Tras los trágicos atentados del 11 de septiembre de 2001 contra el World Trade Center de Nueva York, a muchos testigos les quedó una inquietante sensación de déjà vu: el cine de catástrofes, de ciencia ficción y el thriller político se habían transformado en una amenazadora real thing. La llegada del Armaggedon, del fin de los tiempos, tantas veces profetizada por Hollywood, se estaba retransmitiendo por la CNN y por FOX News. A partir de ese momento histórico, y hasta la actualidad, el cine de horror norteamericano post 11-S ha profundizado de forma perturbadora en la paranoia y el miedo que, a todos los niveles, se enseñoreó de la vida estadounidense. Un cine que ha provocado una vasta catarsis social similar a la que causó en los años treinta el cine de terror de la Universal respecto a la Gran Depresión o el American Gothic en relación con la Guerra de Vietnam y el Watergate.
Antonio José Navarro, autor de este lúcido y documentado ensayo, examina el enorme impacto cultural que los ataques terroristas del 11-S han tenido en el cine de horror norteamericano. Un ensayo donde se estudian pormenorizadamente títulos tan relevantes como La casa de los 1.000 cadáveres (2003) –convertida en cult movie capaz de generar la secuela Los renegados del diablo (2005)–, la serie Saw (2004-2010) y la trilogía Hostel (2005-2011), «remakes» como La matanza de Texas (2003), Las colinas tienen ojos (2006) o Amanecer de los muertos (2004), y cintas de la categoría de Expediente Warren: The Conjuring (2013), El exorcismo de Emily Rose (2005), La tierra de los muertos vivientes (2005), Paranormal Activity (2007), Los extraños (2008), La cabaña en el bosque (2011), La Bruja (2015) o No respires (2008). Sobresalientes ejemplos de un cine de horror lúgubre, violento, erigido en representación mitológica, alegórica, del angustioso trauma social provocado por el 11-S, el cual ha cuestionado y quebrado los límites establecidos entre lo pensable y lo impensable, lo tolerable y lo intolerable, lo humano y lo inhumano, y entre el Bien y el Mal absoluto. ANTONIO JOSÉ NAVARRO (Barcelona, 1966). Historiador y crítico cinematográfico, miembro de la Asociación Española de Historiadores del Cine (A.E.H.C.) y del consejo de redacción de la revista especializada Dirigido por. Actualmente colabora en Imágenes de actualidad, Blow Up (Italia) y el suplemento cultural del diario Ara. Es autor de los libros Alien/Los inconquistables (1995) y, en colaboración con Tomás Fernández Valentí, de Frankenstein. El mito de la vida artificial (2000). Fue miembro del comité de selección del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya-Sitges (2001-2002 y 2007-2011) y responsable del Departamento de Publicaciones, donde coordinó y participó, entre otros, en los siguientes libros publicados en VALDEMAR: La nueva carne. Una estética perversa del cuerpo (2002), El demonio en el cine (2007), Explorando mundos: el cine de ciencia-ficción (2008), King Kong 75 años después (2008), Las sombras del horror, Edgar Allan Poe en el cine (2009) y Pesadillas en la oscuridad. El cine de terror gótico (2010).

¿Qué tienen en común realizadores, actores y guionistas tan dispares como Jean Epstein, Boris Karloff, Bela Lugosi, Robert Florey, Vincent Price, Roger Corman, Luis Buñuel, Richard Matheson, Mario Bava o Stuart Gordon? Pues que todos ellos, en algún momento de su trayectoria profesional, fueron cautivados por el sombrío universo creativo del escritor norteamericano Edgar Allan Poe, o exteriorizaron su poderosa influencia. Y de tan tortuosa y fructífera relación da fe Las sombras del horror. Edgar Allan Poe en el cine, un recorrido a través de las numerosas adaptaciones cinematográficas de la obra de uno de los grandes maestros de la literatura fantástica de todos los tiempos.
El bicentenario del nacimiento de Edgar Allan Poe (1809-1849) brindaba la ocasión idónea para acometer este ensayo colectivo, el primero de su especialidad en lengua castellana. Las sombras del horror. Edgar Allan Poe en el cine profundiza, asimismo, en la gran paradoja que el cine sobre Poe plantea a los prestigiosos ensayistas y narradores reunidos en este volumen –Vicente Muñoz Puelles, José María Latorre, Pilar Pedraza, Roberto Cueto, Jesús Palacios, Montse Hormigos, Ángel Sala–, afines a lo fantástico, a lo bizarre. Aun cuando pueda parecer que se ha vulgarizado la obra del célebre literato estadounidense, las numerosas películas basadas en sus relatos han construido, desde la ficción, desde el espectáculo, una peculiar reflexión en torno a sus aspectos más recónditos, más evidentes, más misteriosos.

