Tras el éxito de Jazz Covers, este épico volumen lleno de ritmo reúne más de 500 cubiertas legendarias de la época dorada de la música afroamericana. La psicodelia le da la mano al Black Power, la liberación sexual se une a la consciencia social y el retrato callejero se combina con los dibujos fantásticos en esta deslumbrante antología visual del funk y el soul.

Esta recopilación, que incluye portadas tanto clásicas como excepcionales, conmemora la capacidad de estas obras de arte de captar, además del interés del comprador, todo un espíritu musical. Descubra entre sus páginas los diseños brillantes, atrevidos, disparatados y realmente hermosos que los admiradores se morían por tener en sus manos cuando artistas como Marvin Gaye, James Brown, Curtis Mayfield, Michael Jackson o Prince cambiaron el mundo con sus sonidos únicos e inolvidables.Funk & Soul Covers, que incluye entrevistas con figuras clave de la época, también ofrece el contexto cultural y el análisis del diseño de muchas de las cubiertas discográficas seleccionadas.

En las letras del flamenco hay un poso de rebeldía, fruto de un origen de persecución y marginación. Arte oral, preservado durante mucho tiempo en el seno de las grandes dinastías gitanas andaluzas, se ha transmitido de generación en generación, fundamentalmente en el ámbito familiar y en el barrio.
 
Del duro trabajo en el campo y las noches en vela cantando para los señoritos en las ventas, los flamencos pasaron a los tablaos y los festivales veraniegos, y después a los teatros. Hoy, los profesionales del arte jondo gozan de mayor consideración social que nunca, aunque en el camino se hayan perdido muchas cosas.
 
La crónica de esta evolución la hacen aquí sus propios protagonistas: Antonio Mairena, El Sordera, Farruco, Juan Habichuela, Juan Varea, Rancapino, Fernanda de Utrera, Enrique Morente, Paco de Lucía..., figuras incuestionables del flamenco cuyos testimonios ha recogido Alfredo Grimaldos en este libro que, con ritmo periodístico y rigor en clave de tragicomedia, transita desde la pena de la seguiriya al envolvente compás de las alegrías de Cádiz.

Weber traslada al ámbito musical su análisis de los procesos de racionalización. Con su erudición característica realiza el análisis y la comparación entre las músicas antiguas y la armonía occidental. Analiza también los sistemas de músicas no occidentales como las melodías griegas, indias, africanas o chinas. El autor incide en que todo sistema musical entraña elementos fundamentales que escapan al proceso de racionalización. Estas cuestiones se ven reflejadas en el estudio de los intervalos, las escalas o los instrumentos musicales, como los de cuerda o teclado, y los cambios que sufren a lo largo de la historia. Los factores causales responden además de al contexto cultural, a la posición social de músicos y/o intérpretes.

Este esmerado método es un curso exhaustivo en un único volumen para aprender a tocar los principales estilos: música clásica, jazz, rock, latina y contemporánea. Va dirigido tanto a principiantes como a aquellos que tengan más experiencia, trabajando con o sin profesor.
El libro proporciona una instrucción progresiva en todas las áreas de la técnica, incluyendo la postura, la digitación, el empleo de los pedales, escalas, y ejercicios. Introduce muchas obras clásicas del repertorio del instrumento, con consejos para el aprendizaje y la interpretación. El libro usa un acercamiento fresco y original al piano, y enseña a tocar música clásica junto al jazz y al rock, mostrando su terreno común en las técnicas de improvisación y composición en la historia que comparten.
Los mismos elementos de teoría pueden aplicarse a la interpretación de los clásicos y creando jazz, bebop, fusión y música experimental.
El libro incluye un CD de audio con ejemplos y piezas seleccionadas. El Curso Completo de Piano le prepara no solo para tocar, sino también para interpretar y no solo como pianista, también como músico.

