Abordar el encuentro con el Otro no es tarea fácil. El Otro no se brinda de buena gana a la mirada de uno mismo. El " judío " , el " gitano " , el " negro " y el " musulmán " son las cuatro figuras de la alteridad objeto de este libro. Seguir su presencia en las artes figurativas occidentales desde los albores de la Edad Moderna hasta la Revolución francesa significa poner al desnudo un proceso complejo, en el cual se entretejen descubrimiento, construcción e invención. La colisión entre el canon visual occidental que acaba de cristalizar en el Renacimiento y la aparición de la imagen del Otro supone reconsiderar la propia identidad frente a este Otro. Tiziano, Durero, Carpaccio, Caravaggio, Rubens, por no citar sino algunos de los más contundentes ejemplos, se enfrentaron con " el extranjero " y dieron diversas soluciones.

Cuando solo es un niño, su madre le dice: «Si te haces soldado, llegarás a general. Y si te haces cura, serás Papa.» Años más tarde, Picasso explicará: «Decidí ser pintor, y me convertí en Picasso.» Es decir, el artista por excelencia del siglo XX. Le basta un solo cuadro, Las señoritas de Aviñón, para revolucionar la pintura moderna. Será el gran maestro del cubismo, pero también pintará lienzos a favor de la paz. En estas páginas descubrirás estas y otras historias de un pintor que nunca dejó de ser joven.

El arte moderno / Algunos recoge por vez primera en castellano los escritos de crítica de arte que Joris-Karl Huysmans había ido presentando en distintas publicaciones periódicas, y recogido después en sendos volúmenes editados originalmente en 1883 y 1889.
El libro permite trazar un mapa de las estéticas simbolistas y de su papel anticipatorio en la búsqueda de un modelo puramente interior como horizonte del arte moderno. La atención que Huysmans dispensa a cuestiones como el despuntar de la técnica, el monstruo, o la mujer fatal, permite además desvelar el flujo oculto del deseo en sus diversas manifestaciones en el arte, algo que pocos años después el psicoanálisis iría sacando a la luz.

Georges Duby sitúa las altas producciones del Occidente medieval en el movimiento general de la civilización y ofrece las claves para penetrar en este universo de formas fascinantes. Muestra cómo, en el siglo X, el gobierno de la producción artística pasa de manos de los reyes a las de los monjes; cómo, cien años más tarde, el renacimiento urbano establece la catedral como foco de las mayores innovaciones; y cómo, en el siglo XIV, la iniciativa artística vuelve a los príncipes y se abre a los valores profanos.

Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado en la ciudad de Nueva York, Rothko rechazaba las etiquetas e insistía en la creación de “una experiencia plena entre el cuadro y el espectador”.

Tras una etapa figurativa, Rothko desarrolló sus emblemáticos lienzos de bloques de vivos colores en rojo, amarillo, ocre, marrón, negro o verde. Subrayó que no había eliminado la figura humana con esos brillantes y vívidos espacios de color, sino que la había sustituido por símbolos o formas que contenían toda la tragedia de la condición humana. Al mismo tiempo atribuía explícitamente al espectador el poder de interpretar su obra. Según decía: “Un cuadro vive en compañía, expandiéndose y cobrando vida ante los ojos del espectador sensible”.

Desde sus tempranos inicios hasta sus campos de color más famosos, este libro descubre la inteligencia e influencia de la obra dramática, íntima y revolucionaria de Rothko.

Pese a que nunca salió de su tierra natal en los Países Bajos, Rembrandt van Rijn (1606-1669) cambió el curso del arte occidental con su extensísimo repertorio de pinturas, dibujos y grabados. Su prolífica obra abarca escenas religiosas, históricas y seculares, así como una de las más extraordinarias series de retratos y autorretratos de la historia.La textura, la luz y un agudo poder de observación son las características que identifican al maestro. Como repentinas y asombrosas apariciones en una oscura calle, los personajes brillan en fondos oscuros y profundos, fruto de una reproducción física y psicológica sumamente fiel y detallada. Ya sean figuras bíblicas o mitológicas, poderosos mecenas o conciudadanos, a todos ellos les confiere no sólo meticulosos rasgos faciales sino también la fuerza intrigante de los pensamientos y los sentimientos, de forma que incluso las narraciones de tiempos antiguos como el pasaje bíblico de David y Batseba alcanzan un nuevo nivel de drama humano. Rembrandt también fue el autor de una crónica de su propio rostro, desde su juventud hasta el año de su fallecimiento, compuesta por la serie más extensa de autorretratos jamás creada.

Su ascenso coincidió con la eclosión de la Edad de Oro neerlandesa, época de prosperidad en los Países Bajos. Contó con el estímulo de ricos mecenas, pero, ante todo, lo impulsaba una profunda fascinación por las personas. En este libro repasamos algunas de las pinturas, grabados y dibujos clave de Rembrandt para presentar sus técnicas, inspiraciones y logros excepcionales. Desde el estilo barroco de El festín de Baltasar hasta la fama mundial de La ronda de noche, descubrimos un mundo de tonos ricos y profundos, un talento magistral para el dibujo y una extraordinaria sensibilidad por la condición humana.

