Los textos que aquí se presentan trazan un recorrido a través de algunos de los episodios más emblemáticos y sugerentes de la Divina comedia. Retomando la tradición centenaria de la lectura Dantis —cuyo iniciador fue el mismísimo Boccaccio—, este libro reúne las conferencias que nueve especialistas en Dante Alighieri impartieron a lo largo de 2021 en diferentes espacios culturales de Madrid, donde ocurrió algo sin precedentes en el dantismo internacional: el proyecto «Madrid città dantesca», impulsado por la Asociación Complutense de Dantología, el Círculo de Bellas Artes y el Instituto Italiano di Cultura, a propósito de la celebración del séptimo centenario de la muerte del Sommo poeta.

A un siglo vista de la publicación de Orígenes del español (1926), la obra magna de Menéndez Pidal que pone las bases científicas de la historia lingüística de España, este libro representa un giro interpretativo respecto a varios de sus planteamientos centrales y desarrollos posteriores. A partir de un corpus de más 20.000 elementos extraídos de gran número de fuentes árabes y latinas que van de los más de mil documentos mozárabes de Toledo a los cartularios y códices del norte cristiano peninsular y de las tierras recién reconquistadas, se establece que el espacio románico que va del Duero o el Medio Ebro a Gibraltar, de la orilla atlántica a la mediterránea de la Península, no constituyó, en época de orígenes, un mundo lingüístico uniforme inmovilizado en el arcaísmo, una suerte de réplica sine die —inverosímil— del romance primitivo que se hablaba al final del reino visigodo, en vísperas de la debacle histórica de 711. Y, entre muchas otras cosas, se demuestra que ese romance al que dio en llamarse mozárabe (hoy se abre paso la absurda expresión romandalusí), un tablero románico con variantes dialectales bastante definidas, no funcionó como puente de unión entre el oriente y el occidente peninsulares, una idea sin fundamento que ya era clave de arco de la interpretación pidaliana antes de los Orígenes de 1926.
Pero hay aquí más y en distintos planos. Porque, al superarse la falsa premisa de dos Españas resultantes de la invasión árabe, opuestas en lo romance como blanco frente a negro, se hace la luz sobre un gran paisaje inexplorado (las tres cuartas partes del territorio situadas bajo el paralelo 42º N), lleno de fenómenos sorprendentes por sus conexiones con el arco cristiano-latino del norte. Todo ello obliga a replantear también, sobre bases más objetivas, el papel del románico que preexistía a los movimientos de reconquista no solo en el área central, sino también en la occidental (gallegoportuguesa) y en la oriental (sudcatalana, valenciana y balear) de la Península Ibérica.

Giorgio Agamben lee la famosa novela de Collodi, evitando las habituales interpretaciones esotéricas en favor de una «iluminación profana» donde el cuerpo y la imaginación se compenetran.
Después de «La locura de Hölderlin», Agamben realiza una lectura del libro más leído y traducido de la literatura italiana «Pinocho». Y lo hace reformulando radicalmente las interpretaciones esotéricas de las aventuras del títere, de la muerte al renacimiento, de la metamorfosis del burro a ser tragado por el vientre de la ballena. El libro resultante no es un cuento de hadas, no es una novela, no es atribuible a ningún género literario, al igual que su protagonista, que no es ni un animal ni un niño, ni siquiera es un «quién», sino solo un «cómo»:es, en el sentido más estricto de la palabra, una salida o un escape, tanto de lo humano como de lo inane -por eso no hace más que correr-, y cuando al final se detiene está perdido.

El estudio de la lírica profana y religiosa –mecenazgos literarios, estudios ecdóticos y comparados– se combina con diversas aproximaciones orientadas al estudio históricofilológico del patrimonio (socio) lingüístico y textual en los ámbitos historiográfico, documental, jurídico, ficcional y religioso recreados a lo largo del periodo medieval y durante los primeros siglos de la Modernidad. El volumen ofrece, además, la transcripción de un pequeño conjunto de textos en gran medida desconocidos que podrán contribuir al estudio de la literatura medieval gallego-portuguesa. Por último, no faltan las contribuciones, de naturaleza descriptiva o metodológica, relacionadas con el ámbito de las Humanidades Digitales, en particular, las que contextualizan el estado actual de la investigación en las diferentes bases de datos bio-bibliográficas integradas en PhiloBiblon: BETA, BITECA y BITAGAP. Esta obra, precisamente, sirve de merecido reconocimiento a la labor investigadora de Harvey L. Sharrer.

