-- Edición de Antoni Pizà y María Luisa Martínez.
Based on its autograph sources, which had been lost until recently, Gioachino Rossini: «La Veuve andalouse» presents the first and only critical edition of Rossini’s song. In addition to including a performing transcription of the music and the lyrics in all the languages of the first printed versions, this volume provides many contextual sources, such as several unknown Rossini letters, illustrations, and many contemporaneous reviews as well as other primary sources. All in all, it brings to the present a riveting scena worthy of the most celebrated opera composer of the first half of the nineteenth century.

A partir de su fuente autógrafa, considerada perdida hasta hace poco, la presente publicación ofrece la primera y única edición crítica de «La Veuve andalouse» de Rossini. Además de incluir una transcripción práctica de la música y el texto de la canción en todos los idiomas de las primeras versiones impresas, el volumen se complementa con numerosas fuentes contextuales, como algunas cartas hasta ahora desconocidas de Rossini, ilustraciones y críticas contemporáneas, entre otras. En fin, trae a la actualidad un episodio fascinante, digno del compositor de ópera más celebrado de la primera mitad del siglo XIX.



Table of Contents — Sumario

List of Illustrations / Lista de ilustraciones
Acknowledgments / Agradecimientos

I.The Story and Context of Rossini’s La Veuve andalouse / La historia y el contexto de La Veuve andalouse de Rossini
· Some Preliminary Remarks / Algunas consideraciones preliminares
· Frontera de Valldemosa, Rossini’s Spanish Friend and La Veuve’s Dedicatee / Frontera de Valldemosa, el amigo español de Rossini y dedicatario de La Veuve
· The Musical Patronage of Isabel de Borbón and La Veuve / El patronazgo musical de Isabel de Borbón y La Veuve
· Documents in Contemporaneous Sources / Documentos en fuentes coetáneas

II. La Veuve andalouse
· Facsimile / Facsímil
· Music Edition / Edición musical
· Notes to the Edition / Notas a la edición

III. Performing La Veuve / La Interpretación de La Veuve
· Some Thoughts on the Performance of La Veuve andalouse by Anna Tonna / Reflexiones sobre la interpretación de La Veuve andalouse por Anna Tonna
· IPA Transcription by Anna Tonna / Transcripción IPA por Anna Tonna
Literal Translation from the French Text to Facilitate the Comprehension of the Lyrics
· Song Texts / Textos de la canción
· Original versions in French, Spanish, Italian, English and German / Versiones originales en francés, español, italiano, inglés y alemán

Appendixes / Apéndices
i. Cast of Characters / Galería de personajes
ii. Chronology / Cronología

Bibliography and Discography / Bibliografía i discografía

Colección Exempla Musicalia 7
ISBN: 978-3-967280-40-1
ISMN: 979-0-700431-06-8

El volumen Pliegos de villancicos portugueses cataloga y describe el contenido de todos los pliegos de villancicos impresos con motivo de celebraciones religiosas en iglesias portuguesas, independientemente de la biblioteca donde se conserven. El catálogo recoge 1.218 ejemplares de 314 pliegos diferentes, correspondientes a festividades desarrolladas entre 1637 y 1723, en su mayoría de la Capela Real de los monarcas portugueses y, en menor medida, a las catedrales de Coímbra y Lisboa, y a algunas iglesias lisboetas, además de algunas celebraciones sacras en la capilla de los Duques de Braganza.
Las colecciones más importantes que se han catalogado son las de la Biblioteca Nacional de Portugal (502 pliegos), la Biblioteca Nacional de Brasil (266), Biblioteca Geral da Universidade de Coímbra (173) y la Biblioteca Pública de Évora (128), a las que hay que sumar ejemplares de la Biblioteca Ducal de Vila Viçosa (74), la Houghton Library de Harvard (50), la Biblioteca del Palacio de Ajuda (13) y la British Library (12).
Este catálogo ofrece la oportunidad más amplia y detallada para conocer en profundidad la intensidad del cultivo del villancico religioso en Portugal durante casi un siglo. Permite explorar las formas poéticas, temas y tipologías de villancicos, además de los numerosos intercambios con otros centros, especialmente entre las dos cortes ibéricas.

-- Prólogo de Tess Knighton.
-- En cooperación el Instituto de Estudios Zamorano «Florián de Ocampo».

