Esto es jazz es una aproximación a la música más representativa del siglo XX a través de los 101+101 DISCOS MÁS IMPORTANTES DE SU HISTORIA. Aunque es posible que el disco haya dejado de ser "ese oscuro objeto de deseo" de los años heroicos en los que el tener un "miles" o un "coltrane" confería a su afortunado poseedor un estatus superior, el disco sigue siendo la mejor manera de acercarse al jazz, ya que gracias a él se han conservado las improvisaciones de quienes han hecho su historia. Para su selección, José María «Chema» García Martínez se ha atenido a tres criterios fundamentales: jerarquía artística del disco, relevancia histórica y disponibilidad en el mercado, sin olvidarse de la calidad del sonido de la versión seleccionada. El resultado es mucho más que la típica guía al uso, ya que cada uno de los discos elegidos va acompañado de una antología de opiniones de "los que saben de esto" y una bibliografia. Además, de ahí el 101+101, cada disco se acompaña de otro que lo complementa en unos casos, sirve de contraste en otros, o bien presenta una faceta diferente del músico tratado, invitando al lector a establecer una serie de asociaciones personales que pueden resultar fascinantes. Un libro que servirá de guía de iniciación a quien se acerca al jazz por vez primera, y que permitirá profundizar en su conocimiento al iniciado.
• José María García Martínez (Madrid, 1957) es escritor y crítico musical. Desde los años setenta viene escribiendo sobre música étnica en diversos medios de comunicación. Ha sido responsable de la única sección dedicada al tema en la prensa española, publicada en la revista "Ritmo". Ha dirigido diversos seminarios y ciclos y organizado giras de conciertos. Es autor de "Del fox-trot al Jazz-flamenco" (Alianza Editorial).

¿Por qué nos gusta la música? ¿Cómo logra influir tanto en nuestro estado de ánimo? ¿Puede una buena melodía hacernos disfrutar como el sexo o un buen manjar? A estas y a otras muchas preguntas responde este sorprendente y entretenido libro. La música no deja indiferente prácticamente a nadie. Unas veces nos provoca ganas de llorar, otras es capaz de evocar recuerdos que considerábamos sepultados, y en el caso de algunas enfermedades puede llegar a ejercer un efecto curador. Sin embargo, nos resistimos a considerarla objeto de estudio de los expertos. Y ese es precisamente el prejuicio que se propone desmontar La seducción de la música. ¿Por qué?: porque no hay nadie que no sea musical. Incluso las personas que creen que no sirven para la música poseen unas capacidades musicales asombrosas. Christoph Drösser expone los fascinantes descubrimientos que han realizado los científicos a ese respecto. ¿Por qué nos gustan unas músicas y otras no? ¿Cómo consigue nuestro oído distinguir sonidos y ruidos concretos en el guirigay de ruidos y sonidos donde vivimos inmersos la mayor parte del tiempo? ¿Por qué existe la música?
Christoph Drösser (1958) estudió Matemáticas y Filosofía. Es redactor de ciencia en el periódico alemán Zeit. Designado «Periodista de ciencia del año» (2005), en 2008 recibió el premio de la Asociación Alemana de Periodistas de Matemáticas. Ha publicado varios libros de divulgación en Alemania, su país natal.

