Todos estamos solos, pero al contemplar una película la soledad se vuelve más placentera, nos dejamos llevar por la historia que la pantalla nos revela en tantas películas inolvidables.
El autor proyecta en este libro cine y literatura, pensamiento y reflexión. Analiza, examina y profundiza de forma brillante a autores y directores, actores y actrices que han puesto en escena la soledad, esa soledad que acompaña siempre al ser humano en su trayecto vital. Desde esa extensa mirada al infinito de Tadzio en Muerte en Venecia a la soledad de las calles de Nueva York en Taxi Driver, sin olvidar esos hombres solitarios del cine de Billy Wilder que expresan su heroísmo tal y como reflejó la genial película El apartamento.
A través de la obra de grandes directores, el lector se sumergirá en un profundo análisis de la soledad como protagonista en el cine y a través del cine. Esa soledad que, en conexión con la existencia humana, está jalonada de pasiones, anhelos, bajezas y grandezas, como la que aparece también en los personajes de cine negro. Esos detectives que enamoran a mujeres fatales pero que están solos en realidad, porque la soledad se lleva en el alma. Un libro esclarecedor para analizar las vidas de esos personajes que una vez, cuando estábamos solos en el cine, nos acompañaron y nos hicieron felices. Todo un reto que el cine ha conseguido.

Cineasta perteneciente a la " Generación perdida " , Fred Zinnemann (1907-1997) pudo conformar a lo largo de casi medio siglo una trayectoria cinematográfica de una notable calidad, pero no lo suficientemente ponderada por el grueso de la crítica a escala mundial. Responsable de algunas películas que forman parte del imaginario colectivo, como " Solo ante el peligro " (1962), " De aquí a la eternidad " (1953) o " Historia de una monja " (1959), Zinnemann se desenvolvió en diversas compañías productoras, siendo la Metro-Goldwyn-Mayer la " major " que lo acogió en sus años de aprendizaje en calidad de cortometrajista. Estamos ante la primera monografía publicada en lengua española sobre el director de origen vienés, en la que se analizan de manera pormenorizada la veintena de largometrajes que jalonan su filmografía, que bien podrían ser consideradas piezas de culto.

Descubre los secretos del rodaje de La princesa prometida
Cary Elwes, el actor que da vida a Westley en la adaptación a la gran pantalla de esta clásica historia, nos trae el maravilloso relato de las peripecias durante el rodaje de la película basada en la novela de William Goldman.
La princesa prometida lleva generaciones maravillando a jóvenes y mayores por igual gracias a su combinación perfecta de fantasía, humor e inteligencia. En este delicioso libro, Elwes recoge las anécdotas y divertidas desventuras protagonizadas por algunos de los miembros de su reparto, como Robin Wright, Mandy Patinkin, André el Gigante, Billy Crystal o Wallace Shawn, y comparte con el lector cómo vivieron todos los participantes la inolvidable experiencia de dar vida al mejor libro del mundo.
Acompañado por un prólogo de Rob Reiner, director de la película, Como desees hará las delicias de todos aquellos que disfrutaron y disfrutarán con este clásico del cine.
Esta edición incluye un póster de La princesa prometida diseñado por Shepard Fairey en el reverso de la sobrecubierta.

" El flamenco no fue un espectáculo, ni nació para ser un espectáculo: era la forma de expresión de un pueblo más bien inarticulado, eran los poemas que decían a gritos de llanto unos analfabetos que no podían expresarse de otra manera, eran los lamentos de amor de un tosco primitivo que apenas sabe hablar pero que al recibir la herida se expresa de ese modo. ¿Quién podría pensar que ese lamento íntimo, que ese llanto musical, que ese abrirse las carnes para enseñar el corazón, pudiera ser un día taquillero? " , afirmaba Edgar Neville en su  " Flamenco y cante jondo "  (1963). Ignoramos si Neville incluía la pantalla en su reflexión, pero la relación entre el cine y el flamenco comienza desde las primeras películas del período mudo, y ha ido creciendo a partir del sonoro bajo múltiples perspectivas, desde las apariciones más o menos puntuales de artistas (cantaores, bailaores, tocaores, etc.) al relieve dramático de la propia música, tanto en películas de ficción como documentales. El presente volumen verifica el ingente trabajo de no pocos años previo a la fase de escritura, compuesto de visionados, audiciones, lecturas, consultas, entrevistas, viajes, búsquedas diversas, paciente confrontación de datos... Brota de una intensa pasión de los autores por el flamenco, por el cine..., y por el flamenco en el cine. Esta pasión ha creado y determinado el libro, cuya naturaleza aúna la obra de consulta con el ensayo, al abrigo de esta música
de peculiar belleza y especial dignidad. Se incorporan además cientos de ilustraciones, por lo común inéditas y de gran diversidad (fotos y carteles de películas, retratos de músicos y cineastas, actuaciones y portadas, etc.).

