* Reportaje fotográfico de los mineros bolivianos en Potosí: una realidad rigurosamente documental que refleja la vida cotidiana de los mineros, que no ha cambiado apenas en cinco siglos, y quienes gastan su breve existencia en arrebatar el precioso metal del vientre de la montaña. * Testimonios de los hombres, bajo tierra, pero también de las mujeres, guardianas de minas, que viven bajo el helado sol de los picos andinos. * Acompaña una novela negra que otorga un lugar privilegiado a las creencias ancestrales de los mineros, al inscribir su realidad en el contexto social de un mundo globalizado y entregado a la ley del más fuerte.
En 1545, los conquistadores españoles encontraron aquí el motivo de su viaje al nuevo mundo: la plata. A 4782 m, el Cerro Rico llevaba en su interior el yacimiento de plata más grande del mundo. A sus pies, una aldea, Potosí que, de la noche a la mañana, se desarrolló y se convirtió durante casi tres siglos en una de las ciudades más grandes y prósperas del planeta. El dinero del Cerro Rico, extraído a costa de millones de muertes entre los nativos reducidos a un tipo de esclavitud (con el sistema de la mita), irrigó por mucho tiempo las economías europeas, lo que favoreció la Revolución Industrial y su desarrollo económico. Todavía hoy en día, miles de mineros, agricultores indígenas en su mayoría que no tienen más remedio que abandonar una tierra que ya no los alimenta y hacen frente a los peligros y las enfermedades para trabajar en las minas, con la esperanza de ofrecer una vida mejor a sus hijos.
Para protegerse de los peligros a los que se enfrentan en cada momento en las entrañas de la montaña de plata (también de zinc y estaño) que, además, está al borde del colapso, los mineros honran al Tío, la deidad tutelar de arcilla con un sexo desproporcionado, al que consideran el ser supremo del inframundo, tan venerado como temido. Al honrarlo con hojas de coca, cigarrillos, alcohol y oraciones, el Tío podrá quizá revelar a los mineros dónde conseguir las buenas vetas a cambio de sus ofrendas ... y a veces, incluso, de sus almas.

* ¿Cómo se puede alcanzar y potenciar la creatividad en fotografía?
* El célebre escritor y fotógrafo Michael Freeman nos descubre el concepto del acceso (cómo acercarse al sujeto, cómo conseguir el mejor ángulo, la mejor oportunidad, la imagen perfecta) y nos muestra cómo aplicarlo en una amplia variedad de géneros fotográficos. * A través de diversos ejemplos de algunos de los fotógrafos más reconocidos a nivel mundial, este libro le ayudará a activar su motivación e inspiración para captar mejores fotografías.
Si realmente está interesado en la fotografía, tendrá que establecer una conexión con el sujeto o el tema y, para ello, necesitará acceder a él. Captar las imágenes que otros no pueden implica poder establecer una conexión con ese sujeto.
Incluye el trabajo de más de 30 fotógrafos de máximo nivel, entre ellos: Guy Bourdin, Cristina de Middel, David duChemin, Bob Mazzer, Cindy Sherman, W. Eugene Smith, Weegee y Garry Winogrand.

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Un retrato sincero de la excepcional relación entre los artistas plásticos más reputados del mundo y el colectivo fotográfico más aclamado del mundo. * Fotógrafos geniales y artistas plásticos geniales, con fotografías de Matisse y Picasso realizadas por Robert Capa, de Takashi Murakami por Olivia Arthur, de Warhol y De Kooning por Thomas Hoepker, y de Bonnard por Cartier-Bresson. * "Los retratos son lo único en lo que fotografía supera a la pintura". Henri Cartier-Bresson
Las imágenes de este libro proporcionan una visión diferente de la historia del arte moderno y contemporáneo que la de los museos al uso. Aquí vemos las salpicaduras y los residuos por los suelos, los espacios que sirven de hogar y estudio, las marcas que dejan la repetición de las obras y de tratamientos: no solo el diestro producto final. Lo que se nos da es una seductora visión de algunos de los artífices de muchas de las grandes obras de arte de las últimas ocho décadas, así como de los lugares y las circunstancias de su creación.
Un retrato sincero de algunos de los hombres y mujeres más influyentes que han dado forma a la cultura visual de los siglos xx y xxi.

* Una selección de la mejor fotografía de prensa del año 2019 presentada en el prestigioso concurso internacional World Press Photo, con un recorrido por los acontecimientos más destacados del año. * Impresionantes fotografías galardonadas según una categoría temática, como personajes, noticias, retratos, deportes y naturaleza, entre otros. * El concurso de 2020 atrajo a participantes de todo el mundo. Durante más de tres semanas, 17 profesionales analizaron con paciencia un total de 73 996 fotografías tomadas por 4282 fotógrafos de 125 países de todo el mundo, además de los proyectos del concurso de Narrativa Digital. World Press Photo 20 acerca el periodismo visual a un público global.
En cada una de las ocho categorías del concurso fotográfico se incluyen ganadores que abarcan una enorme gama de acontecimientos y temas, entre ellos fotografías hermosas de naturaleza y deportes. Este año destacan los diez ganadores dedicados a la causa de los efectos de la crisis climática, lo que demuestra la importancia del periodismo visual (en el que el reportaje y la imagen valen lo mismo) cuando se trata de llevar las historias que importan a un público global. El tiempo invertido en la investigación, el reportaje y la representación visual de un tema convierten una fotografía buena en una espectacular, como se muestra en las páginas de este libro.
El ganador del World Press Photo del Año es Yasuyoshi Chiba, fotógrafo de la revolución en Sudán, y la galardonada con el World Press Photo Historia del Año es Romain Laurendeau, que hace referencia a los enfrentamientos en Argelia.

