Cuando Peter Bart llegó a la Paramount, de la mano de su amigo, y también recién llegado, el legendario Robert Evans, el estudio estaba languideciendo, lastrado por un catálogo poblado de películas que estaban desconectadas del espíritu de los tiempos, los dinámicos años sesenta. Cuando Bart abandonó la Paramount, en 1975, el estudio dejaba atrás una etapa extraordinaria, con títulos como “El Padrino”, “La semilla del Diablo”, “Harold y Maude”, “Love Story”, “Chinatown”, “Luna de papel” y “Valor de ley”. Pero esta nueva época dorada de la Paramount también estuvo marcada por el caos y la convulsión en los despachos. Drogas, sexo, presupuestos descontrolados, luchas de poder internas… incluso la mafia se infiltraron en estos rodajes, convirtiendo a la Paramount en uno de los estudios más impredecibles e incluso excéntricos de la historia de Hollywood. Bart reflexiona sobre el Nuevo Hollywood tal como lo vivió la Paramount, con detalles de iniciado y astutos análisis. Y desgrana sus recuerdos de los iconos de la época: Warren Beatty, Steve McQueen, Robert Redford, Clint Eastwood, Jack Nicholson, Marlon Brando, Al Pacino, Francis Ford Coppola, Roman Polanski y Frank Sinatra, entre otros. Durante más de cuatro décadas, primero desde dentro del sistema, desde los despachos de un estudio, y más tarde como director de “Variety”, Peter Bart ha contemplado Hollywood desde una atalaya privilegiada. Las historias que cuenta y las lecciones que aprendemos de “Infamous Players” son imprescindibles para todo amante del cine.

Los hombres, literalmente, tenían que apoyarse contra las paredes cuando ella pasaba. Sí, tan guapa era. Fue el sex symbol que barrió a otros sex symbols. Fue la mujer que puso a Frank Sinatra al borde del suicidio, que ocupó sus pensamientos durante el resto de su vida. Hemingway guardaba una de sus piedras de riñón como recuerdo sagrado, Howard Hughes le suplicó que se casara con él, pero ella se limitó a arrancarle los dientes de un puñetazo. Su presencia carismática, su belleza inconcebible, sus aventuras escandalosas alimentaron la leyenda que Ava llegó a ser: uno de los grandes iconos de la historia de Hollywood, la protagonista de ‘Forajidos’, La condesa descalza’ y ‘La noche de la iguana’, y una de las pocas estrellas que vivió una vida más interesante que cualquier película. ‘Ava Gardner. Una diosa con pies de barro’ es la primera biografía completa de esta figura extraordinaria, la campesina descalza de Carolina del Norte destinada a acceder al olimpo de los dioses de Hollywood. Un libro prodigiosamente documentado, repleto de datos inéditos, extraídos de entrevistas ex-clusivas con los colegas, amigos íntimos y amantes de Ava, y que ofrece una vívida recreación de una vida marcada por el glamour, el hedonismo y la autodestrucción, una vida pintada en tonos calientes sobre un espectacular lienzo público: el Hollywood de la década de los cuarenta y cincuenta. Pero el espectáculo de la turbulenta vida privada de la actriz, de sus demonios internos, del precio que pagó por su fama y su belleza, de su eterna, sombría y romántica búsqueda del amor, no ofrece menos interés. Amena, pintoresca y sorprendente, ‘Ava Gardner’ es la biografía definitiva de la estrella más glamourosa, inquieta y desinhibida surgida de la fábrica de Hollywood.

