Un siglo después de su muerte, Gustav Mahler es el compositor más importante de los tiempos modernos. ¿Por qué Mahler? ¿Por qué su música nos afecta tanto? ¿Por qué un músico judío “tres veces apátrida” expresa tan cabalmente las añoranzas y ansiedades humanas?
Norman Lebrecht es uno de los comentaristas más leídos de temas musicales y culturales. Sus artículos se publican en regularmente en varios países y es colaborador habitual de BBC.

"Maravilla de la Ópera" es un libro –dedicado al gran cantante Dietrich Fischer-Dieskau– formado por catorce ensayos relacionados entre sí acerca de la fascinación de ese género musical sobre un público variado y numeroso. Jens Malte Fischer une a un riguroso y ameno análisis musical una atención especial a los factores no sólo estéticos, sino históricos, culturales y sociales de las diversas obras estudiadas. Los autores pertenecen a épocas muy diversas, que van desde finales del siglo xviii hasta el tiempo presente: Cherubini, Berlioz, Wagner, Verdi, Antonin Dvorak, Meyerbeer, Richard Strauss, Albéric Magnard, Kurt Weill, Ferruccio Busoni y Wolfgang Rihm. Compositores de una importancia capital en la Historia de la Música y también otros menos conocidos pero cuya personalidad reivindica el autor con una admirable riqueza de argumentos.

Subtítulo: «Aplicaciones terapéuticas de los cuencos de cristal de cuarzo, los cuencos cantores, los diapasones y la voz».
El sonido es vibración y ni nuestro cuerpo ni la mente permanecen ajenos a ello. La reiteración del canto de un mantra altera sutilmente el cerebro induciéndole -según sea la musicalidad del canto- a relajarse o excitarse, a la interiorización o la expansión de la conciencia, pero siempre a la segregación de la química endógena. Cuando el cuenco suena emitiendo su frecuencia de vibración puede relajarnos e incluso ayudarnos a clarificar ideas. Pero además en lo sutil, la musicalidad de estos elementos combinados con la meditación o visualización dirigida, fomenta lo onírico. Lograr -como sucede en este libro- que un cuenco deje de ser un simple elemento musical, religioso o folclórico, para convertirlo en una herramienta creíble que actúe sobre cuerpo y mente no es fácil. Los cuencos todavía están rodeados de un cierto halo de misterio y esoterismo que les perjudica más que beneficia.
Jordi A. Jauset es doctor en Comunicación por la Universidad Ramon Llull e investigador y divulgador sobre los efectos y las aplicaciones terapéuticas de la música y el sonido. Ingeniero de Telecomunicación, es hijo, nieto y bisnieto de músicos, recibiendo sus primeras enseñanzas musicales en edades muy tempranas. La música, a lo largo de su vida, ha sido y es una constante, fiel y gratificante compañera.

Este sencillo método audiovisual ofrece todo lo necesario para aprender a tocar la guitarra, grabar y actuar en público. El CD interactivo, de fácil manejo, es una guía en audio paso a paso de las lecciones y ejercicios; a su vez contiene partes específicas para aprender a dominar los diferentes estilos musicales, a componer y a grabar sus propias canciones.
- Curso completo de guitarra, desde el inicio hasta la grabación y actuación en público.
- Avance gradual de dificultad de las lecciones: desde la afinación de la guitarra hasta series complejas de acordes.
- Con el CD interactivo se ponen en práctica las lecciones y ejercicios; incluye pistas con acompañamiento para la improvisación.
- Incluye un diccionario indispensable con más de 1.000 acordes ilustrados.
Guía de técnicas y estilos, como rock, pop, blues, country, jazz y flamenco.
- Demostración en audio de los sonidos de diferentes guitarras, la amplificación y los efectos de pedal.
- Información básica para grabar, que incluye estudios, maquetas en casa, MIDI, muestras digitales y grabación con ordenador.

