifrables. Comparte sus ideas muy personales, que son muchas, y sabe ponerlas al alcance de todos». Luis Gago, crítico musical de El País.

Un viaje, en fin, por la historia de la música para piano, desde las primeras espinetas a los teclados más complejos, desde Bach hasta la penúltima modernidad, plagado de arte y pasión y escrito por uno de los críticos musicales de referencia.
Estas páginas son un regalo para aquellos que se interesen por la música para piano y sus autores. Un regalo repleto de emociones musicales que repasa las creaciones más importantes y emblemáticas del género. Más allá de la historia del propio instrumento, con certeza el que más y mejor música nos ha legado, el autor nos guía a través del «pianismo» de Mozart y de
románticos como Chopin, Liszt o Brahms, con Beethoven y Schubert como eje central, pero sin dejar de mirar hacia los necesarios orígenes: Cabezón, Frescobaldi, los Couperin, Domenico Scarlatti y, naturalmente, Bach. No solo como antecesores de derecho sino como portadores de verdades musicales transmisibles al teclado moderno desde sus viejas consolas instaladas en los grandes órganos y los más domésticos clavicémbalos.
Páginas que miran hacia la modernidad de Debussy, Albéniz o Ravel, sin olvidar al «mestizo» Gershwin o al padre de la música actual norteamericana, Charles Ives, analizando su procedencia y sus fundamentos, amén de la inasible belleza de sus composiciones. A través de estas, conoceremos las distintas maneras de afrontar la creación y la personalidad de cada compositor para comprender su realidad más intangible y su propio e indeleble sello personal, algo que, sin duda, supone mucho más que una determinada manera de combinar las notas.
«El autor, fundamentado en su larga experiencia de aficionado y de estudioso, va llevando al lector por un camino bien delimitado, orientándolo, conduciéndolo suavemente.» ARTURO REVERTER, crítico musical «Pedro González Mira tiene una pluma rigurosa, veterana, melómana y amena de la musicografía española (...), es un humanista en el más hermoso y legítimo sentido de la palabra.» JUSTO ROMERO, crítico musical

¿Se imaginan a Dios (Adonay) y al Diablo (Belial) pasando un fin de semana, como dos turistas más, en Santiago de Compostela? ¿Cuál sería hoy su relación? ¿Cómo se comportarían? ¿De qué hablarían? ¿A qué dedicarían su tiempo? ¿Tendrían una confrontación agria y encendida? ¿O actuarían como dos allegados compañeros de fatigas, que ven transcurrir, como un longevo matrimonio, su paralela existencia?
Asistimos a un desenfadado duelo dialéctico que desgrana tanto sus experiencias personales, como su compleja interrelación con el hombre. Convertido, desde el primer instante, en el centro del debate. Una disputa narrada con rigor, al tiempo que con desparpajo. La tragicomedia finaliza con un imprevisto final que no defrauda.

«Una ópera es una historia en la que una soprano y un tenor luchan para acostarse y un barítono se lo impide» (Bernard Shaw). Éstas, como otras muchas ocurrencias más o menos apócrifas, salpican al mundo de la ópera. Pero, claro está, todo es más complejo.
Una sinfonía nos puede explicar muchas cosas al llegar a nuestros oídos; pero sólo musicalmente, porque es sonido. Una ópera también podrá exponérnoslas, pero con mucha más elocuencia, porque, como esa sinfonía, lo hará musicalmente apuntando directamente a la parte más ávida de sentimientos de nuestro corazón, pero también usando la palabra, que es un código con el que lidiamos a diario para comunicarnos, explicarnos, relacionarnos. Para vivir. La ópera es un tratado sobre la vida del ser humano... Pero no sólo eso. Es también un espectáculo. Wagner quiso patentarla como la «obra de arte total», pero llegó tarde; ya lo era cuando él dijo que se la iba a inventar. Desde que Monteverdi se ocupó de poner a cantar a Orfeo a principios del siglo XVII ya lo fue. Y lo sigue siendo hoy, aunque todavía millones de seres humanos no hayan tenido la oportunidad de comprobarlo.
Y eso es lo que ha movido al autor de este libro a añadir un punto de vista más a esa historia inacabable e inagotable que es la del género musical total, la ópera. Lo plantea en tres partes, que aspiran a que no se le quede en el tintero nada que deban saber todos aquellos que sientan interés por iniciarse en ese mundo o para los aficionados a la música clásica que quieran profundizar en el asunto. La primera narra los inicios y su cenit; es el relato de su propia historia. La segunda pone en valor los elementos que la conforman: la palabra, la música, el canto… Y la tercera es una especie de parque temático en el que van apareciendo los títulos indispensables y las historias que en ellos se relatan, con sus entresijos y porqués. Hay, luego, un epílogo necesario que plantea la conveniencia o inconveniencia de aceptar si la defensa del arte operístico en nuestros días tiene o no fundamento. Por último, el autor nos introduce en el mundo discográfico de la ópera, regalando al lector un listado de
interpretaciones fonográficas de 130 óperas cuyo conocimiento y disfrute puede ser objeto de la observación en toda una vida.