Cuando se cumplen 25 años de la publicación de esta autobiografía y 20 del fallecimiento del músico estadounidense Frank Vincent Zappa (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993), aparecen por fin en castellano sus memorias.
Es «la verdadera historia» porque su autor lo emplea como ariete para demoler las fábulas pueriles que circulaban sobre su vida. Zappa nos cuenta el arranque, el nudo y el desenlace de su accidentada experiencia musical, narra a cuchillada limpia sus debates con el puritanismo censor y denuncia las patrañas que mandarines y mandamases arrojan sin descanso a la credulidad pública. Su agudo olfato detectó siempre el olor a boñiga.
Aquí asistimos a disparatados encuentros con eminencias como Mick Jagger, Eric Clapton, Jimi Hendrix, John Wayne o Al Gore y su edificante esposa; presenciamos con deleite mirón las curiosas gimnasias sexuales de unas señoritas aficionadas a la carne roquera contemplamos las vergüenzas de un juicio grotesco en los tribunales de la monarquía británica o de una estrafalaria inquisición en el Senado estadounidense; oímos sabios consejos para instruir a la infancia en el racionalismo escéptico y el higiénico rechazo de todos los dogmas eclesiásticos… Aquí se revientan los empalagosos cánones de la memoria pop para construir una reflexión ineludible sobre nuestro tiempo y nuestra necedad.
«Voy comprendiendo ya que resumir la vida y la obra de Zappa en unos párrafos es literalmente imposible y también inútil: les recomiendo que lean el libro. Tampoco se me ocurre una cosa mejor en la que gastar veinte euros, salvo quizá adquirir unos cuantos álbumes de esa inmensa discografía que es, tal vez, la más copiosa, variada y portentosa del último medio siglo en cualquier género. La imaginación musical de Zappa no daba abasto: había años en que llegaba a publicar cuatro, cinco o seis discos (la cosecha entera de muchos otros músicos), como si de algún modo supiera que el tiempo que le quedaba por delante era muy poco y hubiera decidido adelantar el trabajo.» ( David Torres, Publico.es).
• Frank Zappa, compositor incansable, lúcido e intransigente con el tedio, su trayectoria fue una constante explosión creativa. Disparó más de 70 discos cargados de sosa cáustica contra las cabezas de todos los títeres que, a izquierda y derecha, asolaban o aburrían el jardín americano.
Pero su gran contribución al paisaje de nuestro tiempo consistió en cebar esos proyectiles con una pólvora estética que aglutinaba las influencias más diversas, desde la atonalidad al doo-wop, pasando por Stravinsky, Stockhausen, Mingus o Bob Marley. Tanto su obstinada desobediencia como la nota compleja extensión de su obra lo han convertido en una pieza insustituible de la cultura contemporánea y, desde luego, en una anomalía para las liturgias del rock reglamentario.
Fue literalmente ex-céntrico y murió en Los Ángeles el cuatro de diciembre de 1993.
• Traducción: Manuel de la Fuente y Vicente Forés.

“‘La discusión sobre la identidad en Latinoamérica sigue ocupando un espacio de debate en el momento actual’, afirman Consuelo Carredano y Victoria Eli,
editoras-autoras del volumen. Ellas mismas manifiestan en la introducción que ‘el análisis del hecho musical ha sido abordado como proceso cultural íntimamente vinculado con las corrientes del pensamiento estético, los movimientos sociopolíticos e identitarios y los avances científicos y tecnológicos’. Con cautela y un punto de audacia, este libro nos orienta con clarividencia sobre las claves de un territorio musical mucho más cercano a partir de ahora”.
Juan Ángel Vela del Campo
(director de la colección)

Las 88 teclas del piano —52 blancas y 36 negras— han sido la base sonora sobre la que la mayoría de los compositores han probado y escuchado por primera vez sus melodías antes de llevarlas al pentagrama. Desde su invención en los primeros años del siglo XVIII hasta hoy, el piano ha sido protagonista indispensable de la música. El piano: 52 + 36 presenta un panorama de su evolución, sus características y modelos, fabricantes, compositores, escuelas e intérpretes, en el que también se tiene en cuenta la producción española, llenando así una laguna frecuente en la bibliografía extranjera. Ofrece al aficionado a la música, a cualquier lector interesado, no sólo la posibilidad de encontrar en él datos contrastados, clarificación de aspectos concretos y lúcidas observaciones; lo enriquecen incontables vivencias y pormenores que su autor ha ido recogiendo durante una prolífica vida profesional vinculada a la música y que hacen de su lectura una verdadera delicia de amenidad y erudición.

“Mañana por la tarde, Su Alteza Real el Señor Príncipe hará recitar una comedia. Será cosa singular en el sentido de que todos los interlocutores hablarán en música”, así anunciaba un caballero llamado Carlo Magni el 23 de febrero lo que aquel carnaval de 1607 traía de nuevo: al día siguiente se estrenaba “ La fábula de Orfeo”, de Claudio Monteverdi, y nacía así la primera obra maestra del lenguaje operístico.
¿Cómo era esta nueva concepción expresiva del canto? En cuatro actos y una obertura Laia Falcón, profesora y cantante soprano, relata la mágica historia de la ópera desde su nacimiento a principios del siglo XVII hasta nuestros días. Por ella desfilan sus escuelas nacionales, sus grandes figuras, sus dilemas, su desarrollo, su público… en una vívida narración que, de un lado, es rica en detalles y curiosidades y, de otro, sitúa este arte en el contexto cultural de su tiempo. Es, en suma, una apasionante introducción a uno de los géneros más vitales de la música.