Tras toda una vida entregada al estudio y defensa de las bellas artes, el asturiano Juan Agustín Ceán Bermúdez emprendió en 1822 la que iba a ser su última gran obra, una monumental historia de la pintura en la que siguió trabajando hasta poco antes de su muerte.

Esta obra resulta tan novedosa como la trayectoria de quien fuera el primer historiador del arte español. Gracias a un trabajo muy laborioso que incluyó numerosas lecturas, viajes, registros en archivos y compra de estampas, Ceán pudo trazar un completo fresco de la evolución de la pintura europea. Incidió de manera especial en la pintura española, cuyo desarrollo puso en paralelo con el protagonizado por las grandes escuelas europeas. Nunca antes se había emprendido tarea semejante, y tardaría mucho en repetirse.

Esta es la primera vez que se publica en su integridad la parte dedicada a la escuela española de la Historia del Arte de la Pintura, cuyos once tomos todavía permanecen manuscritos en el archivo de la Real Academia de San Fernando. El lector tiene ahora la oportunidad de conocer mejor la aportación de Ceán Bermúdez, el autor más representativo de toda una generación que, bajo el signo de la Ilustración, creó la moderna historia del arte.

• Juan Agustín Ceán Bermúdez (Gijón, 1749 – Madrid, 1829) fue el primer estudioso en España en aplicar la crítica histórica nacida de la Ilustración a la investigación de las bellas artes. Estrecho amigo de personajes tan trascendentes para entender el pensamiento artístico de su época como Jovellanos o Goya, su pasión por la investigación le llevó a abordar todos los campos posibles de estudio, desde la arquitectura a la pintura pasando por la escultura, el dibujo, el grabado o la arqueología; y todas las épocas, desde la Antigüedad hasta su propio tiempo.
Residente durante muchos años en Sevilla y Madrid, viajó por buena parte de España, teniendo acceso a las mejores colecciones públicas y privadas, así como a los archivos más importantes. Lo que le quedó por ver, lo conoció gracias a una tupida red de corresponsales, que durante décadas le enviaron noticias esenciales para la historiografía española.
Rodeado de libros, dibujos, estampas y documentos, y frecuentando las obras de arte – en muchas ocasiones junto a sus amigos artistas –, creó una nueva disciplina en la que su labor erudita nunca dejó de lado la pasión por la contemplación de las obras de arte. Trabajador incansable, vinculado a las reales academias de su tiempo, su larga vida se consagró al estudio de las bellas artes. Auténtico pionero en nuestro país, sus trabajos son todavía indispensables para el conocimiento de la historia de las artes en España.

Mondrian, el gran pintor de la abstracción geométrica, es culpable de amar las flores; Leonardo no se ve capaz de dibujar a Judas; Rafael le envía un dibujo a su amigo Durero para agradecerle los numerosos grabados que él le ha regalado, y Picasso recibe la visita del Diablo. Samuel Beckett observa un pez rojo y un loro; Yves Klein sueña el cielo azul más grande y más hermoso jamás soñado y lo convierte en cuadro; mientras, Tàpies reinterpreta los Peregrinos de Emaús...
A través de fábulas, cuentos, retratos y anécdotas, el autor de Calle de la Mirada nos descubre rasgos, reales o imaginarios, de algunos de los pintores más geniales de la historia. Todos sus relatos tienen en común lo que insinúa su título: la mirada que convierte las imágenes en algo infinitamente fascinante. Tanto los perros de Tiziano como el viejo caballo de Géricault, la pincelada espesa de Lichtenstein o el trazo ligero de Bonnard, son fruto de una misma pasión: representar un mundo vivo. Ni siquiera en el arte abstracto, que parece distanciarse de la figuración, dejan de palpitar la luz o el movimiento de los cuerpos.
En palabras de Paul Auster, «Jean Frémon es un artista único, un escritor que vive en la zona radiante donde convergen la poesía, la filosofía y la narración».

Pintor de cámara de Felipe IV, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (junio de 1599-agosto de 1660) no es sólo una figura sobresaliente del barroco español, sino uno de los gigantes de la historia del arte occidental. Monet y Renoir, Corot y Courbet, Degas y Dalí, todos reconocieron su influencia. Picasso se sintió tan inspirado por su obra maestra, Las meninas, que pintó 44 versiones de ella.

La importancia de Velázquez se encuentra en su particular enfoque naturalista, en contraste con las formas idealizadas que dominaban en su época, el llamado Siglo de Oro. Entre sus primeros trabajos se cuentan numerosos bodegones, escenas de género de la vida cotidiana en España a principios del siglo XVII. En ellos, la calidez y riqueza de sus tonos y texturas contrasta con lo mundano de los asuntos y la humildad de sus protagonistas, como, por ejemplo, en la obra Vieja friendo huevos.

Más tarde, sus retratos como pintor de la corte llevaron el mismo naturalismo a los escalones más altos de la sociedad, marcando un profundo cambio en la representación de la realeza, con posturas más suaves y relajadas que dotaron a los personajes de tanta majestad como humanidad y personalidad. La obra más famosa de Velázquez, Las Meninas, también fue pintada en la corte real, si bien su enigmática composición plantea un amplio abanico de preguntas acerca de la realidad y la ilusión, y sobre la relación entre el pintor, la pintura y el espectador.