Una fotografía mítica ha dejado testimonio de una reunión legendaria. En noviembre de 1972, el cineasta George Cukor quiso reconocer el talento de Luis Buñuel y le invitó a una comida en su fabulosa mansión de Beverly Hills. A la cita acudieron John Ford, Alfred Hitchcock, Rouben Mamoulian, Robert Mulligan, George Stevens, Billy Wilder, Robert Wise y William Wyler, una pléyade de maestros de Hollywood jamás congregada y retratada en un acto privado. Fritz Lang no pudo acudir por estar indispuesto, pero recibió al día siguiente en su casa la visita del director español, quien cuatro meses después ganaría el Oscar con El discreto encanto de la burguesía.

Medio siglo más tarde, el periodista, novelista y guionista Manuel Hidalgo narra los detalles de aquel banquete y del extraordinario escenario en el que se celebró, al tiempo que, con técnicas narrativas y con multitud de anécdotas, pone en pie un espectacular y apasionante artefacto cinéfilo que recrea las vidas y las filmografías de Luis Buñuel y de todos los grandes e inolvidables genios que participaron en aquel histórico almuerzo, esclarece sus afinidades y sus diferencias, sus luces y sus sombras, sus peripecias novelescas y su legado personal y cinematográfico.

La pretensión de este libro es la de ofrecer a formadores, docentes y padres un manual acorde con los desarrollos curriculares previstos en los últimos años de la educación secundaria obligatoria, el bachillerato y la formación profesional básica. Amistad y traición, civilización y barbarie, violencia y solidaridad, justicia y felicidad, libertad y seguridad, deber y corrupción, identidad y alteridad, sexo y amor, familia y escuela, son algunos de los temas sobre los que se invita a discutir a padres, educadores y alumnado.
Pero, al objetivo más evidente de ofrecer un manual de apoyo susceptible de ser utilizado en estas etapas formativas, cabe añadir lo que podríamos denominar una
" pedagogía de la mirada " . Porque, en un mundo saturado de imágenes, poner a disposición del lector casi medio centenar de ejercicios de análisis concretos contribuirá a que desarrolle una mirada más aguda y competente, a que sea más consciente de los mecanismos de manipulación y seducción que subyacen a todo discurso. Se trata no solo de establecer lo que una película dice, sino, también, de determinar cómo dice lo que dice. De ahí la doble aspiración última del libro: aprender viendo cine, aprender a ver cine.

El director e intérprete francés ganador de un Óscar, Jacques Tati (1907-1982), fue un cineasta tremendamente innovador y original cuya inspiración procedía de la observación de la vida a su alrededor. Creaba y representaba personajes corrientes que se veían lanzados al bullicio de la sociedad moderna, como el desventurado cartero François o el torpe Monsieur Hulot, a través de quienes Tati mostró con brillantez la forma en que las diferencias de clase, las convenciones sociales, la arquitectura y la tecnología afectan al modo en que las personas se relacionan.

A diferencia de Buster Keaton y Charlie Chaplin, con quienes fue comparado a menudo, Tati se fijó en la cotidianidad y la recreó, dividiéndola en capas orgánicas a través de gags visuales y sonoros para que los espectadores observasen de una forma activa. Sus comienzos como mimo le enseñaron cómo provocar la risa sin tener que hablar; en sus películas empleaba gestos, expresiones faciales, disfraces, atrezo, platós, sonidos, cualquier cosa excepto diálogos, para comunicar.

Las películas de Tati son realmente universales y accesibles para cualquiera, dondequiera que esté, que sepa apreciar la comedia de la vida moderna. Tati dijo en una ocasión: “Quiero que la película comience al salir del cine”. Su mayor logro fue enseñarnos que juntos, toda la humanidad, somos los personajes del mayor espectáculo de todos: la vida misma.

Creada con acceso completo a los archivos de Tati, esta edición de cinco volúmenes con estuche es una exploración profunda de su vida y obra a través de cientos de fotografías y fotogramas, los guiones completos, entrevistas, ensayos originales y una gran selección de documentos, cartas, bocetos y notas.Diseñada por M/M (Paris), la edición incluye:

Volumen I, ‘Tati filme’: fotogramas de sus seis largometrajes

Volumen II, ‘Tati écrit’: los guiones completos de sus películas, además de otros dos que no se llegaron a realizar

