Desde El libro de Kells hasta el Decamerón de Boccaccio, pasando por El Génesis de Viena o La Divina Comedia de Dante, abrir Codices illustres es como abrir la puerta a un mundo privado muy valioso. Disponible en un nuevo formato, este libro radiante acerca al lector a 167 de los manuscritos más bellos e importantes de la Edad Media.

Estos paradigmas de las miniaturas y las iluminaciones de los siglos IV al XVII, presentadas con magníficas reproducciones en gran formato, pertenecieron a algunos de los personajes más ilustres de la historia. Considerados auténticos tesoros de la historia del arte, valen su peso en oro y suelen guardarse a buen recaudo en colecciones privadas o archivos custodiados con grandes medidas de seguridad. Hasta hoy.

Aunque la colección se centra en los manuscritos europeos, también se han seleccionado ejemplares mexicanos, persas e indios que muestran el refinamiento y la complejidad de la ilustración de culturas ajenas a la europea. Una sinopsis detallada de cada manuscrito orienta el lector, mientras que un apéndice de 36 páginas reúne las biografías de los artistas, así como una extensa bibliografía, un índice y un glosario de términos técnicos.

En su rebelión contra el racionalismo, el romanticismo se caracterizaba por el regreso a la naturaleza y la creencia en la bondad de la humanidad, considerando al artista como un creador profundamente individual. Desde principios del siglo XIX, los ideales románticos se desarrollaron en gran parte como oposición a las tradiciones de la antigüedad grecorromana, y defendieron una visión abierta y progresista, es decir, moderna, de la época.

Sin embargo, los artistas románticos, que tal vez buscaban ideales inalcanzables, también se fijaron en los periodos tardomedieval y renacentista en busca de temas nostálgicos de la herencia judeocristiana. Creyeron que, con la ayuda de estos, se podía alcanzar una utopía ilustrada política e intelectualmente. Los estilos y temas románticos se expresaron de formas muy dispar en distintos lugares de Europa y América, desde escenas tranquilas y contemplativas hasta espectaculares composiciones. Esta diversidad es precisamente lo que fascina del arte romántico y hace que su influencia perviva.

Esta completa introducción al romanticismo incluye un ensayo que analiza las manifestaciones del movimiento en distintas partes del mundo, así como cuidadosas reproducciones de pinturas y un análisis detallado de 31 obras trascendentales.

Los ángulos agudos, las formas extrañas, los colores llamativos y las perspectivas distorsionadas son los elementos definidores clásicos del expresionismo, el movimiento del siglo XX que priorizó la emoción frente a la realidad objetiva. Pese a tener una presencia más destacada en Alemania y Austria, el movimiento floreció en todo el mundo y hoy se considera uno de los periodos artísticos más influyentes en la historia del arte.

Con Die Brücke (El puente) y Der Blaue Reiter (El caballero azul) como grupos destacados y figuras clave como Wassily Kandinsky, Egon Schiele y Emil Nolde, los expresionistas desdeñaron el impresionismo, al cual acusaron de haber «reducido al hombre a la posición de grabador del mundo exterior», y optaron por retratar, en su lugar, la experiencia pura y visceral de la vida plasmando las emociones que generaba y no lo que se veía en la superficie. Sus pinturas rebosan fuerza emotiva, que transmiten, en concreto, a través de paletas de colores intensos y no naturalistas, pinceladas vagas y texturas densas.

Este libro introductorio, cuyo foco de atención son las tendencias estilísticas del grupo, sus influencias y sus figuras más destacadas, explora el abanico de sensaciones, ideas y emociones de los expresionistas y su búsqueda constante de una autenticidad profunda.

Sobre la serie

Cada libro de la Serie Basic Art History de TASCHEN incluye:

una introducción detallada;

una selección de las obras más importantes de la época; cada una es presentada a doble página con una imagen a toda página, una interpretación de la obra correspondiente, un retrato y una breve biografía del artista;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Enigmático y ambiguo, escenario y protagonista al mismo tiempo, el paisaje ha dado lugar a uno de los principales géneros pictóricos de los últimos siglos. Esta antología temática cubre el periodo que va desde finales de la Edad Media hasta nuestro tiempo para mostrar la evolución del paisajismo a través de sus obras más relevantes, pintadas por artistas tan revolucionarios y diversos como Tiziano o Warhol.

Estéticamente, los paisajes representan la topografía natural tanto como a nosotros mismos. Reflejan la diversidad del territorio, pero también muestran el desarrollo de la estética de la representación, la evolución histórica de la religión y la política, de las concepciones de lo sublime y lo romántico, así como la llegada de la modernidad y los enormes cambios que la industrialización y la urbanización provocaron en el entorno.

Este lúcido volumen comienza con un ensayo introductorio que ofrece una panorámica del género y sus principales características. Cada una de las 34 pinturas seleccionadas se reproduce con gran definición en una exquisita doble página. Las imágenes se acompañan con un extenso análisis artístico e histórico de maestros del paisajismo como El Bosco, Pieter Bruegel, El Greco, John Constable, Claude Monet y David Hockney.