Este libro no es un tratado sobre la fotografía como arte, ni mucho menos una historia sobre el tema. En este caso, Barthes se lanza a una especie de desciframiento del siglo expresivo, del objeto artístico, de la «obra» entendida como mecanismo productor de sentido. Toma como punto de partida unas cuantas fotografías, con el fin de descubrir «una ciencia nueva para cada objeto» y, a partir de ahí, deducir «el universo sin el cual no existiría la fotografía», esa «alucinación » que provoca falsedad en el ámbito de la percepción y verdad en el del tiempo.

EL ÚLTIMO GRAN TESORO FOTOGRÁFICO DE LA GUERRA CIVIL
Ocultas en el fondo de una casa de Sant Cugat del Vallès (Barcelona) a punto de ser derribada aparecen dos cajas rojas. ¿Qué habrá en su interior? Un descubrimiento totalmente inesperado: más de 5.000 fotografías que Antoni Campañà Bandranas (1906-1989) tomó durante los tres años de la Guerra Civil. Un enorme friso de la vida en guerra de uno de los grandes fotógrafos pictorialistas del país se despliega ante nosotros. Republicano, catalanista y católico practicante, Campañà retrata una realidad trágica y contradictoria, rica en matices, con contrastes a menudo dolorosos. Desde arcos de iglesias víctimas de la iconoclastia revolucionaria hasta retratos de ácratas tan atractivos que los propios anarquistas acabaron usándolos para hacer postales. Desde protestas por la falta de alimentos delante de la Pedrera de Gaudí hasta soldados del Tercer Reich desfilando por la Diagonal. Acabada la tempestad, Campañà enterró sus fotografías. No quiso que nadie las viera, pero no las destruyó. Un fotógrafo no puede renunciar a lo que sus ojos han visto e interpretado. ¿Para quién era aquel testimonio? Hoy, afortunadamente, es para todos nosotros.
El reportero Plàcid Garcia-Planas, el historiador Arnau Gonzàlez i Vilalta y el fotógrafo David Ramos han trabajado con este legado inabarcable para presentar la mejor selección y colocar a Campañà en el lugar de honor que le corresponde.

Margarita Ledo reflexiona sobre el cuerpo filmado, fotografiado, representado. En la era de los  " selfies " , cuando los " smartphones " han convertido la fotografía en un gesto cotidiano, proliferante y doméstico para todos nosotros, una pregunta pertinente puede ser ¿a quién, en verdad, estamos representando?, ¿qué buscamos poner en escena? Producimos sin cesar imágenes, las miramos, intentamos que las miren. Ledo se centra en este ensayo en la mirada femenina como perpetradora de actos artísticos y políticos, más allá de los ámbitos personal y emocional en los que la tradición y la norma han querido contenerla.

Cuando el fotógrafo alemán Peter Lindbergh retrató a cinco jóvenes modelos en el centro de Nueva York en 1989, creó no sólo la emblemática portada de enero de 1990 para la versión británica de Vogue, sino que firmó el certificado de nacimiento de las supermodelos. La imagen no se limitó a reunir por primera vez cinco rostros venerados, sino que marcó el inicio de una nueva era en la moda y una nueva manera de comprender la belleza femenina.

Coincidiendo con una importante retrospectiva en el Kunsthal de Róterdam (Países Bajos), este libro recopila más de 400 fotografías tomadas por Lindbergh a lo largo de cuatro décadas para rendir homenaje a su capacidad única y revolucionaria de narrar historias. Sus inconfundibles imágenes monocromáticas, sobrias y seductoras al mismo tiempo, incorporaban un toque romántico y descriptivo que aportó una nueva visión y talento artístico al mundo de la moda y el arte.

Considerado un pionero de la fotografía, introdujo un nuevo realismo al redefinir los estándares de belleza con imágenes intemporales. Ya sean retratos o poéticas composiciones de figuras y paisajes, sus creaciones utilizan un lenguaje cinematográfico y juegan con arquetipos femeninos en los que sus modelos adoptan poses de bailarinas, actrices, heroínas o mujeres fatales. Además, Lindbergh confiere a la fotografía un enfoque humanístico, priorizando la belleza natural y auténtica, en un momento en el que predominan los retoques, captando el espíritu y la personalidad tanto como el aspecto físico y rindiendo homenaje a la elegancia y la sensualidad de las mujeres maduras.

Como prueba de la gran reputación de Lindbergh en el mundo de la moda, sus imágenes van acompañadas de comentarios de colaboradores de la talla de Jean Paul Gaultier, Nicole Kidman, Grace Coddington, Cindy Crawford y Anna Wintour, quien eligió a Lindbergh para que realizara a fotografía de su primera portada del Vogue estadounidense. Los elogios explican por qué las imágenes de Lindbergh son únicas y tan poderosas.