En los últimos años, los estudios sobre el paisaje sonoro se han configurado como una categoría de inestimable valor para el análisis de sociedades preindustriales y contemporáneas. Este trabajo tiene como objetivo afrontar el paisaje sonoro desde la perspectiva de la historia cultural y la musicología urbana, destacando la importancia de ir más allá del texto musical o la simple relación de sonidos para adentrarse en el contexto e influencia que lo sonoro tuvo en la sociedad del momento. Espacio, identidad, percepción y performance se interrelacionan en el texto, utilizando para ello fuentes escritas, iconográficas y musicales. Si bien el estudio ubica su observatorio en la ciudad de Zamora (España), el autor adopta una perspectiva mucho más amplia, concentrándose en desarrollar discursos comparativos y hermenéuticos que nos ayudan a abrir los oídos al pasado. De esta manera, las referencias y ejemplos de fenómenos sucedidos en lugares diferentes al zamorano, así como la exposición de planteamientos generales superan el concepto de historia local con el fin de presentar un modelo válido de estudio.
A lo largo de los siete capítulos, Alberto Martín nos invita a reflexionar sobre categorías tan sugerentes como la «la cultura del grito», la percepción del paisaje, la importancia de la memoria, la escenificación sonora o la existencia de un paisaje sonoro imaginario. Zamora cuenta con unas fuentes excepcionales que al autor combina y entrecruza para acercarnos la realidad de una ciudad periférica durante la Edad Moderna. Dicho de otro modo: lo ordinario frente a lo extraordinario. En palabras de Tess Knighton, autora del prólogo de esta edición, «este libro ofrece un gran paso hacia adelante».

This book examines Santiago Kastner’s paramount role in applying musicology to performance from the 1930s to the 1980s. A British-born cosmopolitan man coming from a remarkable musical background –his family owned a pianola business–, his European tours as keyboard player during the 1930s and his activity as music critic in Lisbon during the early 1940s enabled Kastner to build an exceptional network that granted him appointments in Portuguese and Spanish institutions. From this position, Kastner was a scholar performer who painstakingly uncovered sixteenth- to eighteenth-century Iberian repertoire by means of its study, edition and interpretation. His impressive output, including music editions, academic literature, concert programmes and recordings, and his extensive collection of marked scores engages this research with the methodological framework of performance studies. Considering historical performance as an invention triggered by musicology and thus a product of contemporary musical performance, three case studies, focused on Seixas, Soler and Cabezón, delve into Santiago Kastner’s approach to the repertoire, into his pioneering attitude in the way that he applied musicological research to concert practice and into his impact in creating a performing tradition.

Mozart fue un compositor admirado y bien conocido en la España del siglo XIX. Este fenómeno, hasta la fecha desatendido por la investigación, tuvo su mejor reflejo en la enorme popularidad que alcanzó el Réquiem, obra que pronto logró la admiración de profesionales y aficionados. Desde fechas tempranas fue la música habitual para las honras fúnebres de reyes, aristócratas, militares y otros miembros distinguidos de la sociedad. Esto explica las decenas de fuentes dispersas por archivos españoles que se copiaron con fines prácticos, a veces incorporando variantes creativas con respecto al texto original.
Esta edición recupera el manuscrito del Réquiem conservado en la Catedral de Pamplona, una la versión ligeramente adaptada a las posibilidades locales. Su interpretación en 1844 como parte de las exequias reales de la infanta Luisa Carlota de Borbón-Dos Sicilias posiblemente supuso el estreno de la obra en la ciudad. Como se explica en el extenso estudio en inglés y español que acompaña la edición, este evento histórico para el devenir de la ciudad tuvo lugar en un momento crítico de la historia española y tuvo, como telón de fondo, las tensiones provocadas por la guerra carlista y la inestabilidad en el trono.


