* Del siempre provocador autor de La vida de los surrealistas, nos llega este análisis innovador y entretenido sobre la importancia del lenguaje corporal en el arte, en el que reúne los dos ámbitos en los que es experto, el arte y la ciencia. * Cada vez que un artista representa a un ser humano, tiene que tomar una decisión respecto a la postura de la figura. ¿Estará de pie, sentada o recostada? ¿Sonriendo, gritando o llorando? ¿Se sujetará las manos, cruzará los brazos o alzará un puño?
* Además de analizar actos tan familiares como el apretón de manos, la señal de burla con el pulgar en la nariz y el codo dominante, Morris nos adentra en una absorbente historia de descubrimiento del arte y rastrea las raíces de numerosos gestos que han desconcertado e intrigado al mundo del arte durante años.
¿Por qué, por ejemplo, Napoleón posaba para los retratos oficiales con la mano derecha metida en su chaleco? ¿Qué significa el gesto que presenta El caballero de la mano en el pecho, de El Greco?
Un libro que abarca una enorme creatividad visual, desde figuras prehistóricas, objetos romanos y frescos renacentistas hasta arte contemporáneo y grafitis, y que nos desvela nuevas formas de observar el arte y nos descubre similitudes sorprendentes, además de gestos que hoy apenas se utilizan. Así, incluso las obras más conocidas se ven, de repente, bajo un nuevo prisma.

A menudo imitado pero nunca igualado, Jan van Eyck (c. 1390-1441) dejó una huella indeleble en el arte renacentista y allanó el camino a los futuros pintores realistas. Con una precisión sin precedentes y un uso magistral del color, el Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, que representa la boda de una joven pareja, es testimonio de la maestría del pintor flamenco, referente de la escuela pictórica holandesa de los primitivos flamencos. Van Eyck pintó temas tanto seculares como religiosos, y enfatizó un realismo y naturalismo que se movía a la perfección entre el reflejo de la vida cotidiana del siglo XV y planteamientos poéticos y celestiales. Trabajó con pintura al óleo y aportó innovaciones técnicas que permitieron lograr colores de gran intensidad y profundidad.

Conozca la impresionante obra del artista con esta monografía publicada en tapa dura que incluye retablos, imágenes religiosas y retratos de encargo. Con detalles ampliados y pormenorizados análisis de obras maestras como el Altar de Gante, este libro también ofrece una cronología de la obra de Van Eyck, incluida la producción de su taller, que continuó incluso tras su muerte.

En pleno fragor de la Primera Guerra Mundial, poco después de que en Zúrich naciera el Dadaísmo y en Rusia el Suprematismo, un reducido grupo de artistas funda en Holanda la revista De Stijl y establece los principios fundamentales de la estética neoplástica. Hoy son de sobra conocidos los productos de la moda y del marketing que utilizan el lenguaje de Mondrian: desde el famoso vestido de Yves Saint Laurent a los frascos de cosméticos de l’Oréal. Pero muy pocos saben qué se esconde en realidad detrás de esas líneas y de esos colores tan característicos. En el presente volumen, Charo Crego desentraña lo que nos quieren decir los cuadros de Mondrian, los muebles de Rietveld o las casas de Oud. Tras un detallado estudio histórico del grupo y de sus relaciones con las demás corrientes de vanguardia de la época, la autora analiza las obras artísticas y las ideas estéticas de estos artistas, ofreciéndonos un apasionante y riguroso retrato de este movimiento artístico

Un pintor que se pregunta por el origen de las imágenes; un poeta que reflexiona frente a las obras de otros artistas; un filósofo que pinta mientras cuestiona el lugar del artista en la sociedad: tras Todas las pantallas encendidas y Manifiesto de la mirada, Antón Patiño culmina su trilogía sobre la teoría de la imagen con De dónde vienen las imágenes, un periplo a través de la práctica artística, entendida como forma de conocimiento y exploración sensorial. Patiño rastrea los procesos artísticos donde los distintos estratos de la creación establecen una urdimbre con el imaginario colectivo. El relieve del mundo, las sensaciones multiformes, los presentimientos toman cuerpo. La imagen como vértigo, irrupción de lo inesperado, extrañamiento y pulsión inconsciente, desde la que emerge lo real transfigurado. Se trata de lograr respuestas a inquietudes que definen nuestro momento histórico y atraviesan diferentes geografías culturales. Las imágenes se integran, forman parte de nosotros mismos y se despliegan como proceso y construcción sociocultural.

