Dibujar el movimiento es en realidad crear una ilusión visual de tiempo y desplazamiento. Los métodos para conseguirlo son sencillos y muy numerosos, pero hay que conocerlos. Desde difuminar o desdibujar un fragmento de lo que estamos representando hasta jugar con la densidad del trazo o incluso con nuestra propia concepción de la fuerza de la gravedad... Peter Boerboom y Tim Proetel recogen en este compendio casi 200 ejemplos comentados de recursos gráficos para crear la ilusión visual de movimiento. Una guía para principiantes y profesionales que sin duda alguna se convertirá en un libro de necesaria consulta para experimentar con las infinitas posibilidades de representación del dibujo.

Representar la luz sobre un papel consiste, en realidad, en oscurecer una superficie para crear una ilusión visual de luminosidad. En otras palabras, iluminar a través del oscurecimiento: ese es el reto de la representación visual de la luz y en este libro Peter Boerboom y Tim Proetel recogen cerca de 150 ejemplos comentados que nos desvelan las numerosas técnicas y recursos gráficos —desde las sombras y los degradados hasta los contrastes y la perspectiva— que nos permiten solucionar esta maravillosa paradoja. Un compendio dirigido a principiantes y profesionales que sin duda se convertirá en un libro de obligada consulta a la hora de experimentar con las infinitas posibilidades de representación del dibujo.

?Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte.? Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporánea. Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen de forma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistas que le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras. Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aun en vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcan desde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta el advenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los del segundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hasta Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado de Berger.

La vida, signifique lo que signifique, no es algo que pueda explicarse desde la eternidad. La memoria de Mariano Fortuny y Marsal ha estado demasiado condicionada por la épica de un destino artístico situado más allá de los avatares terrenales. Sin embargo, como todos los seres humanos, hubo de conciliar sus aspiraciones personales con la complejidad de un sistema que cambiaba rápidamente, condicionado por las apariencias y el dinero. A mediados del siglo XIX, el arte empezó a funcionar como un elemento de prestigio para una nueva élite deseosa de exhibir su poder, no siempre experta en sutilezas estéticas.
La posesión y el reconocimiento de las obras de Fortuny se convirtió en un signo de distinción de clase que aparece profundamente determinado por pasiones humanas. Esta circunstancia singular sirve de arranque para adentrarse en un universo de intereses mundanos que va más allá de la pura trayectoria vital del pintor, observada desde una multiplicidad de puntos de vista, tales como la amistad, el amor, la frivolidad, la presunción, el sexo o la nostalgia. A través de un relato fresco y ágil, que escapa al futuro perfecto de los grandes discursos, se desnudan con ironía los protagonistas, en cuyas actitudes, a veces prosaicas y banales, se reconoce el sentido más vital del arte.

Con el movimiento y las máquinas como armas más preciadas, el futurismo fue fundado en 1990 por Filippo Tommaso Marinetti, junto con los pintores Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà y Gino Severini. Con pintores, escultores, diseñadores, arquitectos y escritores entre sus filas, el grupo intentó introducir el anticuado sistema establecido en una nueva era de elegante, fuerte y purificada modernidad.

El papel del futurismo en la historia del arte es tan ambivalente como importante. El movimiento creó métodos revolucionarios para aportar movimiento, luz y velocidad, pero también suscitó polémica por su glorificación de la guerra y su apoyo al fascismo. Sus lienzos frenéticos, casi furiosos, son tan notables por su agresividad machista como por su experimentación radical con las pinceladas, la textura y el color, que buscan captar el movimiento de un objeto en el espacio.

Con ejemplos clave de la prolífica producción de los futuristas y de sus principales representantes, este libro muestra el movimiento que escupió con virulencia a todos los -ismos del pasado y, al hacerlo, creó un -ismo propio.

Con su estilo gráfico, la distorsión de las figuras y el desafío a los ideales convencionales de belleza, Egon Schiele (1890-1918) fue un pionero del expresionismo austriaco y uno de los retratistas más asombrosos del siglo XX.

Tras un breve flirteo con el brillante estilo art nouveau de Gustav Klimt, su mentor, Klimt desarrolló su propia estética, mucho más cruda y agresiva, de líneas bruscas, tonos mórbidos y figuras alargadas. Sus numerosos retratos y autorretratos dejaron anonadada a la clase alta de Viena por su intensidad psicológica y sexual sin precedentes, que favorecía las poses eróticas, reveladoras o perturbadoras, en las que los modelos se acurrucan en el suelo, se tienden con las piernas abiertas, fulminan con la mirada al espectador y muestran sus genitales. Sus modelos podían ser esqueléticos y enfermizos o, por el contrario, fuertes y sensuales.