Mozart was an admired and well-known composer in 19th century Spain. This phenomenon, until now neglected by research, was best reflected in the great popularity of his «Requiem», a work that soon won the admiration of professionals and amateurs alike. From early dates it became a sort of official music for the funerals of kings, aristocrats, military men and other distinguished members of society. This explains the dozens of sources scattered throughout Spanish archives that were copied for practical purposes, sometimes incorporating creative variations compared to the original text.
This edition recovers a recently found manuscript with Mozart’s «Requiem» preserved in Pamplona Cathedral, which is a version slightly adapted to the local resources. This copy was made in 1844 as part of the royal funeral of the Infanta Luisa Carlota of Bourbon-Two Sicilies and its performance possibly meant the premiere of the work in the city. As explained in the extensive study in English and Spanish that precedes the edition, this historic event took place at a critical moment in Spanish history and had, as a backdrop, the tensions caused by the Carlist war and instability on the throne.

Este libro estudia las líneas fundamentales del pensamiento de Ernest Ansermet en lo que concierne a la constitución de la música en la consciencia del hombre. Trata, por tanto, de mostrar cómo la música surge originariamente de la relación que se establece entre las estructuras de la consciencia y las estructuras del mundo de los sonidos. A partir de la lectura de Husserl y Sartre, Ansermet adopta la fenomenología convirtiéndola en original “mirada” filosófica y particular herramienta metodológica de su pensamiento. Este trabajo espera contribuir –desde los procesos de la reflexión a la trascendencia de la forma, pasando por la aparición de la música en los sonidos y la descripción del tiempo de la música– a los estudios que se han venido realizando en la perspectiva fenomenológica sobre la música.
ÍNDICE
Nota del editor — Agradecimientos
Introducción
I. El lugar de Ansermet en el pensamiento estético y fenomenológico sobre la música
Excurso: Apuntes sobre la fenomenología de Husserl — Ansermet y la fenomenología — Los escritos de Ansermet
II. La consciencia y las estructuras de la reflexión
III. Del sonido a la imagen de la música
Los sonidos de la música — Excurso: Breve reseña sobre los logaritmos de Ansermet — Excurso: Ansermet sobre Schönberg y Hindemith
IV. De la determinación del tempo a la trascendencia de la forma
De la cadencia al motivo de la cadencia — Ansermet y la fenomenología del tiempo de la música — Excurso: Sartre y la estructura de la temporalidad — Excurso: La crítica a Stravinsky — La consciencia musical como consciencia afectiva —
La forma como proyecto
V. Final
Anexos
Anexo 1. Cronología de Ernest Ansermet — Anexo 2. Glosario de términos musicales
Bibliografía

