Patrice Chéreau revolucionó el mundo de la escena operística con el montaje que hizo en 1976, por encargo de Pierre Boulez y con solo 32 años, de El anillo de los nibelungos, una puesta en escena de gran envergadura para un director de escena tan joven. A pesar de que actores y cantantes desconfiaban de él, Chéreau se propuso crear un hito en la historia de la ópera y lo consiguió. Mezcló vestuario y atrezo de época con contemporáneo, recreó una sociedad industrial y construyó una pieza imprescindible para todos los aficionados a Wagner y a la ópera en general. Cuando hayan pasado cinco años nos explica todos los entresijos de esa singular experiencia en la que se dieron cita dos de los grandes hombres de la cultura contemporánea: Chéreau y Boulez. Cinco años más tarde, Boulez volvió a llamar a su puerta para proponerle la representación completa, por primera vez, de Lulu, la obra de Alan Berg, que murió sin acabarla; Suponiendo que la ópera sea teatro es el recuento de esa experiencia.

Patrice Chéreau nació en Lézigné en 1944, hijo de una pareja de pintores. Talento escénico precoz, en 1966, a los 22 años, ya dirigía el Théâtre de Sartrouville y, en 1969, se incorporó al Piccolo Teatro de Milán. Entre 1972 y 1981 fue codirector del Théâtre National Populaire de Villerubanne y entre 1982 y 1990, del Théâtre des Amandiers de Nanterre. Chéreau es también director de cine; entre sus películas se cuentan La carne de la orquídea (1974), El hombre herido (1983), La reina Margot (1994), Intimidad (2000) y Persécution (2009).

Hay razones para considerar a Gustav Mahler el mayor creador musical del siglo XX, a pesar de que su muerte se produjo cuando apenas comenzaba la segunda década del mismo, pero la audacia de su lenguaje, su riqueza expresiva, sus estallidos de fatalismo, de angustia agónica y también de alegría desatada, le sitúan como testigo de excepción de una época especialmente conflictiva.
Rigurosa y erudita, esta biografía realizada por el musicólogo José Luis Pérez de Arteaga, acompañada de un estudio de su obra musical y de su discografía completa, es la mayor aportación de la crítica española al compositor más interpretado (y discutido) de nuestro tiempo. Sin duda una obra de referencia.

Con más de 35 años de conciertos cargados de energía y grabaciones míticas a sus espaldas, AC/DC es indiscutiblemente uno de los grupos con más éxito y repercusión dentro del panorama del rock y de la historia musical. Este homenaje particular a todo su legado hace un minucioso seguimiento de AC/DC, desde sus comienzos con el álbum Down Under hasta su última gira.

Krzysztof Meyer, musicólogo, compositor y amigo de Shostakovich, trata de presentar una imagen del artista lo más alejada posible del tópico periodístico, pero sin emitir juicios sobre su modo de actuar. Además, esta biografía consigue situar la vida y la obra de Shostakovich en las corrientes musicales y culturales de su tiempo.

Traducción de Ambrosio Berasain Villanueva.

Nikolaus Harnoncourt ha sido capaz de añadir a su impresionante trayectoria como intérprete y director, un no menos denso e influyente repertorio de escritos y análisis sobre lo que podríamos denominar la «filosofía de la música antigua». Publicado originalmente en 1984, la presente colección de ensayos recoge algunas de las más jugosas contribuciones de Harnoncourt al pensamiento musical de nuestro tiempo. Considerado por muchos como el auténtico «credo» de una de las voces más autorizadas de la interpretación musical histórica, los textos aquí reunidos son una excelente compilación de treinta años de experiencia y reflexión en favor de una mejor comprensión de la música antigua, y muy particularmente la barroca. Una música que nos habla desde un código que el intérprete y el oyente de nuestro tiempo debe conocer para comprender cabalmente el «discurso sonoro» de cada época.

"Una semana en el motor de un autobús" fue la consagración de "Los Planetas". Pero, ¿cuantós obstáculos tuvieron que superar para grabarlo?¿Qué obtuvieron a cambio?y, más importante, ¿a cuánto tuvieron que renunciar? Las tensiones y dudas del grupo son la materia prima sobre la que se construirá el disco más épico y amargo de la escena alternativaespañola de los años 90.

Título completo: OMEGA: Historia oral del álbum que unió a Enrique Morente, Lagartija Nick, Leonard Cohen y Federico García Lorca.
Escrito en forma de historia oral, más de cincuenta participantes dialogan virtualmente acerca de uno de los discos más sobresalientes de la historia reciente de la música española.