Cançons, conjunts, sales de festes, pick ups, matinals, segells discogràfics, i festivals musicals transformaren la societat rural mallorquina.
Amb un quadern de 72 pàgines de fotos color i b/n.
Paradise of Love o l’illa imaginada és un estudi de cas de com la cultura popular dels anys seixanta va contribuir a posicionar diferents grups de joves en el món. Aquest treball no és tan sols una mirada a la història de la música popular illenca, no és només un inventari d’artistes i estils, sinó també de circumstàncies socials, ideologies, esdeveniments històrics i desenvolupaments tecnològics que varen interactuar amb la música per donar-hi rellevància.
Cançons, conjunts, sales de festes, pick ups, matinals, segells discogràfics, pel·lícules o festivals musicals s’incorporaren a la societat mallorquina per construir una nova manera de ser adolescent. En aquest llibre observam com la música de factura illenca va codificar trets imaginaris d’una Mallorca inventada, va aglutinar valors de la identitat juvenil, va representar l’impacte turístic, va esdevenir un estàndard de les cançons promocionals i va exemplificar el fenomen de les versions.
Amb més de 200 imatges i una relació d’exemples sonors, l’estudi de Francesc Vicens també analitza fenòmens com ara la recepció dels Beatles a Mallorca o l’ús de la música amb finalitats turístiques, sistematitza els espectacles de l’època i analitza l’impacte de la cultura global com a factor de canvi social.
A partir del diàleg raonat amb els protagonistes s’actualitzen episodis rellevants i mitificats com ara l’actuació de Jimmi Hendrix a la sala Sargent Pepper’s de Palma o The Kink’s al Festival Beat 66, entre molts d’altres.
Tot plegat aporta una visió de conjunt de com les expressions musicals de la cultural global varen donar lloc a noves expressions locals, de les quals la cançó Paradise of Love va ser exemple i para­digma de la Mallorca imaginada.
Francesc Vicens Vidal (Ciutat de Mallorca 1977), Doctor en Musicologia per la UAB (Universitat Autònoma de Barcelona), ha completat la seva formació a les universitats de Bolonya i Siena. És autor de les obres I cantaven un Càntic Nou. Els ancians músics de l’Apocalipsi a l’art romànic hispànic (PAMSA 2010), Diabolus in Musica (premi Hiperbòlic 2008), El cant de la Sibil·la a Mallorca (Documenta Balear 2004), Visca Sant Antoni! (Documenta Balear 2010) i Paradise of love o l'illa imaginada (Documenta Balear 2012). És coautor de Les músiques de Mallorca en DVD (2003, 2005 i 2008) i de diversos articles científics publicats en revistes de musicologia. Durant el curs 2009-2010 va ser visitant al Centre de Graduats de la Universitat de Nova York (CUNY) i des del curs 2003-2004 és professor titular del CESAG (Centre d’Ensenyaments Superiors Alberta Giménez).
Prologuista: Antoni Pizà.

Traducción, edición y notas de Lucía Díaz Marroquín y Mario Villoria Morillo.
La ópera es el género que mejor ha venido definiendo la identidad cultural europea por encima de diferencias lingüísticas o conflictos territoriales desde que comenzaron a representarse las primeras favole o drammi per musica en las academias italianas de los años 1600. Su exportación al resto de Europa requirió a menudo la intervención política directa, aunque las adaptaciones nacionales más variadas a partir de los distintos sustratos dramáticos nacionales no tardaron en surgir, desde el ballet de cour o la masque hasta el Singspiel o la zarzuela. Su doble desarrollo en los ámbitos paralelos de la alta cultura y la cultura popular son la demostración evidente de hasta qué punto ha llegado a impregnar los países en los que se representa. Aun así, el rito de la asistencia al espectáculo operístico y la distancia que impone la cuarta pared que separa el escenario del público vela en ocasiones la percepción de los cuatro aspectos que constituyen su esencia: la voz humana, la palabra en música, el gesto escénico y la puesta en escena de la pasión.
Cuando Manuel Patricio García (1805-1906), hijo del tenor Manuel del Pópolo García –primer Conde Almaviva en Il barbiere di Siviglia de Rossini– y hermano de la mezzo­soprano María Malibran y de la contralto Pauline Viardot, publicó su Tratado completo del arte del canto, pretendía, precisamente, proponer a los lectores una herramienta útil para comprender y practicar la más exigente y perfecta forma de poesis: el canto operístico surgido de los preceptos del bel canto.

From the moment when early musical dramas started being performed in the Italian accademie of the early Seicento, opera has been the genre which best describes the European cultural identity beyond linguistic, territorial and national differences. Direct political intervention facilitated at times its diffusion, while several subgenres sprang out of each national dramatic substrate, from the masque or the ballet de cour to the Singspiel or the zarzuela. Its development was therefore double, taking place both at the alta cultura and at the popular culture levels. Its reception is determined by the rite involving those who attend and those who sing or play in each performance, as well as by the distance imposed by the fourth wall, but is consistently defined by four aspects: the human voice, the word in music, the dramatic gesture and the performance of passion on stage.
When Manuel Patricio García (1805-1906), María Malibran and Pauline Viardot’s brother and the son of the first Count Almaviva in Rossini’s Il barbiere di Siviglia, first published his Traité complet de l’art du chant, he was trying to offer a tool useful to understand and to put into practice the most demanding and perfect form of poesis: the bel canto operatic singing.