Género proteico y de larga etapa vital, el villancico evoluciona desde la condición sencilla y popular de sus inicios medievales hasta el barroquismo de que se revistió en nuestro Siglo de Oro y que se mantiene hasta su extinción a pesar de las innovaciones foráneas ilustradas. Este libro, preparado por un equipo internacional de filólogos y musicólogos, ofrece un balance crítico del género entre los siglos XV y XIX desde una doble encrucijada: geográfica, pues fue a la vez peninsular y americano, y disciplinar, pues su estudio ha de contemplar necesariamente las múltiples y complejas interacciones de los textos literario y musical. Se pretende así primar un enfoque unitario sobre el villancico que no olvide su condición de poesía musicada ni tampoco su dimensión trasatlántica, imprescindible para la completa comprensión de este género poético-musical transcultural.
SUMARIO
Esther Borrego Gutiérrez y Javier Marín López: De la palabra a la imprenta. Avances de la crítica musicológica y literaria en torno a un género proteico: el villancico
Introducción. Historiografía
1. Andrea Bombi: ¿Hacia una historia del villancico? Problemas historiográficos de un género musical
I. Conformación y evolución
2. Alain Bègue: El villancico peninsular entre Barroco y Neoclasicismo (1665-1746) — 3. Esther Borrego Gutiérrez: Personajes del villancico religioso barroco: hacia una taxonomía — 4. Eva Llergo Ojalvo: Siglo XIX: ¿el fin del villancico (paralitúrgico)? — 5. Álvaro Torrente: Cuando un “estribillo” no es un estribillo: sobre la forma del villancico en el siglo XVII
II. Dimensión social y material
6. Carmelo Caballero Fernández-Rufete: ¡Ande la rueda! ¡Va de cancioni! Apuntes históricos, literarios y musicales sobre el villancico Mundinovi — 7. Drew Edward Davies: Villancicos, performance y comunidades — 8. Anastasia Krutitskaya: Pliegos de villancicos conservados en bibliotecas mexicanas — 9. Susana E. Rodríguez de Tembleque García: La distribución de pliegos de villancicos en la catedral de Málaga en los siglos XVII y XVIII
III. Contexto catedralicio
10. Ireri E. Chávez Bárcenas: Villancicos de Navidad y espiritualidad postridentina en Puebla de los Ángeles a inicios del siglo XVII — 11. Javier Marín López: El villancico religioso en la Puebla de entre siglos (XVII-XVIII): algunas consideraciones litúrgico-formales — 12. R. Javier Moreno Abad: Evolución, pervivencia y desaparición del villancico en la catedral de Toledo (1775-1846) — 13. Antonio Tomás del Pino Romero: Aggiornamento del villancico en España durante el primer tercio del siglo XVIII. El caso de la catedral de Málaga
IV. Otros contextos
14. Soterraña Aguirre Rincón: Cronología y mecenazgo de Nunca fue pena mayor y sus “reelaboraciones” en latín — 15. Alfonso Colella: A musical interpretation of a sixteenth-century chronicle novel: the love songs of Cuestión de Amor (Valencia, 1513) — 16. Víctor Infantes: La cartografía poética (y narrativa) de un villancico tardomedieval: Abras me tú el hermitaño, sonar lírico en Navidad (con un prosímetro) — 17. Giorgio Monari: Huellas de oralidad en un villancico portugués del siglo XVI con versos de Luís de Camões: Menina dos olhos verdes — 18. Cristina Roldán Fidalgo: Música y baile al servicio de la fiesta: el villancico y la pastorela en el teatro de Navidad del siglo XVIII
V. Aproximaciones analíticas
19. José Duce Chenoll: Mortales que amáis: aspectos del lenguaje de Juan Bautista Cabanilles en el marco de su producción vocal — 20. Claudia Fallarero: Villancicos tardíos en la catedral de Santiago de Cuba. Estética clásica, tópicos musicales y figuras retóricas en Oíd cielos piadosos (1809) de Juan Paris — 21. Bernardo Illari: Agudeza de villancico: los Plumajes de Torrejón — 22. Carolina Sacristán Ramírez: En respuesta al sermón, villancico: las lágrimas en Navidad
Fuentes y Bibliografía — Resúmenes — Índice onomástico y de títulos de obras — Índice toponímico

1927 jährte sich Luis de Góngoras Todestag zum dreihundertsten Mal. Die schöpferischen Aktivitäten rund um dieses Ereignis gingen einher mit einem intensiven Gedankenaustausch über sein Werk und dessen Aktualitätsbezug. Die Studie will zeigen, inwiefern das Góngora-Bild der 1920er Jahre den grundlegenden Tendenzen der »renovación musical« entspricht. Im Fokus stehen die Góngora-Kompositionen von Manuel de Falla, Óscar Esplá, Manuel Palau und Fernando Remacha sowie ihre Schriften zur Musik.

• Incluye un Cd y la partirura completa.

Este primer volumen de la colección Chantria, editado por Aurelio Sagaseta, Chantre-Maestro de Capilla de la Catedral de Pamplona, recupera y estudia varias obras de dos autores italianos de los s. XVII y XVIII conservadas en el archivo de esta Catedral:
– Una Misa a 8 voces y dos coros de Francesco Grassi, «maestro di capella de la Chiesa de Santiago dei Spagnoli» en la Piazza Navona de Roma.
– El salmo Dixit Dominus a 8 voces y orquesta también de Francesco Grassi.
– Una Misa a 8 voces y orquesta «qui deve serviré per il trasporto di Ntra Signora del Camino de Pamplona» (año 1772) de Girolamo Sertori «maestro di capella di Parma». Esta obra, única e inédita, fue compuesta por Sertori a su paso por Pamplona (pertenecía a una truppe de operistas italianos) por encargo del marques de Castelfuerte, personaje muy influyente en el mundo cultural de Pamplona y Tudela, y relacionado con obras tan famosas como el cuadro del Marqués de San Adrián de F. Goya.

El libro, además del estudio y la partitura completa, incluye un CD con todas las obras en la grabación del concierto a cargo del Conductus Ensemble, la Coral de cámara de Pamplona, y la Capilla de la Catedral de Pamplona, bajo la dirección de David Gálvez, celebrado el 12 de abril de 2017 en esta Catedral.