El villancico nació siendo una composición popular cantada. «Otras hay», insistía un poeta del siglo XVI, «que sirven para representar, para enseñar, para describir, para historia, y para otros propósitos, pero esta solo para la música». Es fácil imaginarse las primeras composiciones animando una celebración («Pinguele respinguete / qué buen San Juan es este», «Hoy comamos y bebamos / y cantemos y holguemos / que mañana ayunaremos») o pregonando un mal de amor en un contexto más íntimo («Más vale trocar / plazer por dolores / qu´estar sin amores», «Si no os hubiera mirado / no penara / pero tampoco os mirara», «¿Con qué la lavaré / la tez de la mi cara? / ¿Con qué la lavaré / que vivo mal penada?»). El éxito de estos cantares hubo de ser enorme. Hasta el punto de atraer la atención de la Iglesia: catedrales, iglesias, monasterios... todos comenzaron a encargar villancicos con que animar sus celebraciones más populares, sobre todo la de la noche de Navidad. Pero la «fiebre» del villancico, cada vez más colorido, con más instrumentación y mayor número de voces, constituyó a la vez su cenit y a finales del Setecientos era prácticamente inexistente. En el siglo XX, cuando su nombre se asocia a esa composición que hoy hacemos equivalente a la nadala catalana, el noël francés o el carol británico, pero que poco tiene que ver con los cuatrocientos años de historia de un género poético-musical intrínsecamente castellano.

Silvia Iriso (1970) es filóloga por la Universidad Autónoma de Barcelona, en cuyo departamento de Filología Hispánica impartió clases de Literatura Medieval y del Siglo de Oro como profesora asociada. Tras dedicar algunos años a la investigación doctoral y tras una breve colaboración posterior con la Universitat Internacional de Catalunya, ingresó profesionalmente en el sector editorial y en 2005 fundó la empresa de servicios editoriales Àtona, Centre d'Edició, que dirige en la actualidad (2011).

Esta edición ofrece al fin la posibilidad de explorar en inglés y en castellano el inabarcable universo creado por la imaginación poética de Dylan: su temeridad verbal, su sarcasmo, su lirismo y, sobrevolando por encima de todo, su omnívora mirada.

Bob Dylan (n. Duluth, Minnesota, Estados Unidos; 24 de mayo de 1941), nacido como Robert Allen Zimmerman, es un músico, cantante y poeta estadounidense. Ha sido, durante cinco décadas, una de las mayores figuras en la música popular, siendo considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX

2ª edición.
A medio camino entre las memorias, el ensayo y el estudio antropológico, Fargo Rock City es un libro hilarante que narra el auge y la caídadel heavy metal y de algunos de los grupos más populares de los años 80 y 90 (Guns N´ Roses, Poison, Bon Jovi, Def Leppard, Metallica y muchos otros) a la vez que recrea las experiencias juveniles del autor: un fan irredento del metal, nacido en Wyndmere, Dakota del Norte, un lugar en el que habitan más vacas que personas y en el que los temas de conversación habituales son la recogida de la cosecha, el correcto cuidado del ganado agropecuario y los secretos del arte de reparar un tractor. Pero aunque quizás tal entorno no parezca el más propicio para entregarse en cuerpo y alma al rocanrol, hubo un momento en la historia de la música en el que el poder del metal era simplemente imparable e incluso los páramos helados de Dakota del Norte vibraban al compás de KISS y Mötley Crüe.
Klosterman, calificado como «el nuevo Hunter S. Thompson» por la revista People, disecciona con humor e impecable precisión la historia y los rasgos básicos del género

“Un libro indispensable para cualquier amante de los discos y las canciones con un mínimo sentido del humor”, escribe David Morán en el número 303 de la revista Rockdelux. Joan S. Luna se muestra igualmente categórico en Mondosonoro, considerando Fargo Rock City “El libro sobre heavy metal que debería leer todo el mundo”. Por su parte, Richard Royuela escribe en el número 77 de Rockzone que “Las obras maestras son atemporales y, sin lugar a dudas, el debut de Chuck Klosterman lo es. La lectura del libro es todo un festival, no solamente imprescindible para aquellos a los que les gusta leer libros sobre música, sino para todo un público más casual que disfrute ante las exhibiciones literarias sobre la cultura pop”.

“No se puede escribir mejor ni con más gracia sobre cultura popular norteamericana. Si amas el rock ‘n’ roll, adorarás Fargo Rock City“. (Stephen King).

No es un libro más sobre el legendario cuarteto de Liverpool. Se trata del estudio más exhaustivo que se haya publicado hasta la fecha sobre los doce meses que transformaron la imagen y el sonido de los Beatles. Es una obra esencial para entender las claves del descomunal éxito que alcanzaron los Beatles unas semanas después de que finalizara aquel mágico año 1962.

