El siglo ilustrado asistió al declive de una concepción transcendente de la existencia humana basada en la virtud de la fe. Mas el tiempo histórico de la nación y de la Öffentlichkeit (Habermas) comenzó a articular la experiencia colectiva desde otra clase de creencias: por ejemplo, la noción de crédito público entendido como «la opinión que los hombres forman de la ajena probidad» (1796). Que, sin embargo, la antigua virtud teologal no fue del todo sustituida por la nueva confianza de los ciudadanos lo demostró el empleo de la iconografía religiosa para reforzar el mensaje de documentos donde la representación de los valores monetarios se hallaba más próxima al cumplimiento de ciertas obligaciones. La tesis anterior se sustenta en el análisis de los títulos de crédito (vales, acciones, cédulas) producidos y circulantes en la España borbónica. Fue la época dorada de las artes del grabado, una técnica de reproducción documental de inmediato puesta al servicio del dinero. El gobierno oeconómico de la monarquía estuvo detrás de la emisión de los instrumentos financieros pero también de la formación de aquellos artistas que los diseñaron, mostrándonos ahora un insólito cruce entre la historia del arte y la historia del Derecho mercantil.

En las fotografías de Madoz los objetos se alteran, se mezclan sin violencia y parecen flotar o pertenecer a lugares fuera del tiempo y la realidad. La fotografía se convierte en una forma de crear lenguaje, poesía a partir de imágenes frágiles, familiares y sorprendentes. Imágenes evocadoras que alteran nuestra percepción y se abren a los múltiples significados que encuentra el que las mira.

La imagen, como objeto historiográfico y fuente documental de suma utilidad, parece estar constituyendo en la actualidad un campo de investigación interdisciplinar que algunos denominan " historia de la cultura visual " ; donde, sobre todo, confluyen la Historia y la Historia del Arte. Así, el estudio de la iconografía, desde una perspectiva diferente a la tradicional, otorga una especial relevancia al contexto y el acervo ideológico-cultural en el que surge y cumple su función. Del mismo modo, a la influencia ejercida por los hábitos y usos visuales de cada etapa histórica, decisivos en la manera de ver y entender las imágenes. El arte, pues, es una consecuencia de las instituciones sociales de su entorno, mas ello no impide que sus artífices puedan transgredir las normas estilísticas refrendadas. A partir de este prisma metodológico, el libro explora el impacto del discurso ascético-espiritual en la producción artística de la Contrarreforma, pero desde el punto de vista de la religión. En un periodo histórico en el que la Iglesia se benefició de las cualidades seductoras y conmovedoras del arte, de su virtualidad ritualista y ceremoniosa, en aras de la transmisión y consolidación de principios ético-piadosos paradigmáticos.

Con apenas 30 años, Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) ya había dado forma a dos de las esculturas más famosas de la historia del arte: el David y la Piedad. Sus logros como escultor, pintor, dibujante y arquitecto resultan inigualables: ningún artista ha sido capaz de generar una obra tan extensa y polifacética.

Esta nueva edición de TASCHEN sigue el ascenso de Miguel Ángel hasta la élite cultural del Renacimiento. Diez capítulos ricamente ilustrados muestran las pinturas, esculturas, construcciones y dibujos del artista, así como un exhaustivo análisis de la magnífica proeza que supusieron los frescos de la Capilla Sixtina. Reproducciones a toda página y detalles ampliados permiten a los lectores apreciar los más mínimos detalles del repertorio del artista, acompañadas por un ensayo biográfico que explora los rasgos y circunstancias más personales de Miguel Ángel, como su carácter solitario, su afán por conseguir dinero y encargos, su inmensa riqueza y su talento como inversor inmobiliario.

Tras el éxito de sus novelas de la serie «Crónicas del Renacimiento» Matar a Leonardo da Vinci y Rezar por Miguel Ángel, Christian Gálvez presenta en esta ocasión un fascinante análisis ilustrado de todas las teorías existentes sobre la imagen de Leonardo da Vinci.

Con estas palabras Giorgio Vasari, uno de los primeros historiadores de arte y autor de las biografías de los artistas italianos durante el Renacimiento, asegura que existe un retrato de Leonardo da Vinci que Francesco Melzi, alumno, secretario y ayudante del artista florentino, guardó al morir el maestro. Por lo tanto tenemos una referencia histórica real de dicha imagen.

¿A qué retrato se refería Vasari? ¿Al supuesto autorretrato que guarda la Biblioteca Real de Turín y que mundialmente se reconoce como tal?, ¿o por el contrario al retrato que realizó Francesco Melzi mientras su maestro seguía con vida? ¿Son compatibles ambos retratos? ¿Coinciden esas imágenes con el resto del imaginario de Leonardo da Vinci, tales como El hombre de Vitruvio de Venecia o La última cena de Milán? ¿Es Leonardo el creador y el modelo de la Sábana Santa de Turín?

A través de estas páginas repasaremos todas las teorías que eruditos, historiadores y expertos en arte han elaborado en torno a la imagen del artista florentino y, ¿quién sabe?, encontrar el verdadero rostro del polímata más conocido de la historia de la humanidad: Leonardo da Vinci.

