• Edición de J. Enrique Duarte (ed.).
• Colección Ediciones críticas, 216.

El presente volumen ofrece la edición crítica de dos nuevos autos sacramentales de Lope de Vega: Las hazañas del segundo David y El Misacantano, dentro del proyecto Autos sacramentales completos de Lope de Vega.
El primero de los autos sacramentales, Las hazañas del segundo David, se basa en el manuscrito autógrafo de Lope que Juan Bautista Avalle-Arce y Gregorio Cervantes Martín descubrieron y estudiaron (1979 y 1985). Este auto está fechado en 1619 y fue representado por la compañía de Tomás Fernández de Cabredo. En esta publicación se realiza un exhaustivo análisis textual de todos los testimonios encontrados hasta la fecha, donde muchos de ellos atribuyen esta pieza sacramental a Calderón, lo que es indicio de la calidad literaria alcanzada por Lope en esta obra. El auto sacramental basa su plano historial en la derrota de Goliat a manos de David para construir una potente alegoría que todavía emociona en su lectura.
El segundo de los autos sacramentales, El Misacantano, es una obra temprana, fechada por la crítica en torno a 1588-1595 y publicada en Fiestas del santísimo sacramento (Zaragoza, 1644). No ha sido esta obra muy apreciada por la crítica (Menéndez Pelayo y Aicardo), quizá debido al estado en el que se nos ha transmitido, por lo que ha sido necesario realizar una depuración textual corrigiendo, en la medida de lo posible, lecturas erróneas. La alegoría se basa en los ritos de la misa, donde el plano historial corresponde a la pasión, muerte y resurrección de Cristo, estructura que tendrá influencia en autos posteriores de Calderón comoLos misterios de la misa.

• Edición de Claudia Demattè, María Moya García, Enrico Di Pastena y Josefa Badía Herrera.
• Colección Ediciones críticas, 217.

El mariscal de Virón, La toquera vizcaína y Amor, privanza y castigo completan la publicación, con el cuarto volumen de la serie, de las doce comedias del Primer tomo de comedias (1635) de Juan Pérez de Montalbán. Discípulo privilegiado de Lope de Vega e hijo de uno de los libreros más importantes de Madrid de principios del siglo XVII, el dramaturgo gozó, en su breve vida, de un amplio éxito en las tablas y merece de derecho un puesto central entre los autores más significativos del Siglo de Oro.

Rafael Alarcón Sierra: La triple labor traductora de Manuel Machado: poesía simbolista, adaptaciones teatrales y obras de encargo — Andrew A. Anderson: Ricardo Baeza, traductor “omnímodo y omnívoro” — Irene Atalaya: Alberto Insúa, la estética del creador en la traducción — Víctor Manuel Borrero Zapata: “Más Fernández que Ardavín”: el traductor a escena — Assumpta Camps: Carmen de Burgos (Colombine): la labor como traductora de una escritora “excéntrica” de la Edad de Plata de la literatura española — María Jesús García Garrosa: Eduardo Marquina, ¿traductor a su pesar? — Soledad González Ródenas: “Una caja de resonancias”: Juan Ramón Jiménez, traductor — Francisco Lafarga: Cipriano Rivas Cherif: un escritor y un traductor eclipsados por el director de escena — Miguel Ángel Lama: Enrique Díez-Canedo en los cercados ajenos — Christian Manso: José Martínez Ruiz, Azorín: la estrategia de la mediación — Noelia Micó Romero: María Luz Morales: del periodismo a la traducción — Emilio José Ocampos Palomar: Marcos Rafael Blanco-Belmonte: construir una poética de lo humilde desde la traducción a la creación y viceversa — Marta Palenque & Estefanía Orta Carrique: Entre la admiración y el plagio: Francisco Villaespesa y la traducción — Luis Pegenaute: Salvador de Madariaga: creación, transcreación, traducción y autotraducción — Alicia Piquer Desvaux: Las “variaciones” de Jorge Guillén: otra manera de entender la traducción poética — Alicia Piquer Desvaux: Pedro Salinas: su vertiente como traductor, crítico y ensayista — María Rodríguez Cerezales: “Dos poetas: el mismo y el diferente”: Gerardo Diego traductor — Juan Miguel Zarandona Fernández: Los talentos desapercibidos de Manuel Azaña: introspección y curiosa unidad de su colección de obras de creación y traducción literaria.