¿Qué tiene Omega para hipnotizar a públicos tan diversos? El acercamiento al lado oscuro y surrealista de Lorca y su encuentro con la poesía de Cohen, además de la alianza con el rock de Lagartija Nick, que sirve de detonante y abre el flamenco a texturas desconocidas. A pesar de su gancho entre el público, se trata de un álbum descarnado, que empezó levantando ampollas y acabó siendo considerado como el mejor de la década, si no más. Su impacto y prestigio nunca han dejado de crecer.
En el libro intervienen y dialogan Leonard Cohen, Santiago Auserón, Estrella Morente, Aurora y Antonio Carbonell, Vicente Amigo, Negri, Paquete, Kiko Veneno, Montero Glez, Miguel Poveda, Jota y Eric (Los Planetas), Diego A. Manrique, Lee Ranaldo (Sonic Youth), Antonio Luque (Sr. Chinarro), Ian Gibson, Juan de Loxa, Alfredo Grimaldos, José Manuel Gamboa, Mayte Martín y un largo etcétera.
El libro incluye el texto inédito “Los bisturís crecen con las rosas”, escrito por Leonard Cohen.

¿Quién no ha dicho alguna vez «esta canción me hace recordar las tardes del verano que pasé en tal sitio»? Josep M. Romero nos explica en M de música qué ocurre cuando una canción nos secuestra emocionalmente. Desentraña con minuciosidad las intensas relaciones entre nuestra psique y nuestras emociones con la música, explicándonos además de qué forma actúan el cine, la radio y la televisión en nuestro «archivo musical personal». El libro está prologado por el cineasta Manuel Huerga (Salvador). Su lectura nos introduce en el mundo del montaje musical y también en los entresijos de la música y la percepción humana según la cultura a la que pertenecemos. Ideal para profesionales de la música en todos los ámbitos y también para un lector simplemente interesado en imagen y sonido, cineastas, músicos, estudiantes de cine y música.
Josep María Romero Fillat cursó estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona. Desde 1983 pertenece al departamento de montaje musical de TV3 y Canal 33, donde ha contribuido a la organización de su archivo y la elaboración de la banda sonora de numerosos programas. Es autor del libro Todo lo que hay que saber del negocio musical (también en versión catalana, publicados ambos en la editorial Alba).

El término «musicoterapia» se ha integrado en el lenguaje corriente y existen muchas obras sobre el tema. Sin embargo, este libro es distinto ya que alude al «modelo Benenzon», uno de los cuatro más importantes del mundo. Todas las investigaciones que se describen pertenecen a la musicoterapia activa en su aplicación a las patologías más importantes que sufre el ser humano -autismo, psicosis, deficiencia mental, perturbaciones motores, enfermedades terminales y estados de coma-, y a la formación de profesionales de la salud -la musicoterapia didáctica-.

Es indudable que el tema “mujeres, género y feminismo en música” está aún en devenir. Mujer versus Música efectúa su aportación trazando huellas identitarias, creando referentes, rescatando puntos de vista, datos, opiniones, creaciones. La excelencia de los escritos aquí compilados ha conseguido mostrar la unidad en la diversidad poniendo a la Mujer frente a la Música. Interacciones, itinerancias, bucles, incertidumbres, emergencias… se producen sin cesar en ciclos espirales; también, en Mujer versus Música. Los escritos de Marisa Manchado, Cecilia Piñero, Sophie Stevance, Josemi Lorenzo, Manuela Cortés, Álvaro Zaldívar, Susan Campos, (María Zambrano), Christine Esclapez, Leticia Armijo, Margarita Tortajada, Julia Suero y Ana Sánchez constituyen un tejido complejo, emergencia de las conexiones entre los campos del saber, algunas ocultas, otras más familiares, pero todas estimulantes: reflexiones sobre la situación actual de la mujer en el ámbito musical, sobre la historia, sobre creadoras e intérpretes conforman un desafío, la apuesta que significa Mujer versus Música. Itinerancias, incertidumbres y lunas.
Índice de contenidos
1. Marisa Manchado Torres. "Caminos escondidos bajo techos de cristal. Perspectivas feministas en torno a la discriminación de las mujeres en la creación musical"
2. Carmen Cecilia Piñero Gil. "Latinoamérica y el feminismo en música: caminos recorridos"
3. Sophie Stevance. "Análisis histórico de la situación de las músicas, de Europa a América del Norte"
4. Josemi Lorenzo Arribas. "De cómo y cuándo se comenzó a investigar y escribir sobre las mujeres medievales y la música"
5. Manuela Cortés García. "Estatus de la mujer en la cultura islámica: las esclavas-cantoras (ss. XI-XIX)"
6. Álvaro Zaldívar Gracia. "Damas decimonónicas. En el testimonio de la Historia de la Música Española de Mariano Soriano Fuertes"
7. Susan Campos Fonseca. "María Zambrano: Ser/caja de música"
8. Christine Esclapez. "Fátima Miranda / Ecos de una voz nómada"
9.Leticia Armijo. "OIKABETH. (Olin Ikis pan Katuntah Bebezah Thot) Movimiento de mujeres guerreras que abren caminos y esparcen flores. Sinfonía guerrera en un movimiento"
10. Margarita Tortajada Quiroz. "Vetas abiertas. De bailarinas y creadoras mexicanas: Claudia Lavista, Alicia Sánchez y Evoé Sotelo"
11. Julia Suero. "Joëlle Léandre, fragmentos de una mujer itinerante"
12. Ana Sánchez Torres. "Teoría feminista, complejidad y musicología"