Más allá de la figura del aristócrata «satanique» y decadente, esbozada primero por John William Polidori e institucionalizada después por Bram Stoker, a lo largo de los siglos XIX y XX, el vampiro ha sido objeto de múltiples revisiones y reinterpretaciones mitológicas, de miradas perversas y desmitificadoras, de tratamientos innovadores o neoclásicos. Los trece relatos que componen la presente antología de cuentos de vampiros, Sanguinarius –titulada así en claro homenaje a Ray Russell y Erzsébet Báthory–, fueron escritos entre 1820 La novia de las islas y 1967 El muerto viviente, englobando así casi ciento cincuenta años de horrores literarios; en suma, la edad dorada del vampiro como icono de la cultura popular.
De los «Penny Dreadfuls» victorianos a la revista pulp estadounidense «Weird Tales», de diletantes como el conde Eric Stenbock a grandes genios de la narrativa fantástica como Richard Matheson, de amantes del ocultismo como Gustav Meyrink a profesionales de la pluma –ya fuera para la página impresa, la radio, el cine o la televisión–, como es el caso de Robert Bloch, los cuentos aquí seleccionados son una muestra muy representativa de la evolución del «nosferatu» al margen de modas y tendencias muy precisas.
A pesar de que la mayoría de ellos pertenecen a la órbita anglosajona, los estilos y argumentos de cada uno demuestran que la narrativa vampírica trasciende el tópico del noble de sienes plateadas y amplia capa negra –quizá fosilizado por culpa del (mal) cine de terror–, abriéndonos a una amplísima gama de posibilidades dramáticas que van de un primerizo y perverso Conde sediento de sangre a las horrendas criaturas que se alimentan de nuestra energía vital, pasando por entes extraterrestres o no-muertos con indudable conciencia humana. «Sanguinarius» es, en suma, una invitación a abrir nuestros sentidos a las tinieblas, a renovar nuestra irrefrenable pasión por la sangre.

En 1657 aparece en Francia una novela insólita,
Historia cómica de los Estados e Imperios de la Luna,
del autor parisino Cyrano de Bergerac, considerada
precursora histórica de la literatura de ciencia ficción.
Aunque la novela está más cerca de la obra satírica
de Jonathan Swift que de Yo, robot, de Asimov,
las aventuras de Cyrano en la luna esbozan elementos
críticos y subversivos que aparecerán mucho después
en utopías, distopías, ucronías y anticipaciones
de H.G. Wells, George Orwell, Norman Spinrad
o Arthur C. Clark. Y sería otro francés, Georges Méliès,
quien adaptaría el ideario de su compatriota al cine
con la película Viaje a la luna (1902), fundamental para entender
la posterior evolución del recién nacido arte fílmico.
El cine de ciencia ficción, condenado a veces a producciones de serie B,
pasó a convertirse en respetado objeto de estudio, en cine
de gran presupuesto y no menores ambiciones artísticas,
a partir de 1968, año en que se estrena 2001, una odisea del espacio,
del director británico Stanley Kubrick, que marca un antes
y un después en la historia del género.
El cine de ciencia ficción. Explorando mundos
reúne una veintena de textos monográficos elaborados
por diversos especialistas en este género, y, aunque no pretende
ser una historia cronológica del mismo, ofrece una amplia
variedad de temas y motivos, así como una diversidad de tonos y estilos
en su redacción. El lector podrá hacerse una idea bastante amplia,
heterodoxa y nada dogmática, sobre qué es el cine
de ciencia ficción y cómo opera a diversos niveles plásticos,
psicológicos, sociales y mitológicos.

Se cumplen setenta y cinco años del estreno
en Nueva York de la película King Kong,
dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack
para los legendarios estudios RKO.
Constituyó todo un acontecimiento y pronto
Kong, rey de Skull Island, se convirtió en un mito
de la cultura popular: el simio gigante era más
que un monstruo que aplasta nativos,
devora urbanitas y aterroriza a una bella
e indefensa damisela (interpretada por Fay Wray),
era todo un icono pop, fiel reflejo de ansiedades sociales,
psicológicas y sexuales muy precisas, además de ilustrar el clásico
enfrentamiento entre la civilización y el primitivismo
entre lo humano y lo animal. Hoy, con dos remakes
más a sus espaldas ?además de un nutrido pelotón de exploits?,
el mito de Kong goza de una popularidad que sobrepasa incluso
sus dominios cinematográficos, como lo demuestran los numerosos
cómics, spots publicitarios, merchandising y homenajes televisivos
que utilizan su imponente y familiar imagen.
King Kong, 75 años después reúne cinco textos que recorren
todos los aspectos mitológicos y fílmicos del personaje a lo largo
de su existencia, profundizando en sus raíces culturales y sociales,
políticas y psicológicas. La obra aborda también con detenimiento
cada uno de los films canónicos, detallando las circunstancias
de su producción y la aceptación crítica que tuvieron
en su momento, sin olvidar un breve repaso a la cuantiosa
producción exploits sobre el tema, aspecto del mito de Kong,
poco tratado con anterioridad.