La obra de José Ángel Valente (1929-2000) se presenta como amplia, compleja y enigmática, con una trayectoria situada siempre al margen de las corrientes, las modas y los grupos, en busca de un lugar que le sea propio a partir de las raíces mismas de la poesía lírica de Occidente. Se trata, sin duda, de una voz original, cuyo compromiso ético con la palabra poética sitúa al autor en el centro del espacio literario tanto ibérico como europeo y lo confirma como una de las mayores voces en lengua castellana del siglo XX. Este libro analiza de forma sistemática la labor poética de Valente desde su primer poemario A modo de esperanza (1954) hasta el póstumo Fragmentos de un libro futuro (2000). Una trayectoria extensa y compleja, que participa con cada entrega en la constitución y expansión de un universo estético e intelectual coherente, cuya profundidad de alcance se refleja también en la prolífica y refinada producción crítico-ensayística del poeta. El estudio se centra en el análisis hermenéutico del texto valentiano, en busca de una clave de lectura unitaria en la perspectiva de lo fragmentario. El resultado es una aproximación global y renovada a la obra de Valente, un análisis que consigue rescatar temas y posturas a veces considerados marginales y que, al mismo tiempo, ofrece al lector un sólido punto de entrada a una de las obras poéticas más importantes del siglo XX.
Stefano Pradel (1985) es doctor por la Universidad de Trento, donde trabaja con una beca posdoctoral en el campo de la poesía española contemporánea y la traducción. Ha sido profesor de Lengua Española y Literatura Española en la Universidad de Parma y sigue impartiendo clases de Traducción en el Instituto Académico para Intérpretes y Traductores (I.S.I.T.) de Trento. Ha traducido al italiano a Valente (No amanece el cantor), Américo Ferrari (Figura para abolirse) y Guillermo Carnero (Espejo de gran niebla), entre otros.

El testamento insular de Shakespeare y Cervantes (entre La tempestad y la ínsula Barataria)

Hacia el final de sus vidas, Shakespeare, en La tempestad (1611), su última obra teatral, y Cervantes, en la ínsula Barataria –el Quijote, Segunda Parte (1615)–, coincidieron en adoptar, curiosamente, un esce nario insular. A partir de esos legados, se busca recomponer la ardua fisonomía de unas islas inmersas en lo que Seamus Heaney llamó «los seculares poderes del tormentoso Atlántico»; acaso, porque, a diferencia del Mediterráneo (considerado, en ambas tramas, Tierra Firme de sus duques respectivos), no es un mar sino un Océano –o un mar medioceánico...–. Y se contrastan, para ello, materiales de autores insulares de diversas latitudes: cubanos, como Lezama y su Teleología de lo insular, N. Guillén o Sarduy...; antillanos de otras lenguas, como D. Walcott o A. Césaire, quien, en Una tempestad, reubicó la obra de Shakespeare en el Caribe; canarios, desde Cairasco a P. García Cabrera (El hombre en función del paisaje)..., o irlandeses, como Joyce, Beckett o el propio Heaney, quienes, desde su común trastierro, argumentaron la imposibilidad de abandonar la isla. La misma preeminencia del espacio (geográfico) e irrelevancia de lo temporal (histórico) que Cervantes y Shakespeare otorgan a sus islas, se observa, en efecto, en esa vasta región acuática que Breton canonizó como Meca del surrealismo.
A. P.

Antonio Puente (Las Palmas de Gran Canaria, 1961) es escritor, periodista y crítico literario. Especializado en periodismo cultural, ha colaborado, y colabora, en diversos medios de difusión nacional como El País, La Razón, Abc, y en los periódicos canarios La Provincia y La Opinión de Tenerife. También en revistas literarias como El Urogallo, Syntaxis, Quimera, Serta, Fetasa, Cuadernos del Ateneo, Frontera-D, Fogal… En poesía, ha publicado Contrazul (1994), finalista del Premio Internacional Ciudad de Las Palmas; Agua por señas (2007), en la colección Atlántica de Ediciones Idea; Sofá de arena (2008), Premio Pedro García Cabrera, y Ojos de garza, en Mercurio Editorial (2015). Sus versos aparecen también en diversas antologías y en el libro colectivo La fiesta innombrable (Baile del Sol). Es autor de numerosos ensayos, entre ellos De una poética de la escisión. Domingo Rivero en su «oficina del mar», en Mercurio Editorial (2016), o, publicados en libros de varios autores, Poesía y posmodernidad, Crítica de la razón comunicativa, El bestiario en la poesía canaria o Metáforas de la insularidad.