Para Marc Chagall (1887-1985) la pintura era un intricado tapiz de sueños, cuentos y tradiciones. Con su vocabulario visual, reconocible al instante, Chagall se forjó un lugar único en el arte de principios del siglo XX y fue, a menudo, identificado como una de las primeras expresiones de nuestra experiencia psíquica.

Los lienzos de Chagall se caracterizan por sus pinceladas vagas, sus colores profundos, su particular inclinación por el azul y un repertorio de tropos recurrentes entre los cuales figuran músicos, gallos, azoteas, flores y amantes que flotan en el aire. Rebosantes de encanto etéreo, sus composiciones solían estar plagadas de referencias complejas. En ellas combinó no sólo los colores y las formas, sino también sus raíces judías con su experiencia parisiense, las expresiones de fe con los gestos de amor, los símbolos de esperanza con los testimonios del trauma.

Esta fiel introducción al artista indaga en las múltiples versiones del rico vocabulario de Chagall. A través de escenas de nacimiento, amor, matrimonio y muerte, valiéndose de imágenes de la torre Eiffel o de escenas de Vítebsk, su ciudad natal, esta obra rinde homenaje a la estética única, tan elegante a la vista como atractiva a la imaginación, de uno de los más reconocidos maestros de la modernidad y uno de los artistas judíos más influyentes de todos los tiempos.

Mónica Mayer (México, 1954), creadora, crítica, docente y activista, representa la referencia más clara y consistente en el arte feminista mexicano desde la década de 1970. Este libro ofrece la primera retrospectiva de su trabajo artístico.
El libro presenta la obra de Mayer como un fenómeno integral y multidisciplinario, incorporando una amplia gama de producción, tanto individual como en colaboración con otros artistas y diversos públicos, replanteando aspectos medulares de la lectura del arte contemporáneo mexicano a partir de su consideración.

B de Alejandro Marote es el segundo paso evolutivo en el estudio de la transformación plástica que tiene la materia. Tras abandonar la ciudad (libro A), el autor se dirige ahora hacia el lugar donde los dos planos costeros fundamentales, la vertical de la palmera y la horizontal de la línea del mar, mantienen un pulso geométrico constante. La cruz nacida tras ese encuentro, desvela los secretos que guarda la materia para sus cambios de estado y deja la puerta abierta para poder viajar desde una realidad sólida hacia las fronteras de la abstracción líquida.

Tras toda una vida entregada al estudio y defensa de las bellas artes, el asturiano Juan Agustín Ceán Bermúdez emprendió en 1822 la que iba a ser su última gran obra, una monumental historia de la pintura en la que siguió trabajando hasta poco antes de su muerte.

Esta obra resulta tan novedosa como la trayectoria de quien fuera el primer historiador del arte español. Gracias a un trabajo muy laborioso que incluyó numerosas lecturas, viajes, registros en archivos y compra de estampas, Ceán pudo trazar un completo fresco de la evolución de la pintura europea. Incidió de manera especial en la pintura española, cuyo desarrollo puso en paralelo con el protagonizado por las grandes escuelas europeas. Nunca antes se había emprendido tarea semejante, y tardaría mucho en repetirse.

Esta es la primera vez que se publica en su integridad la parte dedicada a la escuela española de la Historia del Arte de la Pintura, cuyos once tomos todavía permanecen manuscritos en el archivo de la Real Academia de San Fernando. El lector tiene ahora la oportunidad de conocer mejor la aportación de Ceán Bermúdez, el autor más representativo de toda una generación que, bajo el signo de la Ilustración, creó la moderna historia del arte.

• Juan Agustín Ceán Bermúdez (Gijón, 1749 – Madrid, 1829) fue el primer estudioso en España en aplicar la crítica histórica nacida de la Ilustración a la investigación de las bellas artes. Estrecho amigo de personajes tan trascendentes para entender el pensamiento artístico de su época como Jovellanos o Goya, su pasión por la investigación le llevó a abordar todos los campos posibles de estudio, desde la arquitectura a la pintura pasando por la escultura, el dibujo, el grabado o la arqueología; y todas las épocas, desde la Antigüedad hasta su propio tiempo.
Residente durante muchos años en Sevilla y Madrid, viajó por buena parte de España, teniendo acceso a las mejores colecciones públicas y privadas, así como a los archivos más importantes. Lo que le quedó por ver, lo conoció gracias a una tupida red de corresponsales, que durante décadas le enviaron noticias esenciales para la historiografía española.
Rodeado de libros, dibujos, estampas y documentos, y frecuentando las obras de arte – en muchas ocasiones junto a sus amigos artistas –, creó una nueva disciplina en la que su labor erudita nunca dejó de lado la pasión por la contemplación de las obras de arte. Trabajador incansable, vinculado a las reales academias de su tiempo, su larga vida se consagró al estudio de las bellas artes. Auténtico pionero en nuestro país, sus trabajos son todavía indispensables para el conocimiento de la historia de las artes en España.