Goya no fue sólo uno de los artistas más importantes de su tiempo. Fue también un hombre comprometido con su época y un observador lúcido de lo que de grande y de miserable tiene la condición humana. Hijo de la Ilustración, Goya fue el testimonio privilegiado de acontecimientos históricos de primer orden, como la entrada en la Península de los ejércitos de Napoleón, que iban a traer a España, como pensaban muchos, el progreso y las ideas de las luces. Sin embargo, ante lo ocurrido, a Goya se le plantearon muchas preguntas: ¿Puede imponerse el bien por la fuerza? ¿Es posible controlar la violencia con la razón? ¿Qué vía queda abierta cuando todas las promesas han sido traicionadas? Preguntas que hoy siguen planteándose y a las que Goya intentó dar respuesta a través de su pintura. Todorov analiza en este libro al Goya pensador, al indagador de las potencias oscuras que, en paralelo a la voluntad y a la razón, dominan la vida de los hombres. Y nos descubre una forma radicalmente nueva de ver la figura y la obra de Goya hasta situarlo como uno de los pensadores más profundos, no menos que su contemporáneo Goethe o que Dostoyevski cincuenta años más tarde.

Caravaggio, o para ser más exactos Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), siempre fue una figura de relevancia. El artista, considerado un rebelde de la pintura italiana, fue a la vez alabado y vapuleado. De temperamento violento y técnica precisa, fue un maestro creativo y un fugitivo de la justicia. En la actualidad se le considera una de las figuras más influyentes de toda la historia del arte.

Esta edición de Bibliotheca Universalis ofrece un ordenado pero exhaustivo catalogue raisonné (catálogo exhaustivo, con todas las obras conocidas) de Caravaggio. Todas sus pinturas se reproducen a partir de fotografías recientes de gran calidad que permiten disfrutar en primera persona del genial repertorio de miradas y gestos del artista y de numerosos detalles de ese personal realismo que traspasaba límites. Los cinco capítulos que lo completan recorren toda la trayectoria de Caravaggio, desde sus primeros encargos públicos en Roma hasta el punto más alto de su celebridad. Asimismo, la detallada cronología del libro repasa su tempestuosa vida personal, en la que lo trágico tuvo el mismo protagonismo que los claroscuros en sus lienzos.

Bajo el mecenazgo de la poderosa familia Medici, con un importante catálogo de obras religiosas y seglares, y contribuciones a la célebre Capilla Sixtina, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) tenía asegurada la fama. Aún así, tras su muerte su obra quedó en el olvido durante cuatrocientos años. Fue en el siglo XIX cuando el pintor empezó a obtener un importante reconocimiento histórico y artístico.

En la actualidad, Botticelli está considerado una figura destacada del Renacimiento temprano florentino. Sus obras seglares El nacimiento de Venus y Primavera, sobre todo interpretadas como alegorías de la primavera, se encuentran entre las pinturas más célebres del mundo, espléndidas con sus delicados detalles, líneas elegantes y equilibrio compositivo. Sus disposiciones son fluidas pero preparadas; sus figuras, serenas pero sensuales. Venus, en particular, está considerada como un icono histórico-artístico de la belleza: de tez pálida y rasgos delicados, con una tenue promesa de fecundidad.

Esta introducción esencial presenta obras clave de Botticelli para comprender el nacimiento de una leyenda del Renacimiento. A través de las escenas alegóricas y mitológicas más famosas del pintor, así como de sus brillantes obras religiosas, exploramos su maestría en figuración, movimiento y las líneas que ha inspirado a artistas como Edgar Degas, Andy Warhol, René Magritte o Cindy Sherman.

La cuestión del dibujo recoge medio centenar de dibujos a lápiz, pastel y collage de quien probablemente pase a la historia como el artista más importante del siglo XX, Francis Bacon. No se trata de meros bocetos sino de obras de arte por derecho propio, muchas de ellas de gran tamaño y apabullante colorido, en las que se repiten algunos de los temas que obsesionaron a Bacon a lo largo de su carrera, como el papa Inocencio X de Velázquez, las crucifixiones, o los retratos y autorretratos.
A pesar de que la autenticidad de los dibujos de Francis Bacon ha sido una cuestión controvertida, con procesos judiciales incluidos, la aparición de distintas evidencias a partir de la muerte del artista en 1992 ha desmentido la idea de que Bacon jamás dibujaba que ?o incluso que no sabía dibujar? que se tuvo por cierta durante años. Bacon sí dibujaba, y lo hacía de forma prolífica y con la misma maestría con la que pintaba. La espléndida colección de unos seiscientos dibujos donados a su amigo Cristiano Lovatelli Ravarino, de la que aquí se recoge una parte importante, es una excelente muestra.
El presente catálogo incluye un extenso y documentado ensayo de Fernando Castro Flórez, comisario de la muestra, así como textos del crítico de arte británico Edward Lucie-Smith, del crítico de arte italiano Giorgio Ruggeri y del propio Ravarino.