Esta obra pretende ser un manual, un libro de consulta para el estudiante, el investigador y el aficionado y amante de la música de Bach. Con este fin proporciona los datos técnicos de cada obra, con la traducción de los textos de toda la música vocal de Bach (incluidos los corales y canciones), ofrece el estado de la investigación al comenzar el siglo XXI sobre la gestación y cronología de cada obra, y concluye con una descripción y análisis musical de las alrededor de 2.500 entradas que el catálogo de «incipits» contiene. Todo ello completado con más de 400 ilustraciones musicales. Este volumen, dedicado a la música vocal (núms. 1 a 524 del catálogo de Bach redactado por W. Schmieder), se verá en un futuro próximo completado con todo lo relativo a la música instrumental, encontrando así un puesto al lado de los de Mozart, Beethoven y Brahms dentro de la colección Cátedra/Clásica.

1ª edición.

Un recorrido detallado, de la mano de los mejores guías, por la música y la vida de Bruce Springsteen.

«El mundo era un poco mejor cuando lo habitaba John Coltrane», escribió Charles Lloyd.
John Coltrane se confió raras veces a los periodistas; desconfiaba de que las palabras pudieran expresar lo que podía decir con su música. Su intensa calma y su extremada modestia, en contraste con la fuerza y la determinación de su música, confiere a estas entrevistas un carácter particular. Leer aquí las propias palabras de Coltrane (durante esas conversaciones con Michel Delorme en 1962 y 1963 y en una magnífica carta a Don DeMichael) es una manera excelente de acercarse lo máximo posible a lo más inexpresable e indecible de su música… «The rest is music».
[Traducción de Isabel Núñez].

En este libro el pianista encontrará respuestas concretas a muchos de los problemas interpretativos que suscita la música para teclado de los siglos XIV al XIX. La elección del tempo adecuado, la realización de la ornamentación, las decisiones con respecto a la digitación o el mejor modo de articular un determinado pasaje son sólo algunos de los aspectos que aborda Howard Ferguson desde una perspectiva eminentemente práctica. Con profusión de ejemplos musicales y tablas explicativas, el libro ayuda a comprender mejor formas musicales antiguas, concebidas en muchos casos para instrumentos muy diferentes del piano moderno. Planteado como una guía sistemática que permite hallar fácilmente la solución a los diferentes problemas que asaltan al intérprete ante la ejecución de una nueva obra musical, La interpretación de los instrumentos de teclado es una herramienta imprescindible para poder situar piezas musicales renacentistas, barrocas, clásicas y románticas en el contexto histórico adecuado.
ÍNDICE: Prefacio. 1. Los instrumentos.- 2. Tipos y formas musicales.- 3. Tempo.- 4. El fraseo y la articulación.- 5. Digitación.- 6. Convenciones rítmicas.- 7. Los «tonos» o modos.- 8. Ornamentación.- 9. Problemas de los pianistas.- 10. Problemas del editor.- 11. Lecturas recomendadas.- 12. Algunas ediciones modernas.. Índice analítico..
Howard Ferguson (1908-1999), compositor, intérprete y musicólogo, fue nombrado miembro honorario del Corpus Christi College, Cambridge.

¿Cómo actúa la música sobre los sentidos para despertar sentimientos de alegría, tristeza, entusiasmo o nostalgia? Aunque el sentimiento y la emoción desempeñan un papel vital en la composición, interpretación y apreciación de la música, son elementos a los que se ha prestado una atención insuficiente. Charles Rosen se basa en su dilatada experiencia como reconocido intérprete y crítico para exponer de qué recursos estilísticos y técnicas se han servido grandes compositores como Bach, Chopin, Schumann, Wagner, Liszt, Puccini, Stravinsky, Berg… para comunicar emociones de formas misteriosamente bellas.
“Los conocimientos de Rosen, su vasta cultura, prestan a sus interpretaciones una intensidad y una validez que demuestran que, lejos de apagar la espontaneidad, la cultura la enriquece. Precisamente esta combinación de cultura y pragmatismo es lo que hace tan excepcional su personalidad. En último término, también es lo que le convierte en un pedagogo ideal, en el sentido más amplio y menos pedante del término.” (Pierre Boulez).
Charles Rosen es un pianista y musicólogo reconocido internacionalmente. Ha publicado también (en Alianza editorial) El estilo clásico y Notas de piano.