La obra del cineasta Roman Polanski, a pesar de estar formada por solo una veintena de películas (además de varios cortometrajes) a lo largo de más de medio siglo, es una de las más importantes y sugestivas del cine contemporáneo. Director de poderosa personalidad, su concepto cinematográfico siempre se ha colocado muy por encima de modas o tendencias, exhibiendo un prisma que tiene en las estructuras circulares, los universos cerrados, las distorsiones psicológicas, la incomunicación o la íntima fusión entre el sexo y la muerte los elementos más importantes de su estilo. Su dramática infancia, el brutal asesinato de su esposa Sharon Tate y su azarosa vida personal, que le ha provocado no pocos problemas con la justicia, provocan que su obra guarde aspectos internos capitales para entender no únicamente al Polanski cineasta sino, también, al ser humano que se esconde tras él. Este libro, uno de los más completos de todos los publicados sobre el director en lengua castellana, analiza toda su filmografía con la intención de desentrañar su complejo y apasionante estilo.

Tras las lentes de Isabel Coixet: Cine, Compromiso y Feminismo es el estudio más completo hasta la fecha sobre la obra de Isabel Coixet, una de las más prolíficas, versátiles y cosmopolitas cineastas del panorama cinematográfico actual. El volumen examina la producción de la directora catalana, desde cuatro ángulos diferentes. La primera parte recorre las temáticas generales de su producción: los lugares, las miradas, las texturas, los silencios y los sonidos, y su diálogo con la teoría fílmica feminista. La segunda disecciona al detalle sus películas de ficción, desde Demasiado viejo para morir joven (1989) hasta Learning to Drive (2014). La tercera se centra en los documentales, su trabajo más explícitamente social. Y la última ofrece una mirada sobre la cineasta más allá de su obra fílmica, completando así su retrato.
El trabajo ha sido coordinado y editado por Bárbara Zecchi. En él colaboran relevantes especialistas de distintas universidades norteamericanas y europeas.

• Publicado en la colección Vidas de la editorial Prensas Universitarias de Zaragoza, en Zaragoza, el 27/12/2017.

Este libro recopila todos los textos en los que Walter Benjamin reflexionó sobre el cine: desde el célebre ensayo sobre la obra de arte y la reproducción técnica hasta anotaciones sobre el genial Chaplin, pasando por fragmentos de sus diarios de viaje o una cuidada selección de entradas de la Obra de los pasajes.

Los planos de Star Wars reúne los dibujos técnicos originales recuperados de las profundidades de los Archivos de Lucasfilm. Combinados con reveladores comentarios del autor superventas, J. W. Rinzler, este libro de lujo dibuja con intrincados, precisos y vívidos detalles el proceso creativo del diseño de producción de cada una de las películas de la más perdurable y adorada saga cinematográfica.
Los planos de Star Wars muestra cómo al dar vida a esta extraordinaria epopeya, los primeros conceptos se convirtieron en icónicos decorados? la corbeta burladora de bloqueos, el Halcón Milenario, el puente de la nave insignia del General Grievous, la sala del trono de Jabba el Hutt y muchos otros? gracias a la exquisita destreza de los artesanos de los sucesivos departamentos artísticos.  
J. W. Rinzler, editor ejecutivo en Lucasfilm Ltd., es el autor del superventas, según The New York Times, The Making of Star Wars (Cómo se hizo Star Wars), así como del superventas, según el Times de Londres, The Complete Making of Indiana Jones. Rinzler vive en Petaluma, California.
EN EL INTERIOR:
         ·  Más de 250 planos.
         ·  Más de 500 fotografías e ilustraciones.
         ·  Entrevistas con los diseñadores de producción, los directores de arte, los decoradores y los dibujantes que confeccionaron los épicos decorados.
         ·  336 páginas, entre las que se incluyen 10 desplegables. 

En 2013, Sanchidrián revolucionó las redes sociales con su página de Facebook Sinopsis de cine. Hoy, su particular estilo y su personalísimo sentido del humor se han convertido no sólo en virales en las redes sociales sino que ya forman parte de la propia vida diaria. Esta edición de Timun Mas presenta 120 sinopsis de las películas más famosas de la historia del cine.

Este volumen, pese a estar compuesto por trabajos y ensayos escritos a lo largo de muchos años, es un libro unitario. Como el autor aclara en su prólogo, se trata, fundamentalmente, de reflexionar críticamen­te sobre cine, uno de los lenguajes que mejor han atravesado la cultura contemporánea, pero también sobre los efectos políticos e ideológicos que lo caracterizan. Hay, por tanto, un hilo conductor que otorga coherencia y unidad al conjunto. De la " Nouvelle vague " que dio inicio a los nuevos cines en la década de los años sesenta del pasado siglo a los festivales independientes del final del franquismo, de Akira Kurosawa a Gregory LaCava y Javier Maqua, del estructuralismo al estudio del " aparato " cinematográfico, la mirada de Manuel Vidal Estévez aúna el rigor teórico y la claridad expositiva de quien, como miembro que fue del colectivo " Con­tracampo " , siempre consideró la labor del crítico no en términos es­téticos o cinefílicos, sino como forma de intervención en la realidad del tiempo que nos ha tocado vivir, asumiendo que, aunque hoy parezca olvidarse, teoría y política siempre van de la mano.

La selección presentada en este volumen reúne las mejores películas de todos los tiempos, aquellas que no hay que perderse, tomando en consideración tanto su importancia en la historia del cine como el entusiasmo con que las recibieron público y crítica. Con reseñas amenas e informativas, y trufada de fotografías, esta es la guía de referencia esencial para cualquier amante del séptimo arte.