En todo el mundo, el diseño italiano es sinónimo de sofisticación e innovación técnica. La razón es que ningún otro país abraza el buen diseño con tanta pasión. Como nación, Italia está enormemente orgullosa de su incomparable “industria del diseño” y de un estilo que se entrelaza en el tejido mismo de su cultura. Italian Design presenta a las principales figuras de Italia y sus obras más importantes, al tiempo que explora las ideas clave que subyacen en ellas, del racionalismo al pop y al antidiseño radical.

Este volumen traza la evolución del diseño italiano durante los últimos 100 años a través de obras impresionantes que revelan el alcance increíblemente amplio del diseño italiano, desde muebles elegantes y con estilo y originales luces escultóricas hasta superbikes de grandes prestaciones y automóviles extraordinarios.

El libro dedica entradas a una selección estelar de diseñadores que incluye a Joe Colombo, Vico Magistretti, Carlo Mollino, Gio Ponti y Ettore Sottsass, a influyentes grupos como Archizoom, Studio65 y Superstudio, y a varias marcas de fama mundial, como Artemide, Alessi, Alfa Romeo, Ducati, Ferrari y Kartell, para mostrar la diversidad de enfoques que hacen del diseño italiano un mundo apasionante.

Durante más de un siglo, Alemania ha estado a la vanguardia de la innovación en diseño gracias a los principios pedagógicos de la Bauhaus, que revolucionaron la enseñanza de la disciplina y marcaron su evolución a lo largo del siglo XX. Alemania, una de las naciones líderes en este campo, siempre se ha enorgullecido de su reputación mundial de excelencia en el diseño, la ingeniería y la fabricación.

Este libro traza la evolución del diseño alemán desde el movimiento Jugendstil de principios del siglo XX hasta la reforma de la disciplina impulsada por la Deutsche Werkbund, y sigue con la innovadora Bauhaus, el modernismo alemán de entreguerras, la “Gute Form” (buen diseño) de posguerra y el pop de la década de 1960 hasta llegar al día de hoy. Este volumen, que se centra en el trabajo de los pioneros más influyentes de Alemania, está repleto de magníficas imágenes de la flor y nata del diseño alemán, desde el revolucionario coche a motor patentado por Carl Benz (1886) y la cámara Ur-Leica de Oskar Barnack (1914) hasta el sistema de alta fidelidad Phonosuper SK4 de Dieter Rams y Hans Gugelot (1956) y el Chair_One de Konstanin Grcic (2003): productos fiables, hermosos y de líneas limpias que han alcanzado reconocimiento mundial como paradigmas de excelencia en el diseño.

Además de las entradas dedicadas a los profesionales más ilustres de Alemania, como Peter Behrens, Marianne Brandt, Herbert Bayer, Walter Gropius, Marcel Breuer, Ludwig Mies van der Rohe y Richard Sapper, también se abordan las escuelas, grupos y empresas más influyentes, incluidas la Bauhaus, la Hochschule für Gestaltung (Ulm), Porsche Design y Volkswagen. Si bien la mayoría de obras recogidas en este volumen desvelan la obsesión nacional por encontrar las soluciones más racionales y eficientes, el diseño alemán tiene una cara B representada por creadores como Luigi Colani, Günter Beltzig e Ingo Maurer, con planteamientos más escultóricos y expresivos, que también se aborda en esta guía imprescindible.

Catorce años. En ese breve período entre dos guerras mundiales, la escuela de arte y diseño alemana Bauhaus sentó las bases de la modernidad. A partir de una visión utópica del futuro, la escuela desarrolló una práctica vanguardista que fusionaba las bellas artes, la artesanía y la tecnología con el objetivo de aplicarla en otros medios y actividades artísticas: del cine al teatro, de la escultura a la cerámica.

Esta obra de referencia es posible gracias a la colaboración del Bauhaus-Archiv/ Museum für Gestaltung de Berlín, que alberga la colección más importante hoy sobre esta famosa escuela artística. Con documentos, estudios, más de 250 nuevas fotografías, bocetos, planos y maquetas sobre las obras realizadas, nos acerca a los principios rectores y las personalidades de esta comunidad creativa idealista a través de sus tres sedes sucesivas en Weimar, Dessau y Berlín. Desde retratos informales de gimnasia en grupo hasta los dibujos de una clase impartida por Paul Klee; desde extensos planos arquitectónicos hasta un cenicero infinitamente elegante de Marianne Brandt, la colección late con los colores, los materiales y las geometrías que conforman la visión Bauhaus de la obra de arte total.