Es difícil encontrar obras que nos enfrenten a las dudas, inquietudes e incertidumbres inherentes al proceso creativo con el ingenio y la capacidad de alumbrar que encontramos en Breves erizos verdes, un librito imprescindible para toda persona que guste no solo de escribir poesía, sino de comprender la voluntad que reside en cualquier acto de creación artística. Esta obra se inclina hacia nuestro oído para susurrarnos algunos secretos con la voz de la amistad, invitándonos a despojarnos de prejuicios, inseguridades y temores que circundan a la escritura en general, aunque el autor haya querido presentarlo como una guía no teórica para escribir poemas. Con una prosa depurada, limpia y sin pretensiones, Breves erizos verdes se convierte sin quererlo en una gran poética (entendida esta como una explicación de la poesía), pero también en una confesión amena, esencial y generosa de aquellas aristas que se anteponen entre el poeta y el poema justo antes de que este germine en forma de palabras, logrando con ello un iluminador ejercicio de sabiduría literaria.
A través de 50 consideraciones elementales, con un estilo ameno y personal, "Breves erizos verdes" invita a pensar en la poesía en un momento anterior a la escritura del propio poema. Una reflexión sobre la poesía, pero también sobre la vida. Algunos de los capítulos de este libro son: Definición de poesía · Utilidad de la poesía · Paladear una lengua con la lengua · El poeta del dedo índice · Finalidad de la poesía · “Poesía eres tú” · Ubicuidad de la poesía · Humildad de la poesía · Sobre la técnica · Sobre la métrica · Sobre la rima · Figuras retóricas: mito o realidad · Superación de la métrica · Sobre la tradición · Poesía y realidad · Poesía y verdad · Poesía y pudor · Poesía y naturaleza · Poesía y religión · Poesía social · Sobre el estilo personal · Sobre la voz personal · Sobre la honestidad literaria · Recitar un poema · Talento: cómo saber si lo tengo · Ser o no ser · Factores extrapoéticos · Carrera poética · Sobre la crítica · ¿Es posible traducir la poesía?...

A la espera aborda la poesía de José Jiménez Lozano. Recorre sus nueve poemarios y los últimos dietarios en los que deslizaba algunos poemas para trazar las líneas maestras de su escritura en verso. La estrecha relación que guarda lo memorístico y lo biográfico con lo poético; su concepción del hecho literario como don y la manera en que esto afecta a su obra; lo crucial de la sencillez y de lo que podríamos nombrar como estética jansenista ; del uso del símbolo para construir un lenguaje que nombre el mundo; del rechazo a toda sistematización del pensamiento que encorsete la realidad y del diálogo que en sus versos mantiene con autores y libros de todas las épocas. La obra de Jiménez Lozano está atravesada por tensiones que, al emerger en el texto, han alumbrado dos etapas o momentos poéticos distintos. La primera, compuesta por los libros Tantas devastaciones (1992), Un fulgor tan breve (1995) y El tiempo de Eurídice (1996), está marcada por una concepción aciaga y trágica tanto del tiempo biográfico como del histórico. El tiempo aparece en un gran número de poemas como una fuerza inexorable que acaba con la vida, la belleza y la memoria. La segunda etapa comprende los poemarios que publica a partir del año 2000, en los que se impone un tono celebrativo que vendría dado por la posibilidad de que todo el mal, el azar y la injusticia que se han cometido a lo largo de la historia humana puedan ser restituidos. Esta posibilidad está sustentada por una revisión o segunda vuelta sobre la historia que es, según la doctrina cristiana, la esperanza de un Juicio Final.
Raúl E. Asencio (Aspe, 1993) es editor, escritor y profesor. Coordina el sello La Caja Books ; se doctoró en la Universidad Complutense de Madrid con una tesis sobre la poesía de José Jiménez Lozano e imparte clases de técnicas narrativas en el máster de Escritura Creativa de la unir. Obtuvo el Premio Complutense de Literatura con su poemario Horizonte de sucesos (Ed. Complutense, 2021). Es colaborador habitual en revistas de crítica literaria como Turia o Temblor.