Las películas bajo el calificativo del destape no solo revolucionaron el cine de una época, sino que fueron un auténtico revulsivo para una sociedad hastiada por el franquismo. Erróneamente se han tratado de manera despectiva e incluso algunos de sus protagonistas han querido omitirlas deliberadamente de sus trayectorias. Pocas se han mantenido en la memoria colectiva como referente indiscutible de un cine que fue tan necesario como extravagante y, sobre todo, divertido. Con la perspectiva del tiempo se ha demostrado que todo lo que se rodó en este periodo de nuestra historia reciente nos ayudó a formarnos sexualmente para ser quienes somos hoy en día. Es obligado reconocer que aquel desenfreno tuvo su parte positiva y que las sombras que existieron han quedado obsoletas. Directores, actores y actrices, guionistas… fueron los vértices de este maremágnum sexual y mediático, que supieron sacar partido a una situación que nunca volverá a repetirse porque las condiciones han cambiado demasiado y cualquier parecido con aquellos tiempos es un espejismo involuntario. El periodista cinematográfico José Aguilar nos ofrece una visión desde la perspectiva de las estrellas que fueron las auténticas artífices de un ejemplo de libertad y apertura a todo un mundo dedicado a los placeres de la carne. Nombre propios como Ana Belén, Bárbara Rey, Amparo Muñoz o Marisol nos ayudaron a desnudarnos sin complejos y nos permitieron decidir qué es lo que más nos gustaba. La valentía de algunas producciones es analizada en un recorrido vertiginoso que nos muestra una lujuria que estaba contenida para satisfacer los deseos de propios y extraños. Un repaso que aporta un enfoque profundo y que sorprende por los secretos revelados con el paso de los años, ahora que, supuestamente, somos más adultos y coherentes con nosotros mismos. No se conformen con menos… merece la pena recordar el pasado sin perder la perspectiva de lo que fue realmente importante… sexo, amor y algunas licencias que en la actualidad parecen, irónicamente, impensables porque nuestro mundo no es tan sincero y visceral como en aquellos instantes cuando el nuevo despertar suponía un comienzo que todos anhelaban.

José Luis Castro —profesor del Departamento de Arte de la Universidad de Vigo— asegura que todavía que­da mucho campo en el estudio de la obra de Alfred Hitchcock y su influencia en la evolución del lenguaje del cine desde su llegada a Hollywood en 1939 contra­tado por David O’Selznick. Pero para comprenderlo, explica Castro, hay que remontarse a la etapa británica del director —quizá algo relegada en otros análisis—, donde ya se encuentra el origen de algunas de sus constantes semánticas y estilísticas. Y no hay que perder de vista el momento histórico en el que se desarrolla su obra. Con estos dos puntos siempre presentes, el autor profundiza en el lenguaje de este maestro del cine, a la vez que lo sitúa en el contexto en el que se formó y evolucionó.

El período del cine no hablado constituye una fructífera época para las directoras de cine. Más de cincuenta mujeres dedicaron su vida a esta profesión en aquellos años, antes de que el cine se convirtiera en la gran industria de Hollywood y la dirección de películas estuviera bajo el monopolio masculino.
A Alice Guy Blaché le corresponde el honor de ser la autora de la primera película de ficción y de ser la primera mujer dueña de un estudio. Elvira Notari, pertenciente a la Escuela de Nápoles, fue una mujer que transgredió los estrechos márgenes en los que se podía mover como mujer y como directora. Germaine Dulac está considerada la primera directora feminista de la historia y ha destacado por hacer un cine de auteur. Del otro lado del Atlántico, la figura de Lois Weber, discípula de Guy Blaché, es la que más reconocimientos ha obtenido por sus numerosos filmes y por los avances tecnológicos que se mostraban en sus películas. Dorothy Arzner tiene el mérito de ser la única directora que tuvo una sólida carrera en el cine mudo y supo preservar su espacio en el cine hablado, desarrollando su carrera hasta los 1940.
Este libro tiene como finalidad visibilizar la labor de las pioneras del cine y restituirlas a ellas y sus obras al lugar que por derecho les corresponde.

¿Es el cine moderno una evolución natural que procede del clasicismo? ¿O por el contrario se trata de una construcción, de una invención pactada entre críticos y cineastas, allá por las postrimerías de los años cincuenta, para dar con­tinuidad a las formas del cine americano por otros caminos? Puede que entre los primeros integrantes de «Cahiers du Cinéma», de Jean-Luc Godard a François Truffaut, y autores ya tan conscientes de sí mismos como Ingmar Bergman o Michelangelo Antonioni, decidieran que había que actuar de alguna manera para que el manierismo de la posguerra no se disolviera en el vacío. Y puede que esa voluntad de rescate haya continuado en el tiempo hasta nuestros días, pasando de Vincente Minnelli o Leo McCarey a Alain Resnais, y luego a Wim Wenders, y a José Luis Guerín, y a Bruno Dumont, entre muchos otros. De todos ellos se habla en este libro que pretende poner en duda la narración histórica del cine transmitida hasta el momento para dejar paso a nuevos senderos zigzagueantes, que se bifurcan y se entrecruzan.
ÍNDICE: Prólogo (Miguel Morey).. Introducción: un deseo en soledad.. Primera parte. El mito de la modernidad.. 1. Posclasicismo y Nouvelle Vague: continuidad en la ruptura; 2. Configuración de los límites: plenitud en la transición; 3. Manierismo de la modernidad: el pasado en el presente.. Segunda parte. El mito de la muerte del cine.. 4. El retorno a América: el último nuevo cine; 5. El duelo por Europa: de ausencias y mausoleos; 6. De nuevo el cine francés: pasar por los mismos lugares.. Post scriptum, post mortem.. Bibliografía.