Cerca ya de la celebración del centenario de la Bauhaus, este libro es la prueba definitiva de su energía y su rigor; no sólo como un movimiento creativo pionero, sino también como paradigma de la educación artística. Allí donde la expresión y las ideas vanguardistas produjeron obras al mismo tiempo funcionales y hermosas. Este práctico volumen presenta a artistas destacados como Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe y Lilly Reich.

El Prado es todavía, doscientos años después, una institución en la que se silencia y se excluye a la mujer. A las artistas y a las visitantes: todas invisibles y todos ciegos ante la ausencia de la voz y la experiencia femeninas. ¿Por qué el Museo Nacional del Prado ignora a las mujeres? En las salas del referente español y en las del resto de instituciones internacionales, el relato que se alaba en el siglo XXI es el mismo con el que el siglo XIX contó el mundo y construyó sus intereses. Cuadro a cuadro, este libro revisa el legado patriarcal que ha llegado hasta nuestros días, aunque hoy lo señalemos como injustificable y rechacemos cualquier práctica que amplíe la brecha entre hombres y mujeres. Esta no es una historia del arte tradicional: es una guía contra las ausencias, las vejaciones, los eufemismos, los silencios y tergiversaciones que han hecho desaparecer a la mitad de la población, con una violencia soterrada y a la vista. Y esta es también una historia contra la ceguera, una narración sobre las condiciones políticas y sociales que determinan la creación artística y privilegian a ellos sobre ellas. Es el momento, ante el auge de los fascismos, de que los museos asuman sus responsabilidades y pasen a ejercer una práctica de pensamiento crítico, y se nieguen a dar por sentado el marco del menosprecio y la desigualdad.

* Descubra su talento como artista con este libro que le proporcionará una nueva y original perspectiva. * La artista Sarah Simblet le revelará los secretos del dibujo mediante la combinación de una guía práctica, de su propia obra (que le servirá de inspiración) y de la exploración de algunos de los dibujos más reconocidos en la historia del arte. * Además, le conducirá paso a paso a través del emocionante mundo del dibujo y le mostrará cómo trasladar al papel el motivo de su inspiración, desde naturalezas muertas y animales hasta el cuerpo humano y la arquitectura.
La combinación única que hace Sarah, de enseñanza práctica y conocimiento del dibujo clásico y contemporáneo, le inspirarán para desarrollar un estilo propio. Aprenda a crear un cuaderno de dibujo personal con todo tipo de temas y la utilización de una amplia gama de medios, desde pluma y tinta hasta lápiz y plata. Sienta la inspiración y dibuje el mundo que le rodea ayudado por esta guía pensada para artistas de todas las habilidades y capacidades.

El 19 de julio de 1936 «el pueblo en armas» para el golpe militar y, en muchas regiones y localidades del país, el movimiento anarquista proclama la revolución. Esta afecta también a la industria del espectáculo, una actividad de la que viven 45.000 personas en la España republicana: autores, actores, músicos, bailarines, escenógrafos, directores de películas, proyeccionistas de cine, acomodadores, taquilleros, porteros… La revolución consiste en que los trabajadores tomen el control de las empresas para mejorar su nivel de vida, dignificar la profesión y renovar la programación con espectáculos de valor artístico y cultural que reflejen los verdaderos retos del país. Por ejemplo, la situación del campo, la prostitución, el poder desmesurado de la Iglesia, la explotación del hombre por el hombre, el papel de las milicias de guerra. El objetivo es educar al pueblo y crear en los frentes de batalla y en la retaguardia un espíritu antifascista que ayude a ganar el conflicto civil. Sin embargo, la revolución en los espectáculos termina fracasando incluso antes del fin de la contienda por múltiples dificultades: disensiones internas, mala dirección, profesionales poco cualificados, falta de suministros, destrozos de los bombardeos, acoso de los comunistas, infiltración de «fascistas», obstruccionismo del capital extranjero... La mayor parte de los implicados en esta utopía terminarán en las cárceles franquistas, emprenderán el camino del exilio o tendrán problemas para volver a ejercer su profesión.