Este curso audiovisual ofrece toda la teoría y los consejos necesarios para aprender a tocar el piano. Además, el CD gratuito de 54 minutos para el autoaprendizaje permite al intérprete escuchar cada lección cuantas veces quiera hasta la total comprensión de los conceptos explicados, y así relacionar la teoría con la práctica de la música.
- Es un método estructurado en 8 lecciones que empieza con las nociones básicas de la teoría musical y avanza progresivamente hasta alcanzar el dominio de piezas musicales complejas.
- Incluye un útil CD de autoaprendizaje, una guía de fácil uso para las sesiones prácticas.
- Estimulantes ejercicios auditivos y visuales de refuerzo de las lecciones.
- Un lenguaje fácil y ameno, ideal tanto para noveles como para músicos con conocimientos básicos de piano.
- Una introducción perfecta a los teclados y a la teoría musical para quienes deseen adentrarse en estilos como el pop, el rock o la programación MIDI de teclados electrónicos.
- Incluye arreglos de varias obras clásicas, algunas de ellas adaptadas especialmente para principiantes, de compositores como Beethoven, Mozart, Mendelssohn, J.S. Bach, Chopin, Schubert, Tchaikovsky y Haendel.
Terry Burrows es uno de los autores de métodos de música que más vende en el mundo y posee una larga experiencia como pianista e instrumentalista polifacético. Su obra se ha publicado en más de doce países y se ha traducido a siete idiomas. Es autor de más de 40 libros, entre ellos el Método completo para guitarra y el Método fácil para leer música, publicados por esta misma editorial.

Esta Guía de la música de Cámara reúne alfabéticamente a 182 compositores, con una gran variedad de análisis enriquecidos por numerosas precisiones sobre las formas y los «estilos», las circunstancias de la composición, las fechas y lugares de los estrenos, así como la duración de las obras más importantes. El campo explorado por esta Guía –realizada bajo la dirección de François-René Tranchefort– es el de la música de cámara, esto es, el de las obras escritas para conjuntos cuya plantilla no sobrepasa los diez instrumentos y presenta al menos dos. Concebida como una «guía de escucha activa», su propósito es ayudar al oyente a «seguir» la obra en su desarrollo y a comprender su organización general, así como sus estructuras elementales. La edición española –traducción y adaptación– es obra de José Luis García del Busto, que además de revisar o enriquecer algunas de las voces correspondientes a los nombres españoles contemplados en la edición original (Arriaga, Falla, Gerhard, el P. Soler y Turina) ha añadido las de C. Bernaola, J. Guinjoán, C. Halffter, T. Marco, X. Montsalvatge, L. de Pablo y L. de Milán.
Traducción: José Lui García del Busto.

La txalaparta, que en los años sesenta se hallaba en trance de desaparecer, ha sido objeto de una asombrosa recuperación en las últimas décadas. En la actualidad, sin prescindir del todo de su función primitiva —de hecho, se sigue tocando para dar comienzo a la temporada de sidrerías—, ha sabido incorporarse a muchas otras funciones, conquistando una importante presencia en el mundo de los grupos musicales y los solistas. Los txalapartaris han sabido llevar su instrumento desde el mundo rural hasta el entorno urbano, sin hacerle perder nunca su verdadera naturaleza, y muestran hoy una txalaparta renovada y fuerte, antigua y moderna, tradicional e innovadora al mismo tiempo. Viva.

De la mano de su máximo especialista, Juan Mari Beltran, esta obra recoge con todo detalle la historia del largo camino recorrido por este instrumento elevado hoy a símbolo de la música y la cultura vascas. Y sienta definitivamente las bases para su conocimiento, atendiendo especialmente a la transformación que la txalaparta evidencia, musical y socialmente, en los últimos cuarenta años, tanto en los toques antiguos como en las nuevas tendencias.
Con gran aparato documental, tanto textual como gráfico y sonoro, la obra ilustra la historia del instrumento. Partituras, fotografías y grabados enriquecen significativamente la publicación, que se acompaña de un CD realizado expresamente para el libro, con piezas de txalaparta interpretadas por Juan Mari Beltran acompañado por los txalapartaris de su grupo, así como de un DVD que refleja la historia de la txalaparta a partir de los testimonios de algunos de sus más destacados protagonistas.