Volumen III, ‘Tati travaille’: un profundo estudio sobre su vida y su obra

Volumen IV, ‘Tati explore’: ensayos sobre los temas centrales de sus películas

Volumen V, ‘Tati parle’: citas y entrevistas

¿Te sientes culpable cuando te gusta una película de masas? ¿Te autoflagelas viendo cine de autor? No te preocupes, Pedro Vallín quiere curarte. Críticos culturales de plumas avinagradas han sentenciado durante décadas que el cine de Hollywood oculta un maligno instrumento de adoctrinamiento colectivo. Una perversión subliminal que aliena a las masas y les inocula la ideología dominante. Semejante visión del cine comercial supone que la gente es imbécil. Que se la traga siempre. Entre cuencos de palomitas. Y encima, riéndose. Pedro Vallín ha escrito un ensayo herético que defiende que no, que ni los superhéroes yanquis defienden la propiedad privada ni el cine de autor europeo transmite valores progresistas. Y que puestos a generalizar ocurre lo contrario: que el cine made in Hollywood es emancipador y que las producciones europeas acusan un sesgo burgués, ensimismado y autoindulgente. ¡Me cago en Godard! es un libro irreverente y con clara vocación de incordio. Su autor no se caga solo en Jean-Luc, sino que también lo hace en la elitismo condescendiente del establishment cinematográfico europeo, en los dogmas que identifican las películas estadounidenses con la derecha y en el mal llamado «placer culpable». Porque es absurdo sentirse un aliado del imperialismo por disfrutar de una película palomitera (o sentirse mejor persona por dormirse frente a una mala película indie). En definitiva, Pedro Vallín ha querido firmar una defensa del goce en el cine, del humor y del pensamiento autónomo, es decir, su sentencia de muerte como crítico cultural de prestigio. Y los de Arpa encantados de ayudarle.

"Carlos Saura, en busca de la luz" es la primera biografía autorizada de uno de los más grandes genios de la cinematografía mundial. Basado en decenas de conversaciones con el director, este libro nos muestra la trayectoria vital y profesional de un artista total que ha cosechado los más altos reconocimientos internacionales. Desde la atalaya de sus 88 años, Saura reflexiona sobre las tres grandes pasiones que han marcado su vida -el cine, la fotografía y la música- y los mecanismos que desencadenan la creación artística.
A lo largo de las páginas del libro iremos conociendo los hechos fundamentales que han marcado su vida. Desde la cruel guerra civil durante la que transcurrió su infancia, a las miserias de la posguerra, pasando por sus dudas profesionales, su lucha contra la asfixiante censura y su posterior consagración internacional. La influencia decisiva de sus padres, liberales avanzados a su tiempo, y su relación con su hermano Antonio, pintor de extraordinario prestigio, son también piezas clave en su andadura artística.
Yerno del mítico Charles Chaplin, amigo y colaborador de Luis Buñuel o de Stanley Kubrick, Saura ha trabajado con grandes nombres no sólo del mundo del cine sino también de la ópera -como Daniel Barenboim o Zubin Mehta-, del flamenco -como Paco de Lucía o Camarón- o de la fotografía como Vittorio Storaro.
Su vida transcurre paralela a la del convulso siglo XX, cargado de violencia y avances tecnológicos que han revolucionado la vida en el planeta hasta convertirlo en la gran aldea global interconectada que es en la actualidad y en la que, a pesar de todas las evoluciones técnicas, el talento del creador sigue siendo el combustible imprescindible para cualquier expresión artística y cultural.
Desde su consagración en el Festival de Cannes en los años 60, en el que triunfó en competición con sus colegas Fellini, Bergman o Kurosawa, Carlos Saura ha dirigido más de medio centenar de películas que forman ya parte del patrimonio cultural de nuestro tiempo. Esta biografía es el retrato de toda una generación irrepetible de maestros del arte universal, un libro imprescindible para los amantes del cine y la cultura".

Basada en la novela futurista de Anthony Burgess, La naranja mecánica es una obra maestra de la sátira cinematográfica. El líder de una pandilla de asesinos, extravagante y obsesionado con Beethoven, acepta someterse a una terapia experimental de aversión a la violencia a cambio de salir antes de prisión, termina “curado” de su propia voluntad. Los estilizados decorados de la película, la brutalidad coreografiada y la banda sonora para sintetizador Moog fueron concebidos para aumentar el efecto de cada escena, pero estaban tan adelantados a su tiempo que, para muchos, oscurecían el mensaje final. De hecho, las escenas violentas despertaron tanta controversia que la mala fama de la obra se convirtió, en sí misma, en material para la leyenda.

Desde una perspectiva contemporánea, lo que destaca por encima de todo es el extraordinario don de Kubrick para entretener y hacernos pensar al mismo tiempo. En palabras de Burgess: “¿Qué es mejor para un hombre, elegir el mal o imponerle el bien?”. Las cuestiones éticasque plantea esta película visionaria siguen siendo tan relevantes hoy en día como difíciles de responder.Esta edición incluye:

fotogramas de la película, fotografías de rodaje, borradores del guion y material exclusivo procedente de los archivos de Stanley Kubrick

la historia detrás de la realización del filme, entrevistas con Kubrick, una filmografía y una biografía ilustrada

un póster desplegable

un DVD de la película remasterizada