CINEMA 4D es un programa intuitivo y potente, una aplicación para crear gráficos y animaciones alucinantes de forma instantánea. La mayoría de la gente lo primero que se pregunta al oír hablar de CINEMA 4D es: ¿qué es 4D? El término 3D engloba las tres dimensiones espaciales utilizadas para crear y manipular objetos. La cuarta dimensión se refiere al tiempo y a cómo los objetos y componentes cambian en un período determinado. Este libro ofrece a sus lectores una amplia panorámica acerca de cómo utilizar el programa y qué herramientas y procedimientos son necesarios para crear diseños con éxito, independientemente de sus ambiciones profesionales. Descubrirá cómo llevar Cinema 4D a un nuevo nivel aprovechándose de su amplia compatibilidad con otros programas, como Photoshop, After Effects, Illustrator, ZBrush, Vue y RealFlow, entre otros.
ÍNDICE: Agradecimientos. Sobre el autor. INTRODUCCIÓN. A quién se dirige este libro y por qué es diferente. El entorno 4D y su flujo de trabajo. Una introducción a los conceptos básicos de Cinema 4D en el DVD. El Navegador de contenido. El Gestor de Capas. Un desglose del Gestor de Capas. Preferencias. CAPÍTULO 1. EL PODER DE LAS PRIMITIVAS. Un proyecto ornamental. Una piscina griega. Cómo crear un desierto. CAPÍTULO 2. CINEMA 4D BAJO LA LUPA. Cómo modelar una maza medieval. Cómo construir un edificio. Cómo modelar una nave espacial. CAPÍTULO 3. HERRAMIENTAS DE MODELADO NURBS. 3D 101: Cómo crear un jarrón. Cómo modelar una calavera con el NURBS Extrusión. Cómo crear una pala con un NURBS Bezier. CAPÍTULO 4. DEFORMADORES Y OTRAS AYUDAS PARA MODELAR. Cómo crear un candado con los deformadores Doblar y Booleano. Cómo crear una bandera con un deformador Viento. Cómo utilizar un objeto Metaball. CAPÍTULO 5. LOS MATERIALES EN PROFUNDIDAD. Los shaders. Shaders volumétricos. Los canales de los shaders. Cómo texturizar un planeta. Cómo crear una isla utilizando el canal Desplazamiento. CAPÍTULO 6. LA ILUMINACIÓN LO ES TODO. Cómo crear y animar la luz de un faro. Introducción a iluminación global: Cómo iluminar mediante objetos. Cómo iluminar un producto. ¿Prefiere no utilizar la iluminación global? No hay problema. CAPÍTULO 7. PRINCIPIOS BÁSICOS DE LA ANIMACIÓN. Cómo animar una mariposa. Cómo controlar la animación con una spline y con F-Curve. CAPÍTULO 8. CÓMO DISEÑAR CABEZAS DE PERSONAJES. Cómo modelar la cabeza de un personaje. Cómo obtener la forma básica. Cómo crear la forma del ojo. Cómo crear la forma de la nariz. Cómo crear la forma de la boca. Cómo crear la forma de la oreja. Cómo animar un personaje con Pose Morph. CAPÍTULO 9. CÓMO ARMAR UN PERSONAJE. Cómo crear las articulaciones. Las herramientas Simetría, Lazo y Peso. CAPÍTULO 10. LAS CÁMARAS TOMAN EL CONTROL. Cómo configurar una cámara para animarla a lo largo de una hélice. El objeto Escenario: Cómo utilizar múltiples cámaras. Profundidad de campo. CAPÍTULO 11. EL ARTE DE LA INTERPRETACIÓN DE ESCENAS. Las opciones de interpretación. La ficha General. La ficha Salida. La ficha Guardar. La ficha Antialiasing. El menú Filtro. La ficha Opciones. Efectos. Destellos. El efecto Cáusticas. El efecto Render de Líneas. El efecto Desenfoque de Movimiento Vectorial. Sketch and Toon. El efecto Desenfoque de Movimiento en Escena. Render QTVR. Render Multipase. CineMan: Integre el RenderMan de Pixar en su flujo de trabajo de Cinema 4D. CAPÍTULO 12. UNA TAZA DE XPRESSO. Cómo crear un banco de peces. Partículas pensantes: PBLURP. CAPÍTULO 13. BODYPAINT 3D: EL RINCÓN DEL ARTISTA. Cómo pintar un libro con BodyPaint. Edición UV y BodyPainting. Cómo desenvolver la malla de una cabeza. Cómo pintar una cabeza tridimensional. Projection Man. CAPÍTULO 14. TRUCOS PARA ENRIQUECER SUS TEXTOS. Extrudir texto. Los deformadores de texto. Cómo crear texto en movimiento. Cómo crear un texto en constante movimiento. Introducción al MoText. Cómo animar un objeto MoText utilizando el efecto Aleatorio. Cómo crear una máscara personalizada a partir de una spline de texto. El MoGraph PolyFX. CAPÍTULO 15. CÓMO SACARLE EL MÁXIMO PARTIDO A MOGRAPH. El efecto Spline. El MoGraph Trazador. El efecto MoGraph Sonido. El objeto MoSpline. CAPÍTULO 16. INTEGRACIÓN EN AFTER EFFECTS. Configurar una sencilla escena para integración AE. Parte 2: Configurar etiquetas y ajustes de render. Parte 3: Cómo importar y componer en After Effects. CAPÍTULO 17. DYNAMICS Y EFECTOS ESPECIALES. El Dynamics Cuerpo Rígido. El objeto Fractura. Dynamics Cloth. Cómo utilizar el objeto Cuerpo Blando. PyroCluster. Crear un paisaje fantástico con el módulo Hair. Cómo crear un penacho de plumas. CAPÍTULO 18. CREACIÓN DE CONTENIDO ESTEREOSCÓPICO EN CINEMA 4D. Cómo disponer nuestras cámaras en formación estereoscópica. Cómo crear una escena estereoscópica. Cómo componer imágenes estéreo en Photoshop. El plugin SVI Stereo 3D Editor 2.3. CAPÍTULO 19. CINEMA 4D Y SUS AMIGOS: LA INTEGRACIÓN VUE 9 XSTREAM. Integración con Vue 9 xStream. APÉNDICE. CONTENIDO DEL DVD. ÍNDICE ALFABÉTICO.