La historia de los grandes grupos de música debería seguir también la trayectoria de aquellos músicos que abandonaron antes de que la fama y la fortuna llamaran a su puerta. A todos los fans les gusta trazar las conexiones entre sus grupos favoritos, los cambios de nombre y las oportunidades que dejaron escapar antes de alcanzar el éxito. Este libro analiza el mejor rock, pop, rap y soul de las últimas décadas para mostrar cómo las grandes estrellas de la música han colaborado, se han peleado, amado e inspirado, se han indignado e influido a lo largo del tiempo. Pero la historia de los grupos sería incompleta sin mencionar los legendarios sellos discográficos, reputados productores, clubs memorables o los importantes festivales, desde Woodstock hasta Lollapalooza. Así que sube el volumen o ponte los auriculares y únete a nosotros en un viaje que va de Elvis Presley, Aretha Franklin o los Rolling Stones a Chili Peppers, Coldplay o Jay-Z.

La selección crítica definitiva de la mejor música de los últimos sesenta años. Una guía imprescindible para todo aficionado que quiera completar, o reconstruir, su discoteca ideal, del rock al pop, del punk al funk.

Los mejores discos de todos los tiempos, comentados de manera apasionante e incisiva por auténticos expertos dirigidos por Robert Dimery e ilustrados por 800 imágenes de cubiertas de discos míticos, grupos y artistas.

Desde el sugerente What's GoingOn?, que Marvin Gaye publicó en 1971 al regreso de Vietnam de su hermano, hasta el extraordinario álbum conceptual de David Bowie The Rise and Fall of Ziggy Stardust, aquí están todos los discos que en verdad cuentan: el revolucionario Revolver de los Beatles, que supuso un cambio radical en la música pop, y el torbellino de anarquía de los Sex Pistols y su Never Mindthe Bollocks, que rompió con todo.

Un verdadero recorrido por la historia de la música, desde esa cumbre del pop que es Pet Sounds, de los Beach Boys, hasta el grunge de Nirvana y su retorno a la sencillez y la vitalidad del rock'n'roll primigenio que significó Nevermind. Así, 1001 discos que hay que escuchar antes de morir se asoma a las interioridades de álbumes como el fundamental Velvet Underground & Nico, con artistas de la talla de Bowie y Joy Division, de REM y The Strokes; nos recuerda la famosa aparición de Bob Dylan, guitarra eléctrica en mano, en el Festival de Newport con su visionario Highway 61 Revisited grabado en 1965 en una Norteamérica en guerra con Vietnam y consigo misma, justo al tiempo en que Van Morrison producía su memorable Astral Weeks; y nos lleva después hasta el tono retro de la guitarra de los Stone Roses de «Madchester», en el álbum homónimo, o Blue Lines de Massive Attack, o Automatic for the People de REM, y tantos otros discos.

«Bon Scott fue tal vez la escoria andante más entrañable que jamás haya deambulado entre sus paisanos. Clinton Walker traza una espléndida semblanza no solo del hombre aquí escrutado, sino también de cuanto se cuece en la gestación de una banda de rock», proclamaba Who Weekly cuando se lanzó Camino del infierno en Australia. La semblanza que Walker ha compuesto con los esperpénticos desvaríos de esa piltrafa refleja sin duda las luces diabólicas del personaje retratado, pero brilla también por méritos propios, tanto que ya se codea (inopinadamente) con los grandes clásicos de la rockología. Podemos decir sin exagerar que estamos ante la obra definitiva sobre la ascensión de AC/DC al estrellato y el descenso de Scott a los infiernos, sobre los años en que su carismática presencia y la visceral declamación de aquellas letras se hermanó con la imparable fuerza que irrumpía desde las cuerdas atormentadas por los hermanos Young. Fue entonces cuando cristalizó un sonido inconfundible y una nueva manera de entender el rock.
Con la inestimable colaboración de quienes tuvieron el privilegio de soportar al biografiado y el ornamento de un material fotográfico apenas conocido, Walker reconstruye la sonora epopeya de la banda siguiendo las peripecias vitales del cantante desde su (no demasiado) tierna niñez en la Escocia que también fue cuna de los díscolos Young. El éxodo proletario a los confines de un imperio extinguido nos regalaría, con el tiempo, el nacimiento de la dureza por antonomasia en una Australia aún mecida por las brisas melódicas del pop. A finales de los setenta, el vendaval de la canalla acabó con la calma y con el orden establecido. Pero Bon Scott no pudo saborear las mieles del triunfo porque en 1980 murió a manos de su antojo. Una pena y un nuevo mito.

«Un día, a principios de este año 2009, Joaquín Sabina y Benjamín Prado decidieron irse a Praga a escribir canciones y siete meses después habían acabado el disco Vinagre y rosas. Este libro cuenta esa aventura que fue puro rocanrol, llena de versos y versos tachados, chicas que vienen y que se van, viajes, música, alcohol, risas y, sobre todo, lleno de una amistad sin fronteras ni direcciones prohibidas. Y también nos deja ver los talleres de cada canción y nos hipnotiza haciéndonos mirar las vueltas que dieron todas ellas antes de quedar acabadas. Benjamín Prado rememora en Romper una canción la intensidad de aquellos meses de trabajo en los que Sabina y él pelearon a muerte por cada palabra y llegaron a lograr una combustión y una simbiosis tan profundas que hoy día ninguno de ellos sabe quién escribió qué, porque no hay una coma sin negociar en todo el disco.»