Muchos de sus coetáneos consideraban la obra de Schiele fea e incluso cuestionable moralmente, y en 1912 el artista cumplió una breve sentencia de cárcel por obscenidad. En la actualidad, su obra es admirada por su revolucionaria visión de la figura humana y por su peculiar trazo, directo y apasionado, casi furioso. Este libro presenta obras clave de Egon Schiele que son un reflejo de su breve pero intensa carrera y de su profunda contribución al desarrollo del arte moderno, que ha alcanzado a talentos contemporáneos como Tracey Emin y Jenny Saville.

Héroe rebelde del expresionismo abstracto, Jackson Pollock (1912-1956) iluminó a lo largo de su vida el panorama artístico de Estados Unidos cual pirotécnico. Canalizando ideas de fuentes tan dispares como Picasso y el surrealismo mexicano, rechazó las convenciones existentes en aras de concebir un modo personal de mirar, interpretar y expresarse.

Las obras más famosas de Pollock son sus pinturas realizadas mediante la técnica del dripping, en la que dejaba gotear y vertía pintura esmaltada sobre el lienzo sirviéndose de instrumentos variopintos, desde palos a jeringas, pasando por pinceles endurecidos y hasta fragmentos de cristal. Las salpicaduras resultantes rebosan energía y sustituyen el refinamiento del caballete y el pincel por algo, en conjunto, más inmediato, vívido y físico. Para evitar que el espectador buscara elementos figurativos en sus lienzos, Pollock optó por no titularlos y simplemente los identificaba de manera neutral con un número.

Conocido por ser un hombre huraño y volátil que batallaba con el alcoholismo, casado con la también artista expresionista abstracta Lee Krasner, Pollock, que falleció en un accidente de coche cuando sólo tenía 44 años, es un fascinante referente creativo y un pionero del arte. Esta introducción esencial sobre el artista explora tanto su trabajo como su fama para entender el valor de algunas de las que ya son obras maestras esenciales en la historia moderna y su condición de icono cultural.

La Colección Alicia Koplowitz-Grupo Omega Capital es, sin duda, una de las mejores colecciones privadas de España. Compuesta por obras que recorren toda la Historia del Arte occidental, desde la época clásica hasta la contemporánea, la colección está marcada por un inequívoco sello autobiográfico en el que el universo femenino cobra especial importancia. Asimismo, destaca el conjunto de obras de los siglos XVIII y XX, centurias históricas en el proceso de modernización del arte.
Este catálogo recoge la exposición, inédita en España, que presenta la Colección de Alicia Koplowitz-Grupo Omega Capital. Celebrada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, de julio a octubre de 2017, reúne una selección de alrededor de 90 obras de grandes artistas como Zurbarán, Pantoja de la Cruz, Goya, Canaletto, Van Gogh, Toulouse Lautrec, Picasso, Tàpies, Bacon, Calder o Louis Bourgeois, entre otros.

Al igual que otros pintores de su época, Sorolla sintió fascinación por los jardines, en especial los jardines andaluces de la Alhambra de Granada y el Alcázar de Sevilla. Sus largas visitas a estos jardines históricos le permitieron conocer los rasgos característicos de la jardinería hispanomusulmana; rasgos que luego aplicaría en su propio jardín, construido en su casa de Madrid hacia 1911. Dotado de elementos decorativos traídos especialmente de Andalucía como fuentes, azulejos, estatuas y columnas, el jardín de Sorolla es de gran importancia ya que supone el inicio ? a pequeña escala ? del estilo neoespañol.
Este catálogo recoge la exposición celebrada en CaixaForum Sevilla,
de julio a de octubre del 2017 y, posteriormente, en la Fundación Bancaja de Valencia. En ella se aborda el trabajo de Sorolla como ?pintor jardinero?, artífice de su propio jardín como espacio de disfrute pero, sobre todo, de creación pictórica. La exposición reúne alrededor de 176 obras entre las que se incluyen bocetos, dibujos, óleos, escultura, azulejos y fotografías que trazan un recorrido desde sus primeras obras sobre los jardines andaluces hasta las que retratan su propio jardín.