El Demonio existe, sin ningún género de dudas.
La Serpiente Antigua, El Príncipe de las Tinieblas,
El Maligno, El Ángel Caído? Satanás, Lucifer,
Belcebú, Pazuzu... No obstante, esta obra no se ocupa de la existencia del ser sobrenatural al cual va ligado, indisolublemente, el problema del Mal en las grandes religiones monoteístas de la humanidad, sino de su rica y fascinante representación en el ámbito artístico.
Por eso, El demonio en el cine. Máscara y espectáculo, no es un libro sobre teología, esoterismo, antropología, satanismo o psicología, aunque tales materias estén presentes,
de manera intermitente, a lo largo de sus páginas.
El demonio en el cine. Máscara y espectáculo es, básicamente,
un tratado sobre cultura cinematográfica, centrado en un aspecto
muy concreto de dicha cultura: la representación del demonio
en la gran pantalla y sus múltiples significados.
Este ensayo colectivo, el primero publicado sobre este tema
en castellano, se adentra en espacios mitológicos y artísticos
inexplorados, a través de películas como Las tristezas de Satán
(David. W. Griffith), La noche del demonio (Jacques Tourneur),
La semilla del diablo (Roman Polanski), El exorcista (William Friedkin),
Carrera con el diablo (Jack Starret), Satan's Slave (Norman J. Warren),
Lucifer Rising (Kenneth Anger), El día de la bestia (Álex de la Iglesia)
o El exorcismo de Emily Rose (Scott Derrickson).
El demonio en el cine. Máscara y espectáculo, recopilación de escritos
críticos de diversos especialistas en la materia, se ciñe a la esfera
cultural euronorteamericana, sin olvidar los antecedentes artísticos
de tan controvertido personaje a lo largo de la Historia:
las artes plásticas, al igual que la literatura, son parte importante
del discurso de este libro. Las pinturas, dibujos, grabados y carteles
que acompañan el texto constituyen, sin duda, un texto paralalelo.
Dependiendo de cada época, guerreros, reyes y dictadores como Atila (406-453), Saladino (1138-1193), Gilles de Rais (1404-1440), Mehmed II «El conquistador» (1432-1481), Adolf Hitler (1889-1945) o Yósif Stalin (1878-1953), fueron contemplados y temidos como los rostros más cotidianos y estremecedores del Demonio. Junto a ellos, el siglo xx ha incorporado al imaginario diabólico a psicópatas como Charles Manson o Jeffrey Dahmer «El carnicero de Milwaukee», o magos como Aleister Crowley «El hombre más perverso de Inglaterra» (1875-1947), sin olvidar a estrellas del rock como Marilyn Manson, reverendo de la iglesia de Satán, fundada por Anton Szandor LaVey en la California de los años sesenta.
(Antonio José Navarro)
El cine, ese invento del demonio...
(Antonio Machado)

«Querrías volver a poseerme, Demonio, pero te digo que no podrás,
porque ya me llega el fin y diré a los matarifes del dios Shu:
¡Adelante!» Así concluye el ?Papiro de Nu?, perteneciente
a «El libro de los muertos», que se conserva en el Museo Británico.
La fascinación de la literatura fantástica occidental por la figura
de la momia egipcia es la consecuencia del temor ancestral
a los ?resucitados? (vampiros, zombies...) unido al miedo
por lo diferente y extraño: una cultura ya desaparecida,
oriental y pagana. Lejos de ser un fantasma, la momia
es un cadáver que regresa físicamente del más allá para atormentar
a los vivos, un resucitado que viene a ajustarnos las cuentas,
dispuesto a hacernos daño, a acabar con nosotros de forma brutal.
La maldición de la momia. Relatos de horror sobre el antiguo
Egipto reúne veinte relatos y un poema, y es la primera
recopilación en lengua castellana que se publica sobre tan
apasionante mito literario (y cinematográfico). En ella el lector
encontrará desde los grandes nombres de la narrativa fantástica
como Arthur Conan Doyle, Sax Rohmer, Rudyard Kipling,
Willa Carter o Robert Bloch, hasta sorprendentes incursiones
en el género de conocidos ocultistas como el Conde Louis Hamon
o C.W. Leadbeater, o la novelización, a cargo del escritor inglés
John Burke, de una de las más populares películas sobre momias:
La maldición de la tumba de la momia. El volumen se completa
con la aportación de tres autores contemporáneos en lengua
castellana: Pilar Pedraza (?Carne de ángel?), Norberto Luis Romero (?El relicario de Lady Inzúa?) y José María Latorre (?La sonrisa púrpura?). Todos ellos contribuyen a definir y engrandecer el mito de la momia, su poética, su trasfondo macabro e incluso su inconfesable gusto por la necrofilia.

1ª edición.