A mí, como a ustedes, supongo, no se me ha aparecido Dios Padre, ni su hijo Jesucristo. No hemos disfrutado de la gracia de ver su rostro que el Antiguo Testamento reconoce a Moisés, Abraham, Jacob, Isaías y Ezequiel; ni tampoco vivimos, en su día, en las tierras de Israel. No sabemos pues cómo eran sus rasgos físicos. Y si el desconocimiento nos ahoga cuando mencionamos las facciones, qué vamos a decir si tratamos de averiguar cómo eran sus manos y, en particular, sus dedos. Así que habremos de acudir, para aprehender su fisonomía, bien al mundo mágico de las inefables leyendas y fábulas, bien a una enriquecedora recreación, gracias a la mano del hombre, a través de las representaciones que durante dos mil años nos ha procurado el arte cristiano. La presente obra es un excursus por la pintura religiosa, que nos abre las puertas al disfrute estético y al poder visual de las imágenes. El arte sacro se exterioriza así como una forma sin igual de acercarnos, más allá de la fe, al misterio de Dios. La estética transformada en una abnegada colaboradora de la teología. Decía Baudelaire, que 'no hay en la Tierra nada más interesante que la religión'. Y, añadimos nosotros, ni mejor manera de aproximarse a ella que al hilo del arte. De un arte asentado en la humana reinterpretación iconográfica y simbólica de las manos y los dedos de Dios.

Mozart padecía el síndrome de Tourette, por lo que solía expresarse en términos escatológicos compulsivamente; las primeras notas de la Quinta de Beethoven equivalen, en morse, a tres puntos y una raya, que significa «V» de victoria, por lo que fueron utilizadas como código durante la gran guerra europea; Rossini era capaz de leer una partitura de derecha a izquierda y de abajo a arriba; Wagner embaucó a Luis II para que le construyera un teatro en Bayreuth, adonde debía llegar desde Inglaterra un inmenso dragón de cartón-piedra para el estreno de Sigfrido... Pero arribó ¡en Beirut!... Hay anécdotas como éstas por decenas, pero ninguna pasa de eso, del puro cotilleo.
Este libro aspira a dar otro tipo de
respuestas a los claroscuros de algunos grandes compositores, y a
hacer
comprensibles muchas de las cuestiones que rodean a la música llamada clásica. ¿Es conveniente tener alguna noción previa para comprender el contenido de una melodía? ¿Es éste un arte ideado por las elites para consumo de minorías? ¿Monteverdi, Bach o Schoenberg son hoy como marcianos en un planeta ávido de inmediatez y ajeno a discursos de auténtica penetración intelectual? Pero, ¿acaso los compositores no tuvieron que padecer algo semejante en su tiempo, aun por otras razones?
¿Se ha convertido la música clásica en una industria cultural sin fundamento? ¿Comprensión y disfrute son conceptos incompatibles cuando se escucha música culta? ¿A qué autores hay que escuchar? ¿Todos son igual de recomendables? ¿Hay ´tops´ como en el mundo del rock?
Son éstas preguntas, todas ellas y otras más, que encierran diversos e interesantes compromisos. Pero hay respuestas, siempre. Este libro, escrito por un reputado experto en la materia, pretende arrojar luz, de forma tan rigurosa como divulgativa, sobre esa gran desconocida que es
la música clásica, pero fundamentalmente sobre los secretos de su escucha.

Mozart padecía el síndrome de Tourette, por lo que solía expresarse en términos escatológicos compulsivamente; las primeras notas de la Quinta de Beethoven equivalen, en morse, a tres puntos y una raya, que significa «V» de victoria, por lo que fueron utilizadas como código durante la gran guerra europea; Rossini era capaz de leer una partitura de derecha a izquierda y de abajo a arriba; Wagner embaucó a Luis II para que le construyera un teatro en Bayreuth, adonde debía llegar desde Inglaterra un inmenso dragón de cartón-piedra para el estreno de Sigfrido... Pero arribó ¡en Beirut!... Hay anécdotas como éstas por decenas, pero ninguna pasa de eso, del puro cotilleo.
Este libro aspira a dar otro tipo de
respuestas a los claroscuros de algunos grandes compositores, y a
hacer
comprensibles muchas de las cuestiones que rodean a la música llamada clásica. ¿Es conveniente tener alguna noción previa para comprender el contenido de una melodía? ¿Es éste un arte ideado por las elites para consumo de minorías? ¿Monteverdi, Bach o Schoenberg son hoy como marcianos en un planeta ávido de inmediatez y ajeno a discursos de auténtica penetración intelectual? Pero, ¿acaso los compositores no tuvieron que padecer algo semejante en su tiempo, aun por otras razones?
¿Se ha convertido la música clásica en una industria cultural sin fundamento? ¿Comprensión y disfrute son conceptos incompatibles cuando se escucha música culta? ¿A qué autores hay que escuchar? ¿Todos son igual de recomendables? ¿Hay ´tops´ como en el mundo del rock?
Son éstas preguntas, todas ellas y otras más, que encierran diversos e interesantes compromisos. Pero hay respuestas, siempre. Este libro, escrito por un reputado experto en la materia, pretende arrojar luz, de forma tan rigurosa como divulgativa, sobre esa gran desconocida que es
la música clásica, pero fundamentalmente sobre los secretos de su escucha.
¿Sabía qué sucedió en el estreno de La traviata o que Bach murió ciego y que Stravinski sufría de hipocondría severa?... Este libro gira en torno a prodigiosos creadores y a algunas de sus obras indispensables, echando una ojeada a la trastienda de sus muchos acordes y desacuerdos.

Este libro de aforismos explicita un divertimento lejos de dogmatismos, imposiciones y certezas. Aquí no caben verdades absolutas. Hay en él mucho del látigo de la provocación y hasta de frívola herejía. Y dos acompañantes que no terminan de despedirse:el sentido de la vida y la razón de la muerte.