This collection of essays was conceived as an homage to Bruno Turner who has done so much to promote knowledge of sacred music of the Golden Age Iberian world. As choral director, editor and broadcaster, Turner brought this music to the attention of the wider musical public and made it available to choirs all over the world through his specialized publishing firm, Mapa Mundi. Scholars of Iberian sacred music are equally indebted to him for his research, especially on sources, plainchant and liturgy of the Iberian Peninsula and the New World; indeed, he can be considered the eminence grise of musicology in this field.

The essays by seventeen scholars, all of whom have been influenced by and are indebted to his life’s work, bring together the latest research and thinking on wide-ranging aspects of sacred music by Iberian and Hispanic American composers in three main areas: sources and repertories; music and liturgy; motets and musical tributes. These contributions, which enrich and deepen current knowledge of Iberian music of the sixteenth and seventeenth centuries, are framed by a Prelude by the composer Ivan Moody and a Postlude that takes the form of an interview between Turner and the writer, critic and translator Luis Gago.

CONTENTS
Introduction · Tess Knighton: A Heart of Pure Gold

Prelude · Ivan Moody: Ayo visto lo Mappamundi: Working with Bruno Turner

Sources and repertories · Michael Noone: A Sixteenth-Century Manuscript Choirbook of Polyphony for Vespers at Toledo Cathedral by Andrés de Torrentes (c. 1510-80) — João Pedro d’Alvarenga: Manuscripts Oporto, Biblioteca Pública Municipal, MM 40 and MM 76-79: Their Origin, Date, Repertories and Context — Juan Ruiz Jiménez: The Unica in MS 975 of the Manuel de Falla Library: A Music Book for Wind Band — Douglas Kirk: A Tale of Two Queens, Their Music Books and the Village of Lerma — Juan Carlos Asensio: The Vicissitudes of Some Printed Fragments of Polyphony — Noel O’Regan: Music Prints by Cristóbal de Morales and Tomás Luis de Victoria in Surviving Roman Inventories and Archival Records

Music and liturgy · Greta Olson: Two Post-Tridentine Lamentation Chants in Eastern Spain — Michael B. O’Connor: Juan de Esquivel’s ‘Ave Maris Stella’ (a 4): Observations on the Spanish Polyphonic Hymn Repertory — Bernadette Nelson: A Polyphonic Hymn Cycle in Coimbra — Eva Esteve: Performance Contexts for the Magnificat in the Iberian Peninsula in the Sixteenth Century — Owen Rees: ‘Jesu Redemptor’: Polyphonic Funerary Litanies in Portugal — Tess Knighton: Music for the Dead: An Early Sixteenth-Century Anonymous Requiem Mass

Motets and musical tributes · Kenneth Kreitner: Peñalosa, ‘Precor te’, and Us — Martin Ham: ‘Rex autem’: Another Iberian Lament in Rhau’s Symphoniae jucundae? — Cristina Diego Pacheco: Unedited Motets by a Little Known Composer: Alonso Ordóñez — Emilio Ros-Fábregas: A Sixteenth-Century Ostinato Motet for Barcelona’s Patroness Saint Eulalia — Robert Stevenson: Musical Tributes to an Attributed Apparition of the Virgin in Spain and in Mexico

Postlude · Luis Gago: Pure Passion: A Conversation with Bruno Turner

Patrice Chéreau revolucionó el mundo de la escena operística con el montaje que hizo en 1976, por encargo de Pierre Boulez y con solo 32 años, de El anillo de los nibelungos, una puesta en escena de gran envergadura para un director de escena tan joven. A pesar de que actores y cantantes desconfiaban de él, Chéreau se propuso crear un hito en la historia de la ópera y lo consiguió. Mezcló vestuario y atrezo de época con contemporáneo, recreó una sociedad industrial y construyó una pieza imprescindible para todos los aficionados a Wagner y a la ópera en general. Cuando hayan pasado cinco años nos explica todos los entresijos de esa singular experiencia en la que se dieron cita dos de los grandes hombres de la cultura contemporánea: Chéreau y Boulez. Cinco años más tarde, Boulez volvió a llamar a su puerta para proponerle la representación completa, por primera vez, de Lulu, la obra de Alan Berg, que murió sin acabarla; Suponiendo que la ópera sea teatro es el recuento de esa experiencia.

Patrice Chéreau nació en Lézigné en 1944, hijo de una pareja de pintores. Talento escénico precoz, en 1966, a los 22 años, ya dirigía el Théâtre de Sartrouville y, en 1969, se incorporó al Piccolo Teatro de Milán. Entre 1972 y 1981 fue codirector del Théâtre National Populaire de Villerubanne y entre 1982 y 1990, del Théâtre des Amandiers de Nanterre. Chéreau es también director de cine; entre sus películas se cuentan La carne de la orquídea (1974), El hombre herido (1983), La reina Margot (1994), Intimidad (2000) y Persécution (2009).