Enigmático y ambiguo, escenario y protagonista al mismo tiempo, el paisaje ha dado lugar a uno de los principales géneros pictóricos de los últimos siglos. Esta antología temática cubre el periodo que va desde finales de la Edad Media hasta nuestro tiempo para mostrar la evolución del paisajismo a través de sus obras más relevantes, pintadas por artistas tan revolucionarios y diversos como Tiziano o Warhol.

Estéticamente, los paisajes representan la topografía natural tanto como a nosotros mismos. Reflejan la diversidad del territorio, pero también muestran el desarrollo de la estética de la representación, la evolución histórica de la religión y la política, de las concepciones de lo sublime y lo romántico, así como la llegada de la modernidad y los enormes cambios que la industrialización y la urbanización provocaron en el entorno.

Este lúcido volumen comienza con un ensayo introductorio que ofrece una panorámica del género y sus principales características. Cada una de las 34 pinturas seleccionadas se reproduce con gran definición en una exquisita doble página. Las imágenes se acompañan con un extenso análisis artístico e histórico de maestros del paisajismo como El Bosco, Pieter Bruegel, El Greco, John Constable, Claude Monet y David Hockney.

Religión, Renacimiento y Reforma. Este fue el trío ideológico que dio forma al mundo del retratista del siglo XVI Hans Holbein, el Joven (1497/1498-1543), una figura clave del Renacimiento nórdico. Su talento le llevó a Suiza, Bélgica, Italia e Inglaterra y le granjeó mecenas y modelos tan importantes como Enrique VIII, Tomás Moro, Ana de Cléveris y el abanderado de la Reforma Thomas Cromwell.

Aunque empezó con un repertorio de obras religiosas, que mantuvo, Holbein se considera ante todo uno de los retratistas más notables de la historia del arte occidental. Su mirada minuciosa se alió con su dominio como dibujante y con una capacidad casi sobrenatural para captar los detalles, desde las texturas de los suntuosos ropajes de la época hasta los elementos ornamentales de las estancias en las que posaban sus modelos. Combinaba su mimetismo meticuloso con una acertada amalgama de rasgos pictóricos regionales. Consiguió efectos asombrosos uniendo el realismo del estilo flamenco con la composición de la baja Edad Media alemana y la grandeza formal italiana.

Durante su estancia en Inglaterra, Holbein, que se convirtió en pintor oficial de la corte de Enrique VIII, realizó obras de propaganda reformista y retratos de la realeza con vistas a afianzar el estatus de Enrique como monarca y nuevo jefe supremo de la Iglesia de Inglaterra tras la Reforma inglesa. Su retrato de Enrique VIII de 1537 no sólo se considera un hito del arte del retrato, sino también un documento simbólico del monarca reformista y de la dinastía de los Tudor. Durante este periodo turbulento, Holbein también creó tallas de madera anticlericales, y dibujó y pintó mercaderes luteranos, embajadores itinerantes y las sucesivas esposas de Enrique VIII.

Este libro de la serie Basic Art analiza algunas de las obras más destacadas de la carrera ilustre e internacional de Holbein. Por el camino se descubre una época tan rica en innovación artística como en intrigas palaciegas y profundos cambios religiosos, y a un artista que, como los modelos que inmortalizó, dejó una huella indeleble en la historia.

Alberto Durero (1471-1528), polímata del Renacimiento alemán, fue un prolífico artista, teórico y escritor cuyas obras lo exploraron todo, desde la religión hasta la teoría del arte, incluyendo la filosofía. Su ingente producción artística comprende retablos, retratos, autorretratos, acuarelas y libros. Sin embargo, es famoso fundamentalmente por su increíble colección de grabados en madera que otorgaron categoría de nueva forma de arte a lo que se consideraba como una práctica artesana.

Los grabados en madera de Durero maravillaron tanto por sus dimensiones como por su detalle. Con trabajos como Apocalipsis y el Arco de Triunfo para el emperador Maximiliano I, creó obras de mayor tamaño, una técnica mucho más precisa y una complejidad muy superior a la de cualquier esfuerzo previo en ese campo. En composiciones densas y meticulosas, amplió la gama cromática y dinámica, aportando un nuevo nivel de intensidad conceptual, emocional y espiritual en una evolución que se inicia con el famoso grabado El Caballero, la Muerte y el Diablo y tiene de colofón Melancolía I, a menudo citada como una imagen temprana que define un estado melancólico o depresivo.

Durero, un ser curioso por naturaleza, adoptó ideas de maestros y artistas contemporáneos tanto en Alemania como en Italia, y su propia influencia dejó huella en varias generaciones por toda Europa. En este libro imprescindible de TASCHEN estudiamos la compleja técnica de esta figura pionera, su intelecto omnívoro y las obras clave que conformaron su perdurable legado.

