El Tiempo del Sapo, libelo magistral en defensa de la libertad de expresión, fue publicado en 1949, en pleno auge del macarthismo. Hoy es considerado un texto clásico del ensayo antagonista norteamericano. Se presenta por primera vez en lengua castellana en una edición a cargo de Breixo Viejo, que incluye, además, otros documentos históricos, como el escalofriante juicio farsa a Trumbo o su emocionada declaración ante el Comité en defensa de un cine libre.
«El derecho a expresar ideas -buenas, malas perversas, disparatadas, imposibles- es el derecho más precisado que puede tener un individuo. Lo interesante es que, en el curso de asegurárselo a sí mismo, debe inevitablemente garantizárselo a su enemigo. De otro modo, no habría libertad para ninguno de los dos.» (Dalton Trumbo, El tiempo del sapo.
«A finales de la década de 1960, aquellos que conocieron o visitaron a Dalton Trumbo en su casa de Hollywood Hills, se encontraron a un hombre divertido y mordaz, aficionado a la lectura y al whisky, que escribía sus guiones por las noches dentro de la bañera y tenía por mascota a un loro que decía «oh, shut up!». En un momento histórico de oposición a la Guerra del Vietnam, en plena lucha por los derechos civiles y a punto de inaugurarse una nueva era cultural en Woodstock, el autor de Johnny cogió su fusil se convirtió en un referente intelectual del pensamiento crítico y la contracultura americana, en el símbolo del escritor comprometido capaz de acabar por sí solo con la infame lista negra de Hollywood.
Esta imagen constrasta fuertemente con la del guionista perseguido veinte años antes por el Comité de Actividades Antiamericanas. Trumbo fue uno de los diez intelectuales condenados por desacato al Congreso de los Estados Unidos al negarse a responder a la pregunta «¿es usted ahora, o ha sido alguna vez, miembro del Partido Comunista?» (Breixo Viejo, en la introducción a esta edición).

Jugar con el tiempo. Un juego que seduce al espectador de este cortometraje de ciencia ficción apocalíptico. La Jetée, de Chris Marker, se compone de una serie de fotografías que discurren por la pantalla como postales enviadas desde los pliegues más remotos de la memoria. El estatismo temporalizado de las imágenes da lugar a una obra ambigua y misteriosa que sería la contradicción misma del hecho cinematográfico: una película sin movimiento. El presente ensayo trata de desentrañar las reglas de este juego de alianzas entre fotografía y cine que resulta en imágenes de gran magnetismo, capaces de atravesar los estratos del espacio y el tiempo para adentrarse en los paisajes interiores del amor.

Los textos reunidos en este libro ?redactados por investigadores españoles y otros expertos europeos y estadounidenses? tienen por objeto analizar las diversas estrategias y perspectivas con las que el cine se ha ocupado del hecho turístico a lo largo de las décadas. Al variar sustancialmente de unas épocas a otras, ese tratamiento constituye un reflejo de las decisivas transformaciones habidas en la sociedad española durante el último siglo.

Desde su origen en EEUU, la novela y el cine negro documentaron la crónica más sombría de los acontecimientos sociales, económicos y políticos acaecidos en el mundo. A partir de la II Guerra Mundial, escritores y directores europeos, especialmente en Francia, Gran Bretaña, Italia y España, acogieron con entusiasmo su fuerza expresiva creando sus propias expresiones artísticas de denuncia. A pesar de los cambios históricos, el género sigue vigente, conservando su esencia y adaptando las convenciones propias al devenir. La revitalización, tanto en la narrativa como en el cine de 1990-2010, muestra su capacidad para trascender ámbitos geográficos, históricos e ideológicos. Desde varios campos de estudio, la historia del pensamiento, la teoría crítica y literaria, las teorías poscoloniales y de género, en este libro se analizan obras de autores más representativos de la narrativa y del cine negro europeos, incluyendo las innovaciones de Grecia, Turquía y los países nórdicos.

Un libro extraordinario en el panorama mundial que desglosa mediante múltiples entradas descriptivas ordenadas alfabéticamente la relación entre cine y jazz desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad, tras un prólogo donde se describe la evolución estético-cronológica de estas dos expresiones artísticas que alcanzaron la respetabilidad cultural al unísono. El texto va acompañado de un útil índice onomástico y cientos de ilustraciones diversas, en color y blanco y negro (fotos y carteles de películas, instantáneas de actuaciones, retratos de músicos y cineastas, portadas de discos, fachadas de clubs y salas, etc.).
• Nieto de un músico astorgano que había tocado en salas durante el período del cine mudo y después regentó cines, el madrileño Carlos Aguilar es historiador cinematográfico y novelista. Cuenta con una docena de premios, y sumando autorías individuales, compartidas y colectivas a lo largo de veinticinco años, ha publicado cerca de setenta libros, entre España, Italia y Alemania, de los cuales el más célebre es la "Guía del Cine".

Este volumen indaga en las cuestiones inherentes a los objetos artísticos y aborda las múltiples aristas del fenómeno de la intertextualidad en el terreno del cine poniendo el foco en un caso ejemplar: Una mujer de París, el filme-eclipse de Charles Chaplin, y Playtime, la obra maestra de Jacques Tati, entablan un fascinante juego de referencias cruzadas que sale a la luz con todos sus matices gracias a El botones (1961), la primera película que dirigió Jerry Lewis. Imanol Zumalde es profesor del departamento de Publicidad y Comunicación Audiovisual de la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación (UPV/EHU).

Cineasta inclasificable y libre de prejuicios, Tim Burton ha desarrollado a lo largo de su carrera cinematográfica un catálogo de películas que en nada parece seguir los cánones comerciales que imperan en el cine manufacturado en serie en los Estados Unidos. Iniciado como animador en la todopoderosa Disney y siempre ligado a los grandes productores americanos, ha conseguido desarrollar su propia y original forma de hacer cine.Director de culto para algunos, incapaz de contar una historia de forma visual para otros, lo cierto es que en Burton encontramos uno de los mejores ejemplos de lo que se ha dado en llamar "autoría posmoderna", etiqueta donde se engloban cineastas como los hermanos Coen, Tarantino, Cronenberg o David Lynch.

De Fritz Lang a David Lynch, pasando por Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, Orson Welles, Francis Ford Coppola, Andréi Tarkovski e Ingmar Bergma, De cine es el homenaje personal de Eugenio Trías al séptimo arte, una de las pasiones que –junto a la música y, naturalmente, la filosofía– le acompañaron durante toda su vida.
«Este libro versa sobre grandes realizadores de cine. Es obviamente una selección o, si se quiere, un canon personal. El factor subjetivo no puede substraerse a esta antología. Quizás el lector lamente muchas ausencias. Mi intención, sin embargo, es ceñirme a aquéllos que mejor corresponden a mi mundo personal. Deseo y espero que el lector goce de lo que hay, sin deplorar lo que no hay.
No pretendo dar ningún sentido representativo a esta unión de ensayos entrelazados sobre algunos directores que particularmente me maravillan. He procurado centrarme en las mejores películas de cada uno de ellos y al final han ido apareciendo todas las que son valiosas.
Un libro siempre debe ser la respuesta a una interrogación radical. En éste, dicho interrogante constituye la Idea que se formula en cada uno de los ensayos sobre los realizadores. Esa Idea constituye mi personal contribución al conocimiento del director en cuestión. Intenta ser la concepción de su fuente de creatividad, que expongo a lo largo del ensayo. Esa Idea adquiere Forma en el título de cada texto. En él está expresado lo que quiero decir con relación a esos grandes artistas.» (Eugenio Trías).