Esta nueva edición de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN presenta a Velázquez a través de obras clave de toda su carrera. Desde humildes escenas de género hasta retratos de la realeza, pasando por el exquisito desnudo de la Venus del espejo o el misterio de Las meninas, explore el dominio de la composición, el realismo de la representaciones y el manejo magistral de los tonos que hicieron de Velázquez, según Manet, “el pintor más grande de todos”.

Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. La segunda parte concreta ese sistema en la pintura a través de los escritos teóricos del célebre pintor Shitao (1641-1707). Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.

Isamu Noguchi, escultor, pintor, arquitecto de paisajes y diseñador, es un reconocido artista del siglo XX. Su fascinación por explorar posibles puntos de intersección entre la escultura, el espacio público y el juego han sido el motor principal de su obra.
Este libro es la primera recopilación que reúne la investigación completa del artista, realizada durante 50 años, en torno a los parques infantiles. A lo largo de sus páginas se aprecia el notable aporte de Noguchi a las artes visuales y a la educación, involucrándonos en el análisis de estos maravillosos espacios estéticos, lúdicos y recreativos que son los parques infantiles, enaltecidos por este artista, estadounidense y japonés, pero sobre todo "internacionalista", como a él le gustaba definirse.

Este léxico (según el título original en francés) o vocabulario, como se tradujo en español, es un compendio enciclopédico de los principales términos del mundo del arte. Aquí editamos la traducción de José Ramón Mélida, y anota más de 600 voces. La obra va adornada con una gran cantidad de ilustraciones originales del propio J. Adeline.

La exposición “Magiciens de la Terre” en el Centre Georges Pompidou en 1989, descubrió una profunda falla en el mundo del arte contemporáneo, limitado hasta entonces, con escasas matizaciones o excepciones, a las fronteras de Europa y América del Norte.
Veinticinco años después, la mirada occidental ha dejado de ser imperante, tal como se puso de manifiesto en el remake de “Magiciens de la Terre” que tuvo lugar en el mismo lugar, en julio de 2014, y que elevó la exposición de 1989 a la categoría de “muestra de culto”. En dicho remake, fue edificante repensar a través de documentos, epistolarios, publicaciones, filmes y fotografías la aventura conceptual de Magiciens de la Terre, pero sobre todo fueron estimulantes los debates llevados a cabo en la Bibliothèque Kandinsky del propio Pompidou sobre la genealogía de la exposición, su recepción crítica y los desplazamientos teóricos que implicó.
Los años que median entre “Magiciens de la Terre” de 1989 y su recreación documental en 2014 constituyen el territorio temporal que escanea y cuestiona este libro, un territorio de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, pero también por una economía en crisis que pone en entredicho el desarrollo basado en el crecimiento o por una política de sociedades pospolíticas que generan tanto utopías de no-fronteras como radicales procesos de carácter religioso y territorial.

Sólo veinte pinturas y ocho dibujos pueden atribuirse con toda seguridad al pintor flamenco Hieronymus Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), pero gracias a sus visiones fantásticas se ha convertido en uno de los artistas de culto más relevantes de la historia. Transcurridos 500 años desde su muerte, sus obras siguen siendo motivo de inspiración para investigadores, artistas, diseñadores y músicos, nombres de grupos de death metal y vestidos de diseño.

Esta edición de la serie Bibliotheca Universalis ofrece el universo inquietante de El Bosco al completo en un formato compacto. Con desplegables y una atención especial por los detalles, conocemos las facetas compositivas del artista y las creaciones más fascinantes e inquietantes salidas de su desbordante imaginación. Estas páginas reviven sus seres híbridos, sus escenas dantescas, su contexto religioso y moral, y sus versiones pictóricas de refranes y modismos. La sucesión de imágenes se complementa con los textos de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en la figura de El Bosco, que desvela al lector los temas y las influencias más relevantes de estas obras de arte crípticas e hipnotizantes.

Sólo veinte pinturas y ocho dibujos pueden atribuirse con toda seguridad al pintor flamenco Hieronymus Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), pero gracias a sus visiones fantásticas se ha convertido en uno de los artistas de culto más relevantes de la historia. Transcurridos 500 años desde su muerte, sus obras siguen siendo motivo de inspiración para investigadores, artistas, diseñadores y músicos, nombres de grupos de death metal y vestidos de diseño.

Esta edición de la serie Bibliotheca Universalis ofrece el universo inquietante de El Bosco al completo en un formato compacto. Con desplegables y una atención especial por los detalles, conocemos las facetas compositivas del artista y las creaciones más fascinantes e inquietantes salidas de su desbordante imaginación. Estas páginas reviven sus seres híbridos, sus escenas dantescas, su contexto religioso y moral, y sus versiones pictóricas de refranes y modismos. La sucesión de imágenes se complementa con los textos de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en la figura de El Bosco, que desvela al lector los temas y las influencias más relevantes de estas obras de arte crípticas e hipnotizantes.

En el quinto centenario de la muerte del Bosco, Siruela publica este ensayo profusamente ilustrado del escritor e hispanista Cees Nooteboom.
En plena polémica por la autoría de algunas de las obras catalogadas del pintor, Cees Nooteboom nos invita a repasar las pinturas del genial neerlandés a través de los recuerdos que el escritor ha ido atesorando en los últimos sesenta años. La importancia del pintor en la memoria de Nooteboom es notable, como demuestran los viajes que realizó para conocer y estudiar siete de sus pinturas en Lisboa, Madrid, Gante, Róterdam y Bolduque, la ciudad holandesa donde El Bosco vivió y trabajó. Esta obra literaria está profusamente ilustrada con detalles tomados de las pinturas del Bosco e incluye también siete obras completas.