Este libro nace con el propósito de realizar una aproximación al cine español realizado durante el periodo de la transición democrática, desde una perspectiva de género. Se trata de una etapa en la historia de nuestro país, repleta de cambios sociales, políticos y culturales, que supone un momento de gran interés en lo referente a la cinematografía y su modo de reflejar lo que acontecía por aquel entonces en España. Y, en especial, la manera en que se plasmó el tránsito hacia la democracia de las mujeres, que habían sido duramente sometidas y privadas de sus libertades durante el régimen franquista. Dada la vastísima producción de estos años, se ha realizado una necesaria selección de títulos siempre en función de su interés respecto al eje central de esta publicación: la representación femenina.

1ª edición.

Clint Eastwood estaba situado frente a tres especialistas. Tras él, cerca de la cámara, Sergio Leone. En el encuadre de la cámara, se veía en primer término la mano y cartuchera de Clint, y al fondo los tres pistoleros. Clint debía disparar y ellos caer muertos al suelo. Se rodaba en una de las localizaciones madrileñas muy frecuentadas por el western. Leone grita "Acción!" y Clint, dispara. Los tres especialistas caen al suelo. Sin embargo Leone no queda convencido. Él no ha escuchado tres disparos, tan sólo dos. Le dice a Clint que sólo ha disparado dos veces, y Clint, con parsimonia, contesta que ha disparado tres. El director ordena repetir el plano y se vuelve a montar la escena. "Clint, dispara!" grita nuevamente Leone. Y jura nuevamente escuchar únicamente dos disparos para tres muertos. En esta ocasión Clint, ya aburrido de la situación, abre el tambor del revólver y muestra la munición de fogueo. Efectivamente, había tres casquillos agujereados. Clint Eastwood hacía el tercer disparo tan rápido que se superponía con el sonido del anterior. Sin duda, el más rápido del oeste. Esta anécdota transcurre durante el rodaje de Por un puñado de dólares, la primera de las tres películas que conforman la llamada Trilogía del dólar de Leone. "Clint, dispara!. La Trilogía del dólar de Sergio Leone", este ameno y documentado libro que tienes en tus manos, repasa la gestación, rodaje y repercusión de Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo, tres de los exponentes del género western más exitosos de la historia del cine.