Este ensayo trata de reflexionar sobre esa pulsión apocalíptica que está dejando su huella en un sinfín de manifestaciones culturales del presente. Sobre nuestra ten¬dencia a percibir cualquier acontecimiento de la actualidad desde un sentimiento catas¬trofista. Sobre la sensación tan conocida y recurrente de vivir al final de una época, al borde del caos y la definitiva aniqui¬lación de todo. A través de la lectura de un amplio corpus de novelas españolas Post 11-S, pero sin olvidar las numero¬sas conexiones que estas establecen con otras manifestaciones artísticas, audiovi¬suales y plásticas fundamentalmente, se pasa revista a los motivos temáticos más recurrentes de la ficción apocalíptica, al tiempo que se analizan las estrategias discursivas de las que dichas ficciones echan mano. Se establece así una sutil correspondencia entre esa estereotipada cartografía del desastre y la ruina y una serie de recursos formales relacionados con la construcción (o, mejor, deconstruc¬ción) del relato, igualmente frecuentes en la última narrativa. Novelas formalmente rotas o extremadamente fragmentadas son así la perfecta representación de un mun¬do en descomposición. Pero, sobre todo, este ensayo se propone demostrar cómo en muchas ocasiones el género de la dis¬topía ha ido perdiendo la carga política y moralizante que le es propia, a través de un progresivo proceso de estetización que ha hecho del apocalipsis un auténtico espectáculo, tan fascinante como tentador.

En este libro, son los propios letristas quienes cuentan lo que es el letrismo. O dicho de forma más precisa, los textos aquí reunidos presentan el letrismo a través de su historia y de sus acciones, visto y vivido por la fracción más decidida a llevar la agitación mucho más allá del dominio separado del arte.
Partidarios de una suerte de comunismo literario que incluía el desvío ?el plagio es necesario, está implícito en el progreso; la poesía debe ser hecha por todos?, lógicamente los letristas internacionalistas practican la escritura colectiva. Tal es el caso de los textos aquí reunidos, que datan de 1953, 1955 y 1956. «¿Por qué el letrismo?» se publicó en septiembre de 1955; «Rostros de la vanguardia» (1953) e «Historia de la Internacional Letrista» (1956) habían permanecido inéditos hasta 2010.

El filósofo y miembro de la Academia Francesa Alain Finkielkraut analiza, de la mano de algunos de sus autores favoritos como Milan Kundera y Philip Roth, la manera en que el poder otrora formativo de los grandes autores y obras del canon literario de Europa se va disolviendo bajo la sobra del pensamiento único de lo políticamente correcto de la sociedad actual: un recorrido por la «cultura de la cancelación» desde el impacto del #MeToo al movimiento Black Lives Matter y los nuevos ecologismos.

«Hemos entrado en la edad de la posliteratura. El tiempo en que la visión literaria del mundo tenía un lugar en el mundo parece estar cumplido para siempre. No es que la inspiración se haya agotado súbita y definitivamente. Siguen escribiéndose e imprimiéndose libros de verdad, pero no "imprimen". Ya no tienen ninguna virtud formativa. Se dirigen a lectores que, desde antes incluso de entrar en la vida, se niegan a que se les cuente y miran la Historia y las historias con la inteligencia soberana que les confiere la victoria total sobre los prejuicios. Neofeminismo simplificador, antirracismo sonámbulo, recubrimiento metódico de la fealdad y de la belleza del mundo mediante las ecuaciones del pensar calculador, negación obstinada de la finitud: en su lucha contra la mentira, el arte está perdiendo la partida.» Alain Finkielkraut

A pesar de las encomiásticas apreciaciones que a Cervantes se vienen brindando por doquiera, el Quijote y su condición de novela moderna continúa constituyendo una materia controvertida dentro y fuera de la filología española. En Políptico cervantino. Cervantes y la novela moderna se acomete un análisis de algunas de las características propias del género de la novela que confieren al Quijote y el Persiles su calidad de novelas modernas. Partiendo de la conciencia autorial de Cervantes, se examina aquí, desde nuevas perspectivas, su concepción de la novela y su esmerado empeño por subvertir las viejas fórmulas narrativas. Al análisis de la concepción del realismo literario, según lo han definido desde Aristóteles a estudiosos recientes, se atiende especialmente a la técnica cervantina de la transmutación del idealismo en realismo por medio de los relatos intercalados en el Quijote. Como testimonio de la modernidad de sus novelas, Políptico cervantino revisa asimismo la perenne actualidad estética y filosófica de estas a lo largo de los tiempos: en las interpreta¬ciones filosóficas de autores posteriores, tales que Lord Byron, Galdós, Maeztu y Fuentes, y en su validez como modelo estético de novelas desde los grandes novelistas ingleses del Dieciocho hasta Azorín, Unamuno o Borges. El Quijote se revela así no solo como ejemplo prístino del género, sino como modelo primero de novelas. El volumen se cierra con un apartado sobre la asimilación del Quijote en la cultura universal por medio de sus traducciones y adaptaciones cinematográficas. Políptico cervantino aporta una visión original al estudio de las novelas de Cervantes en cuanto arquetipos y ejemplos paradigmáticos del género de la novela moderna.