«El presente trabajo está pensado como contribución a una investigación de la historia de los problemas que tendría que exponer el concepto de crítica de arte a lo largo de sus transformaciones. Innegablemente, tal investigación de la historia del concepto de crítica de arte es algo completamente distinto de una historia de la crítica de arte misma; es una tarea filosófica, dicho más precisamente, de historia de los problemas. Lo que sigue no puede ser sino una contribución a su solución, pues no expone el conjunto de la historia de los problemas, sino sólo uno de sus momentos, el concepto romántico de crítica de arte».

La abstracción sacudió los cimientos del arte occidental. A principios del siglo XX, puso en jaque el dominio de las formas claras e indiscutibles y enfrentó al público con poemas visuales vívidos despojados de imágenes representativas convencionales y caracterizados por alegorías de emociones y sensaciones.

Esta aventura artística radical sentó las bases de un nuevo medio artístico, así como de narrativas novedosas. La expresión se caracterizó por las yuxtaposiciones sorprendentes de color, luz y línea. Los artistas dejaron atrás las convenciones del pincel y el caballete, y jugaron con nuevos materiales y métodos de cuño artístico: pinturas comerciales y pinceles de brocha gorda, lienzos sin estirar ni imprimar trasladados al suelo y aplicación de la pintura con las manos.

Esta monografía recorre el calado internacional, la profundidad conceptual y el impacto sísmico del arte abstracto con un estudio pormenorizado no sólo de artistas de fama mundial como Picasso, Klee, Kline, Rothko, y Pollock, sino también de figuras quizá menos conocidas pero igualmente relevantes, como Antoni Tàpies, K. O. Götz, Ad Reinhardt y Sophie Taeuber-Arp.

Busquen un manual de Historia del Arte Universal, y recorran pacientemente el índice de artistas. La inmensa mayoría de los nombres que van a encontrarse serán masculinos. La historia del arte está protagonizada por miles de señores con barbas y bigotes que componen una interminable genealogía de artistas. Las mujeres son en cambio objetos del arte, no sujetos: son las infinitas damas que posaron ante un hombre para que él hiciera su retrato, las prostitutas que exhibieron sus pechos magníficos delante de los pintores del Cinquecento o de los impresionistas, las modelos anónimas que hicieron de madonnas y mártires, de diosas y antiguas emperatrices legendarias, las inacabables mujeres desgarradas o incólumes que les sirvieron de inspiración.
Pero los libros de historia del arte no cuentan toda la verdad: muchas mujeres –no tantas como hombres, aunque muchas más de las que nos suelen decir– fueron también artistas, dedicaron largos años a aprender y compitieron con los hombres por hacerse un sitio en el siempre complejo mercado del arte.

En este completo ensayo, la escritora e historiadora del arte Ángeles Caso (Oviedo, 1959) nos presenta la obra y la vida de setenta y nueve artistas a través de sus autorretratos. Todas ellas fueron profesionales –menos una– y la mayoría lograron el éxito, pero fueron luego condenadas al olvido por una historiografía patriarcal. Descubrirlas a través de la imagen que ellas mismas quisieron dar al mundo es una buena manera de conocerlas.

• Características técnicas: Libro de 272 páginas con un tamaño de 21×25 sobre papel estucado mate volumen certificado PFS, con más 150 reproducciones en color.

Carlos Pazos empezó a exponer en 1969 en la sala de exposiciones del Ateneo Barcelonés y, desde aquel momento, lo ha hecho en las mejores galerías y museos del mundo como el MACBA (Barcelona), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centro Georges Pompidou (París), Gallerie Camille Von Scholz (Bruselas) o Joan Prats Gallery (Nueva York), entre otros. Ha ganado el Premio Nacional de Artes Plásticas de España y el el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalidad de Cataluña.
Este libro es el guión a posteriori de la película Art¡ss!mo, realizada por Carlos Pazos entre 2012 y 2015, en doble versión: en los múltiples idiomas originales y en su traducción al castellano.
Como es habitual en su trabajo, Carlos Pazos utiliza la técnica del collage para construir un discurso, pues entiende la cultura como acumulación y la cita como instrumento de propagación. En Art¡ss!mo, aplica dicha técnica al cine, reflejando la visión de los mundos del arte y la literatura que las películas transmiten, sin distinción de género, presupuesto o fecha de nacimiento.

