Surgidos en 1848 como una sociedad secreta, los prerrafaelitas rechazaban los ideales clásicos y la pintura del género artístico dominante en esa época y apostaban por un enfoque, según ellos, más espiritual, sincero y naturalista. William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rosetti fundaron la sociedad, que acabó convirtiéndose en una "hermandad" de siete miembros que incluía poetas y críticos, además de pintores.

Alejándose de las composiciones clásicas como las de Rafael (de ahí el nombre del grupo), los prerrafaelitas se inspiraron en la cultura medieval y los colores brillantes del arte del Quattrocento. En un principio, sus temas principales eran religiosos, pero también recurrieron a la literatura y la poesía. Un ejemplo de ello es la famosa Ofelia de sir John Everett Millais, extraída del Hamlet de Shakespeare. Inspirados por las teorías de John Ruskin, también se dedicaron al estudio exhaustivo de la naturaleza.

Este libro muestra obras clave del grupo prerrafaelita para introducir sus principios reaccionarios, sus deslumbrantes colores, su interés por el amor, la muerte y la naturaleza, y su extensa influencia en el simbolismo moderno, entre otros movimientos.

«Llevábamos tiempo con la idea de incorporar el teatro a nuestra colección de libros ilustrados y nos parece que un excelente primer libro sería uno que reuniese los mejores carteles que el ilustrador y diseñador Isidro Ferrer ha ido creando para el CDN en los últimos años, comentados por dramaturgos, actores, escenógrafos,etc.: Juan Echanove, Miguel del Arco, Andrés Lima, entre otros muchos.
En estos maravillosos carteles, Isidro Ferrer mezcla realidad, fotografía, ilustración y diseño en extraños collages que, dentro de su sencillez, nos proporcionan una potente lectura de la obra. Texturas, tramas, madera,hierro, manchas de color, tipografías y máscaras son los materiales con los que ilustra las obras.»

Se suele decir que una imagen es la imagen de algo, lo que supone cierta relación con el referente, el mundo real. ¿Cuál es la naturaleza de esta relación? Las artes modernas, con la fotografía en primer lugar, han modificado esta relación tanto en la práctica como en la teoría.
Hoy en día, toda la crítica de imágenes oscila entre una confianza excesiva en esta relación (por ejemplo cuando Barthes considera la fotografía bajo el ángulo fenomenológico del «esto-ha-sido») y un recelo excesivo hacia las consecuencias de su manipulación (por ejemplo, cuando en una fotografía no vemos sino una ilusión, una mentira producida por la sociedad del espectáculo).
Planteamos la reflexión, pues, en una perspectiva más dialéctica, más matizada, para buscar cuáles son los puntos de contacto que la imagen, por libre e imaginativa que sea, puede establecer con lo real.

Georgia O’Keeffe fue una artista estadounidense de espíritu independiente que experimentó con las composiciones abstractas, se dejó influir por el arte indígena y desarrolló un estilo personal alejado del realismo. El legado de O’Keeffe influyó sobre toda una generación posterior de artistas por lo que está considerada como la madre del modernismo americano.

Georgia O’Keeffe fue una artista estadounidense de espíritu independiente que experimentó con las composiciones abstractas, se dejó influir por el arte indígena y desarrolló un estilo personal alejado del realismo. El legado de O’Keeffe influyó sobre toda una generación posterior de artistas por lo que está considerada como la madre del modernismo americano.

Un siglo después de su muerte, el artista vienés Gustav Klimt (1862-1918) continúa sorprendiendo con su desvergonzado erotismo, sus superficies deslumbrantes y su experimentación artística. En esta impecable y rigurosa monografía reunimos las obras fundamentales de Klimt junto a prestigiosos análisis histórico-artísticos y material del archivo personal de Klimt para seguir la evolución de su asombrosa obra.

Con ilustraciones de primera calidad, incluyendo nuevas fotografías de la aclamada serie de mosaicos Stoclet Frieze, el libro repasa la trayectoria de Klimt y su papel destacado en el movimiento secesionista de 1897, su cándida y fiel representación del cuerpo femenino y su deslumbrante época dorada, en la que el pan de oro aportó textura y un tono brillante a obras tan célebres como El beso y Retrato de Adele Bloch-Bauer I, también conocido como La dama de oro.

Un viaje a través del arte es un libro único que cuenta cómo ha sido el desarrollo de distintas <br />expresiones del arte en todo el mundo.<br /><br />Con él viajarás a treinta destinos de los cinco continentes para descubrir asombrosas obras <br />de arte y las culturas que las crearon. <br /><br />Trasládate a las cuevas de Nawarla Gabarnmung, en Australia, en el año 35000 a. C.; al templo egipcio de Luxor en 1250 a. C.; a la Roma del año 1; a Angkor Wat, en Camboya, en 1150; a Florencia durante el Renacimiento; a Nueva York en la década de 1950; a Río de Janeiro en la actualidad… ¡y a muchos otros lugares y épocas fascinantes!.

Los ensayos reunidos en este libro contemplan el arte contemporáneo como una zona de conflicto en la que artes plásticas y entorno visual confluyen y chocan al mismo tiempo. El lápiz conté, los pigmentos con aglutinante, el papel litográfico, el " collage " , la madera, el acero galvanizado, el plexiglás, el contrachapado, la película cinematográfica, la cinta de vídeo, en fin, las acciones o procesos, son algunas de las inertes materias de las que se ha partido para la realización de los ingrávidos artefactos que aquí se comentan. Son sus autores Pablo Picasso, Joan Miró, Fernand Léger, Luis Buñuel, Josep Renau, Salvador Dalí, Willem de Kooning, Richard Hamilton, Robert Morris, Joan Brossa o Victor Burgin. El objetivo es mostrar, a través de la lente de sus obras y trayectorias, las transformaciones sufridas por el arte en el curso del siglo que nos ha precedido y que de forma tan directa moldea la actividad creativa del presente.

Desde las laberínticas callejuelas y las plazas serenas del Barrio Gótico hasta los impresionantes ejemplos de arquitectura modernista del Eixample, Barcelona es un lugar de encanto irresistible. Por toda la ciudad se reparten letreros deslumbrantes: resplandecientes mosaicos y vitrales, intrincadas piedras talladas y brillantes letreros dorados que anuncian la ecléctica variedad de comercios de la ciudad. Todo ello ha sido documentado con gran cariño e incansable dedicación por la célebre diseñadora gráfica Louise Fili.

Gráfica de la calle no solo es un personal diario de viaje sino también un tesoro fotográfico de los letreros y rótulos más llamativos y originales de restaurantes y hoteles, farmacias y pastelerías, talleres de artesanos y grandes almacenes de la ciudad condal, una carta de amor a Barcelona y una valiosa fuente de inspiración para diseñadores y, cómo no, para todos aquellos admiradores de la ciudad de Gaudí.

Aparecido en 1911, nos encontramos ante el texto teórico más difundido de Kandinsky, un discurso estético que desemboca en la práctica de la abstracción no figurativa. Lejos de ser un texto pragmático —no pretende apelar a la razón y al cerebro—, se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y busca resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas. Una obra que, gracias a su gran poder comunicativo, ha acabado ejerciendo una influencia profunda e indiscutible.