Aquí está todo cuanto hay que saber sobre las películas que no pueden dejar de verse. Tanto si buscas detalles sobre una película que te sabes de memoria desde el primer fotograma hasta el último, como si simplemente quieres decidir qué cinta vas a ver esta noche, en 1001 películas que hay que ver antes de morir encontrarás la más completa guía cinematográfica, con todo lo que conviene conocer sobre las películas que de verdad cuentan.

Cada obra dispone de una documentada reseña que pone la película en su contexto, valora su contribución a la historia del cine y ofrece toda la información relativa a su argumento, intérpretes y características. Una exhaustiva ficha complementaria detalla, además, todos los datos técnicos (país e idioma de producción, director, guionista, intérpretes, música...), así como los premios y nominaciones a los Oscar y los galardones cosechados en otros festivales internacionales. De cada película se indica también, además de su título original, aquel con el que se estrenó su versión en castellano, así como el año en que fue producida. El volumen se completa con unos útiles índices de las películas, sus directores y las películas clasificadas por géneros.

El cine español durante los gobiernos socialistas de las dos últimas décadas del XX se caracteriza, muy en primer lugar, por la fuerte crisis con la caída del número de películas, de espectadores y de salas de cine, lo que conlleva todo un proceso de reducción del entramado industrial en sus diferentes sectores, desde la atomización de la producción, con empresas más pequeñas y coyunturales, a la distribución donde consiguen mayor protagonismo las filiales de los grandes estudios norteamericanos en un parque más reducido de salas. La crisis no tiene únicamente una dimensión económica sino que afecta a la propia percepción que la sociedad española tiene de su cine, con la evidente desafección en los ochenta, donde se convierte en lugar común entre las nuevas generaciones el descrédito de cualquier estreno tildado de españolada; quizá esta dimensión más cultural explique las interminables referencias peyorativas y la recurrente etiqueta “crisis del cine español” que ha llegado hasta el presente.
Las nuevas regulaciones y mecanismos de subvención (ley Miró) y la consiguiente caída de la producción, el acceso de nuevas generaciones de cineastas, los cambios en la exhibición con el vídeo doméstico y las nuevas “ventanas” de las cadenas de televisión, el cine hecho por mujeres, la reformulación de los géneros, el aumento del público a finales de los noventa, la emergencia de nuevos temas y preocupaciones sociales, las sensibilidades de la primera generación nacida en democracia, etc. son algunos de los factores y cuestiones a tener en cuenta en este período del cine y de la sociedad española (1982-1998) de recuperación de las libertades, construcción de la democracia y consolidación de derechos sociales.
Los análisis de 135 películas del período considerado se complementan con una panorámica que da cuenta del marco social, político y cultural de la España de la época; una crónica rigurosa de la legislación y la política cinematográfica de los gobiernos socialistas; y una síntesis de los fuertes cambios industriales y creativos de nuestro cine.

Fellini, sueño y diseño nos acerca al universo vital y cinematográfico del cineasta Federico Fellini, director de clásicos como La dolce vita, Amarcord o Casanova, y lo hace a través de los bocetos, los dibujos y los guiones de tres anuncios cinemataográficos que rodó poco antes de su muerte, tomando como material privilegiado sus sueños. En efecto, Fellini no solo pasó toda su vida dibujando con fruición ?incluso, de joven, pensó en dedicarse profesionalmente a la ilustración y la pintura? sino que, desde muy pronto, tomó la costumbre de anotar cada mañana sus sueños con textos y dibujos. En este precioso y exuberante material onírico encontraría inspiración para muchas de sus creaciones.
El crítico de cine Gianfranco Angelucci coordina este volumen, y nos acerca con sus textos a la obra cinematográfica y gráfica de Fellini y, en concreto, a los tres spots que rodó en 1993 para el Banco de Roma y que constituyen de algún modo su testamento filmográfico. También contribuyen a este volumen el crítico de cine Tullio Kezich, los actores Anna Falchi y Paolo Villagio y el psiquiatra Vittorino Andreoli. Angelucci también entrevista a Antonello Geleng, buen amigo del cineasta, a quien este regaló una extensa colección de dibujos que se reproducen en este volumen.

Autores: Autor:Guy de Maupassant, Dorothy M. Johnson, Stefan Zweig, James Joyce, Agatha Christie, Akinari Ueda, Ryunosuke Akutagawa, Fiódor M. Dostoievski, Isak Dinesen, Daphne du Maurier.

Los relatos de los grandes maestros de la literatura que origen a las más inolvidables obras del séptimo arte.

Los pájaros, Rashomon, Le plaisir, Cuentos de la luna pálida, La paura, Ellos y ellas, El hombre que mató a Liberty Valance, Una historia inmortal, Une femme douce, Dublineses, Testigo de cargo.

El distinto poder evocador de las palabras y de las imágenes es lo que diferencia principalmente los discursos compositivos de la literatura y del cine. Aunque, por su naturaleza concreta, el séptimo arte es incapaz de servirse de la capacidad sugestiva de la escritura, la verdadera ficción cinematográfica siempre encuentra la manera de metamorfosearse y, mediante un lenguaje propio, erigirse como una creación totalmente nueva y autónoma, sin por ello renunciar al espíritu de la narración original.

Esta exquisita antología recoge once relatos —precedidos por una breve introducción sobre el texto y su adaptación fílmica— de algunos de los escritores más destacados de la literatura universal, que además de poseer en sí mismos una calidad ejemplar, dieron lugar a indiscutibles obras maestras de la gran pantalla.