«Como el agua que busca la grieta para escapar, el erotismo ha encontrado cualquier excusa para propagarse a través del imaginario visual que es la pintura. Cuanto más lo prohibieron, cuanto más estrecho y limitado fue el corsé de la iconografía, tanto mitológica como cristiana, y cuanto más se impuso el decoro del catolicismo fundamentalista, más encontró el pintor la manera de dar salida a sus fantasías.»
Falsas sirenas son es una guía secreta del erotismo en la pintura Occidental desde el Renacimiento hasta nuestros días: la guía privada y caprichosa del voyeur que nos invita a mirarla a través de la bocallave de la puerta, descubriéndonos la hermosa nuca de la Venus que pintó Velázquez después de poseerla en una tarde romana, la mirada recelosa de la niñera del hijo de Rembrandt que posa atemorizada ante su patrono o la prostituta que asoma tras el disfraz aristocrático de la imponente santa Catalina de Caravaggio. Es en este territorio de lo vislumbrado donde descubrimos que la llama que ha prendido en muchas de las imágenes icónicas de nuestro arte surge de la pulsión de Eros y que las falsas sirenas que las protagonizan siguen igual de vivas en nuestro imaginario que hace doscientos o dos mil años, sean la representación de la mujer como ser fatal o el recuerdo de un amor extinto.

«Tiempo de ensoñación: Andalucía en el imaginario de Fortuny» es el título de una exposición que satisface la deuda contraída con la obra y la figura de un pintor que convirtió Granada y Sevilla en escenarios de una de las etapas creativas más fecundas y estimulantes de su trayectoria profesional. La muestra y el catálogo  rinden homenaje al vínculo emocional y artístico que unió a Fortuny con el paisaje andaluz.
El volumen recoge las aportaciones realizadas por diferentes especialistas y estudiosos que abordan la dimensión multidisciplinar de un artista y de un tiempo histórico muy sugerente para la historia de la cultura europea. También se analiza el protagonismo que tuvo Fortuny en la configuración de un modelo pictórico: el del alhambrismo orientalista.

Coincidiendo con el 150 aniversario del nacimiento del artista Ramon Casas (Barcelona, 1866-1932), la exposición coproducida por Caixaforum y los Museos de Sitges tiene por objetivo reivindicar una de las figuras más relevantes del modernismo catalán, mostrando un amplísimo abanico de su producción, con una gran diversidad temática y un amplio espectro formal que pone de manifiesto su apertura a las nuevas corrientes estéticas internacionales, así como su voluntad inquebrantable de profundizar en el dominio de la técnica pictórica

Las unidades de «genio y locura» y «arte y neurosis» son dos de los muchos atributos adscritos a la figura del artista y que, a su vez, han configurado los diversos modelos de productividad artística.
En esta obra Eckhard Neumann trata de esbozar el origen del mito del artista de la cultura occidental, para lo cual examina las más diversas concepciones de la historia del pensamiento, incluidas las teorías psquiátricas y psicológicas de la creatividad.
Mitos de artista esclarece la determinación social de los modelos de identificación de los que se sirven los profesionales del arte en la conformación de su identidad.
Esta edición aparece enriquecida por un nuevo prefacio escrito expresamente por el autor para la misma.

El volumen recoge un momento único par las vanguardias en España como fue la San Sebastián de los años 30. En torno a esta ciudad se congregaron en pocos años figuras de la talla de Oteiza, Celaya, Picasso, Lorca o Le Corbusier.

El genio de Alberto Giacometti es de sobras conocido por cualquiera interesado en el arte del siglo xx. No así la figura de Diego, que ha permanecido siempre a la sombra de su brillante hermano. James Lord, testigo privilegiado de los círculos artísticos de París, conoció a ambos y tuvo ocasión de observarlos en su hábitat natural: el taller que compartían en la rue Hippolyte-Maindron y los bistrots de Montparnasse. El retrato que dibuja Lord de los dos hermanos, construido mediante los diálogos con uno y otro, con Annette, la mujer de Alberto, con las personas de su círculo más íntimo y sobre todo gracias a la mirada afectuosa y perspicaz del propio Lord, resulta a la vez inquietante y conmovedor.
Desde su llegada a París en el año 1925, Diego se convirtió en colaborador indispensable del ya famoso Alberto, pues era él el experto en las técnicas del yeso y la forja: no había escultura que no pasara por sus manos y, de hecho, algunas de las que se pagaron como Giacomettis eran obra suya. «Mi suerte fue tener a Alberto», le confesó un afligido Diego al autor poco después de su muerte. Por su parte, Alberto no perdía ocasión de mostrar la creación más reciente de su hermano a los visitantes del estudio y de subrayar su excepcional talento. Lord no tardó en reparar en cómo las esculturas de uno eran en buena medida deudoras de la destreza manual del otro, una de las manifestaciones de la devoción y la interdependencia que existía entre los miembros del triunvirato que conformaban ese «mundo aparte»: Alberto, Annette y Diego. La mirada de Alberto tenía el don de transformar en únicas a las personas a las que quería, Diego entre ellas; pero es igualmente cierto que sólo después de la muerte del primero el segundo pudo realizarse como nunca en vida de su hermano.