Miguel Pérez Ferrero (1905-1978) fue destacado cronista y crítico de los años 20 y 30, una época de esplendor cultural con tres generaciones de escritores en activo. A través de sus artículos, seleccionados y reunidos por primera vez en este volumen, Pérez Ferrero fue dejando constancia de los acontecimientos literarios y culturales más señalados, lo que incluye no solo la publicación de libros, sino la aparición y desaparición de revistas, las visitas y viajes de escritores, las polémicas entre creadores, los banquetes, fiestas, homenajes y conferencias, las entrevistas y reportajes sobre tendencias literarias, los tejemanejes editoriales o las glosas de autores notables, y también de los olvidados. Reviven en estas páginas hitos significativos de esa época como el tupido entramado de relaciones entre los integrantes de la vanguardia española, la moda de la literatura biográfica, el ascenso de la literatura comprometida, el impacto de Freud o del cine, las polémicas en torno al género novelesco o la poesía pura, el auge del romanticismo o las conmemoraciones centenarias de Lope de Vega o Bécquer. 
Juan Herrero Senés es profesor titular de literatura española en la Universidad de Colorado Boulder. Sus principales áreas de investigación son la literatura de vanguardia, la historia intelectual del modernismo europeo y la ciencia ficción temprana. Editor de Benjamín Jarnés, Miguel de Unamuno, Lluís Montanyà y Edgar Neville, en esta misma editorial ha publicado recientemente Charlas de actualidad. La literatura española al filo de 1930 en 50 entrevistas de época y Entre tiempos y espacios. Artículos en The Criterion y La Nación de Buenos Aires (1926-1943) de Antonio Marichalar.

Margo Glantz es una de las intelectuales más brillantes de nuestro tiempo que, desde el ámbito del humanismo y con sus más de treinta libros publicados y su intensa actividad en Facebook y en Twiter, ha ofrecido un nuevo cariz a la narrativa y ha asentado sólidas bases en el ensayismo.
Por ser un referente indiscutible de la cultura en lengua española surge Las ficciones heterodoxas de Margo Glantz. Visiones críticas en el que participan investigadores de reconocido prestigio de México, Brasil, Argentina, EE.UU., de países europeos y de no pocas universidades españolas. En estos ensayos se aborda la relación de la escritora con el contexto cultural mexicano y el latinoamericano, así como aproximaciones analíticas que giran en torno al mundo virreinal que la autora ha estudiado con profundidad y ha insertado con maestría en sus ficciones. No faltan referencias a su estilo tan característico, por su fragmentariedad, y a una escritura híbrida que se nutre de referencialidades que van desde lo literario hasta lo pictórico pasando por la música. Se abordan a su vez temas tan propios de nuestra autora como el autobiografismo, analizado desde diversas perspectivas, y el cuerpo. El libro se cierra con las palabras de Margo Glantz y su “Florilegio de sueños, ensueños, oráculos y narcisismos”. Las ficciones heterodoxas de Margo Glantz. Visiones críticas pretende que el lector se acerque al lúdico, deslumbrante, sutil, irónico, disidente, heterodoxo, complejo y poliédrico universo glantziano. Esto “es lo más bello de la escritura, la posibilidad de resucitar lo que desaparece”, Margo dixit.

Este libro establece un novedoso análisis e interpretación del Bhagavad Gita que aporta otra visión acerca de su concepción e importancia a partir de la revelación de las claves dramatúrgicas ocultas en sus páginas, exponiéndose el modo en que permitieron su escritura, a la vez que se desvela cómo ellas son portadoras de una teoría para el desarrollo de la invención artística y literaria. Desde este hallazgo el autor demuestra la existencia de principios universales que sustentan y posibilitan la creación. Esta circunstancia convierte a este volumen en una original poética dirigida a potenciar la creatividad teniendo como fundamento las leyes objetivas que inspiran la imaginación desde los orígenes de la humanidad. La vigencia inagotable de sus enseñanzas se evidencia además, en el Bhagavad Gita: el mundo es teatro, al demostrar la relación de su legado con las obras y el pensamiento de los grandes artífices de la historia de la cultura. De esta forma su lección se acrecienta siendo un testimonio de lo que permanece más allá de una época, y una prueba del poder de la estética, la fantasía, para la innovación, la transformación de la vida y el descubrimiento de la realidad.