En términos de relato, el fragmento no es el estallido de la totalidad, ni sus restos. La apariencia de desorden o falta de estructura asociada al fragmento es mero espejismo, sólo defendible desde una perspectiva muy restrictiva y superficial de la unidad de la obra. A su vez, eso que habitualmente llamamos totalidad (de la obra artística, por ejemplo), completud del relato, incluso sentido, no es sino un efecto de sentido que apela a un supuesto referente extradiscursivo (puramente imaginario, aunque no por ello menos poderoso) de cuya organicidad participaría. Fragmento y totalidad pertenecen, ambos, al ámbito del discurso y la representación (con sus ramificaciones éticas y políticas) y denominan, no estados objetivos del mundo, sino propuestas y horizontes de acción, expectativas y afectos, despliegues de significación. Basándose en una amplia selección de ejemplos que van del cine a la pintura o la fotografía, pasando por la arquitectura, la filosofía o la música, este libro muestra cómo el fragmento se arraiga en lo real y el deseo al mismo tiempo que da la espalda a las formas dogmáticas de realismo.
PILAR CARRERA es profesora de Comunicación en la Universidad Carlos III de Madrid. Ha sido visiting researcher en la London Schools of Economics y las universidades de Yale y Harvard. Entre sus libros cabe citar Las moradas de Walter Benjamin, El relato documental. Efectos de sentido y modos de recepción o Basado en hechos reales. Mitologías mediáticas e imaginario digital, así como sendas monografías sobre los cineastas Andrei Tarkovski, Aki Kaurismäki y Michael Cimino.

Este libro analiza lo que la autora define como " sociedad sin espectáculo " . Bajo esta denominación se abordan cuestiones como la emergencia del " fake " , las estratagemas de la posverdad o las relaciones entre discurso y acción. Un aspecto fundamental es el de las funciones discursivas (y políticas) de la expresión «basado en hechos reales» y fórmulas afines, a través de las cuales la retórica documental se inscribe en la ficción para crear un simulacro de transparencia. Se abordan también las relaciones entre fotografía y política o los discursos dominantes sobre Europa o la maternidad. El objetivo es poner en escena, desde distintos ángulos, la lógica sobre la que se forja el imaginario digital y sus implicaciones para el individuo-ciudadano y el funcionamiento de la democracia.

Michael Cimino es un cineasta de genio, uno de los más brillantes y radicales directores de la historia del cine. También uno de los más incomprendidos y vilipendiados por la crítica institucional. Su mundo es delicado y duro al mismo tiempo, inocente y bárbaro, tierno y brutal, y de ese desequilibrio no desiste. Basta con ver a sus personajes y la puesta en escena para percatarse del omnipresente  " tour de force "
que atraviesa su filmografía: lo que Bataille denominaba
" violencia " .  El polvo que fulgura y nubla la vista (la visión del espectador) en sus películas es una de las formas de la materia más queridas por el director, y el fracaso, más que un avatar biográfico, es el principio formal que mantiene su cine siempre en tensión y lo que hará que perdure.

Walter Benjamin es, como su escritura, una figura escurridiza. Seductor y envolvente, ganando en opacidad a medida que, aparentemente, se exhibe y se desvela, más distante e inaccesible cuanto más cercano parece, lo que nos hace volver sobre sus escritos no es ni el contenido ni la forma, tomados en su clásica acepción dual, sino algo muy diferente, que quizás podría definirse como la intuición de una “escritura conmocionada”, que ha visto y ha vuelto y que promete al lector iluminaciones profanas. Este ensayo es una reflexión sobre la escritura de Walter Benjamin a través de las imágenes que la pueblan, especialmente la del paseante (flâneur) y la de la ciudad.

Los diferentes puntos de vista desde los que se estudia la comunicación configuran un complejo y a veces contradictorio caleidoscopio intelectual que recorre los siglos XX y XXI y que la autora hace converger en un concepto unitario de teoría, donde se acogen y articulan los múltiples discursos sobre la comunicación mediática y los mass media. Es también la historia de una disciplina. La Teoría de la comunicación, que se ha convertido en referencia fundamental, desde los inicios del siglo pasado, tanto en el terreno estrictamente académico como en lo que atañe a los aspectos políticos e ideológicos de un mundo globalizado que durante un tiempo se conoció con "Sociedad de la información".

Este volumen pertenece a un género poco habitual. No por el carácter multidisciplinar y por los conocimientos y temas diversos que se recogen en sus páginas, sino por el punto de vista en que se sitúa para abordar cúmulo de objetos culturales y prácticas artísticas irreductibles a unidad. Lo que sorprende es la coherencia con que construye un hilo conductor que muestra cómo, sea cual fuere el material sobre el que se apoya la mirada analítica, siempre se reflexiona sobre los mismos temas. Más que la multiplicidad de paisajes (literarios, pictóricos, sonoros, audiovisuales) lo que interesa a la autora es la persistencia de una mirada que está más centrada en abordar grandes cuestiones epistemológicas que en perderse en los territorios de una mal entendida especificidad objetual.

De Aki Kaurismäki (1957), cineasta finlandés de prolija filmografía, puede decirse, sin exagerar, que es una rara avis en los dominios cinematográficos. Meciéndose dulcemente entre el estilizado realismo y el crudo surrealismo, sus películas son ejemplos de precisión, de economía narrativa y de un envidiable don para contar historias con las imágenes, los gestos y las palabras justas. Sus personajes, tiernos y al mismo tiempo pudorosamente inexpresivos, oscilan entre las figuras del melodrama y algún álter ego de Buster Keaton o de los Hermanos Marx.
Este libro quiere ser tanto una semblanza y una tentativa de interpretación de este autor esquivo, como un recorrido por su producción, que abarca tanto la ficción como el documental o los vídeos musicales y que se prolonga desde aquel documental dirigido a medias con su hermano, «Saimaa-ilmiö» («El gesto de Saimaa», 1981), hasta su última película por el momento, «Le Havre» («El Havre», 2011) Kaurismäki ha sembrado con sus historias los ochenta, los noventa y la década del cambio de siglo, y ha conseguido alcanzar el gesto al que muchos han aspirado en vano: instalar, con una casi milagrosa autenticidad, el desasosegado material postmoderno en los serenos aposentos de la forma clásica. En suma, estamos ante uno de los grandes.