Sobre la serie

Cada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Alberto Durero (1471-1528), polímata del Renacimiento alemán, fue un prolífico artista, teórico y escritor cuyas obras lo exploraron todo, desde la religión hasta la teoría del arte, incluyendo la filosofía. Su ingente producción artística comprende retablos, retratos, autorretratos, acuarelas y libros. Sin embargo, es famoso fundamentalmente por su increíble colección de grabados en madera que otorgaron categoría de nueva forma de arte a lo que se consideraba como una práctica artesana. Los grabados en madera de Durero maravillaron tanto por sus dimensiones como por su detalle. Con trabajos como Apocalipsis y el Arco de Triunfo para el emperador Maximiliano I, creó obras de mayor tamaño, una técnica mucho más precisa y una complejidad muy superior a la de cualquier esfuerzo previo en ese campo. En composiciones densas y meticulosas, amplió la gama cromática y dinámica, aportando un nuevo nivel de intensidad conceptual, emocional y espiritual en una evolución que se inicia con el famoso grabado El Caballero, la Muerte y el Diablo y tiene de colofón Melancolía I, a menudo citada como una imagen temprana que define un estado melancólico o depresivo.

Durero, un ser curioso por naturaleza, adoptó ideas de maestros y artistas contemporáneos tanto en Alemania como en Italia, y su propia influencia dejó huella en varias generaciones por toda Europa. En este libro imprescindible de TASCHEN estudiamos la compleja técnica de esta figura pionera, su intelecto omnívoro y las obras clave que conformaron su perdurable legado.

Pintor de cámara de Felipe IV, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (junio de 1599-agosto de 1660) no es sólo una figura sobresaliente del barroco español, sino uno de los gigantes de la historia del arte occidental. Monet y Renoir, Corot y Courbet, Degas y Dalí, todos reconocieron su influencia. Picasso se sintió tan inspirado por su obra maestra, Las meninas, que pintó 44 versiones de ella.

La importancia de Velázquez se encuentra en su particular enfoque naturalista, en contraste con las formas idealizadas que dominaban en su época, el llamado Siglo de Oro. Entre sus primeros trabajos se cuentan numerosos bodegones, escenas de género de la vida cotidiana en España a principios del siglo XVII. En ellos, la calidez y riqueza de sus tonos y texturas contrasta con lo mundano de los asuntos y la humildad de sus protagonistas, como, por ejemplo, en la obra Vieja friendo huevos.

Más tarde, sus retratos como pintor de la corte llevaron el mismo naturalismo a los escalones más altos de la sociedad, marcando un profundo cambio en la representación de la realeza, con posturas más suaves y relajadas que dotaron a los personajes de tanta majestad como humanidad y personalidad. La obra más famosa de Velázquez, Las Meninas, también fue pintada en la corte real, si bien su enigmática composición plantea un amplio abanico de preguntas acerca de la realidad y la ilusión, y sobre la relación entre el pintor, la pintura y el espectador.

Esta nueva edición de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN presenta a Velázquez a través de obras clave de toda su carrera. Desde humildes escenas de género hasta retratos de la realeza, pasando por el exquisito desnudo de la Venus del espejo o el misterio de Las meninas, explore el dominio de la composición, el realismo de la representaciones y el manejo magistral de los tonos que hicieron de Velázquez, según Manet, “el pintor más grande de todos”.

Sobre la serie

Cada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Pintor de cámara de Felipe IV, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (junio de 1599-agosto de 1660) no es sólo una figura sobresaliente del barroco español, sino uno de los gigantes de la historia del arte occidental. Monet y Renoir, Corot y Courbet, Degas y Dalí, todos reconocieron su influencia. Picasso se sintió tan inspirado por su obra maestra, Las meninas, que pintó 44 versiones de ella.

La importancia de Velázquez se encuentra en su particular enfoque naturalista, en contraste con las formas idealizadas que dominaban en su época, el llamado Siglo de Oro. Entre sus primeros trabajos se cuentan numerosos bodegones, escenas de género de la vida cotidiana en España a principios del siglo XVII. En ellos, la calidez y riqueza de sus tonos y texturas contrasta con lo mundano de los asuntos y la humildad de sus protagonistas, como, por ejemplo, en la obra Vieja friendo huevos.

Más tarde, sus retratos como pintor de la corte llevaron el mismo naturalismo a los escalones más altos de la sociedad, marcando un profundo cambio en la representación de la realeza, con posturas más suaves y relajadas que dotaron a los personajes de tanta majestad como humanidad y personalidad. La obra más famosa de Velázquez, Las Meninas, también fue pintada en la corte real, si bien su enigmática composición plantea un amplio abanico de preguntas acerca de la realidad y la ilusión, y sobre la relación entre el pintor, la pintura y el espectador.

Esta nueva edición de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN presenta a Velázquez a través de obras clave de toda su carrera. Desde humildes escenas de género hasta retratos de la realeza, pasando por el exquisito desnudo de la Venus del espejo o el misterio de Las meninas, explore el dominio de la composición, el realismo de la representaciones y el manejo magistral de los tonos que hicieron de Velázquez, según Manet, “el pintor más grande de todos”.