En su calidad de arquitecto jefe de propaganda, José Gómez del Collado (Cangas del Narcea, 1909-1995) fue en los años cuarenta del pasado siglo el gran artífice de las arquitecturas efímeras y de los actos públicos del general Franco. Ejerció además labores de protocolo siendo responsable directo, entre otras cosas, de organizar y acompañar a Eva Perón en su célebre visita a España en 1947. Si bien Gómez del Collado, realizaría a partir de los años cincuenta una obra de cierto interés en diversos lugares de Asturias, esta etapa de su vida, apenas conocida, ha sido posible reconstruirla a partir del hallazgo e investigación de una notable documentación inédita procedente de diversos archivos, especialmente del Archivo General de la Administración. Aunque el enfoque de este trabajo lo es desde el punto de vista de los actos propagandísticos, su desarrollo permite comprender en buena medida los entresijos del poder, los valores, personajes y grupos de presión cambiantes, mucho más allá de la apariencia monolítica de los tremendos años cuarenta.

Como motivos de este trabajo, figuran los siguientes: primero, plantear
una serie de interrogantes que afectan a la dama del Louvre y a su
inesperada hermana, la cenicienta del Prado. ¿Por qué la calidad de sus
materiales, como el soporte o los pigmentos, es tan diferente? ¿Y tan
similar los pentimenti a mano alzada de su dibujo subyacente? ¿Responden
a un mismo encargo que nunca se entregó al cliente? ¿Cuál es su estado
de conservación y su verdadera imagen primitiva? ¿Qué es lo que vio
Giorgio Vasari? ¿La autoría es autógrafa, coral o de mero taller? Por
citar sólo algunas reflexiones. En segundo término, constituye un buen pretexto para, dentro de una
dimensión pedagógica, definir algunos conceptos: el taller de pintura,
con sus maestros y aprendices, clientes y encargos, condiciones y
precios o los procedimientos de trabajo; términos artísticos, como el de
valorismo y colorismo, perspectiva lineal y aérea, isocefalia y simetría
bilateral, sfumato y escorzo, por citar algunos ejemplos; y también,
cuestiones relativas al peso del neoplatonismo en el naturalismo
idealizado, la importancia de la ciencia o el antropocentrismo
renacentista. Finalmente, emprender un recorrido apasionante por un tema que tiene
algo de novela policiaca. La vida y la obra de Leonardo da Vinci siempre
estuvo envuelta en un halo de misterio, transcendiendo el plano
meramente artístico, para entrar en el ámbito de la leyenda literaria y
acabar convirtiéndose en un mito. Emocionante es también el momento
artístico, con su fecundidad sin límites y proliferación de genios. Los
pintores, debido al amplio abanico de conocimientos que precisan para
llevar a cabo su trabajo, alcanzan un prestigio individual hasta
entonces desconocido.

La madera como soporte ha sido, después del muro de cobijo de los primeros pobladores, uno de los materiales más utilizados desde la Antigüedad y uno de los de mayor recorrido a lo largo de la historia, llegando hasta nuestros días su uso en la elaboración de objetos artísticos.
Siendo un material de indiscutible nobleza, se encuentra, sin embargo, sujeto a una gran inestabilidad provocada por la influencia de diferentes agentes del entorno. Como soporte de obra de arte que forma parte de un amplísimo legado cultural, está sujeta a las leyes inexorables de la naturaleza: envejecimiento y transformación (desaparición). Así pues, el mecanismo que genera la aceleración del envejecimiento está en las condiciones de vida, es decir, en el ambiente en que se encuentra el objeto artístico.
La conservación preventiva busca adelantarse al deterioro que estos factores puedan causar, estudiando sus características, las del objeto, la interacción entre ambos y teniendo siempre en cuenta la optimización de los recursos disponibles. La adopción de medidas que estén a nuestro alcance para minimizar la incidencia de cualquiera de estos factores puede ser muy importante para la conservación. Excepto en el caso de los grandes museos o instituciones, no es preciso implementar grandes infraestructuras o disponer de enormes presupuestos para lograrlo.
El fin de este libro no es otro que poner a disposición del usuario un material recopilado de diferentes fuentes, que le sirva como punto de partida para un primer análisis de la situación del patrimonio encomendado y para acceder a una información más amplia y detallada en caso necesario. Partiendo de dichas premisas y teniendo en cuenta las enormes posibilidades que brindan los medios actuales para la consulta inmediata, esta publicación puede considerarse una pequeña guía de orientación en este largo camino aún por recorrer.
• Ubaldo Sedano Espín es jefe del Área de Restauración del Museo Thyssen-Bornemisza desde 2003.
Durante años ha ejercido como profesor y coordinador de diferentes másteres de Conservación Preventiva, Restauración, Seguridad y Museología en universidades e instituciones públicas y privadas. En los años 1988-1990 realizó la coordinación de diferentes cursos para el Ministerio de Cultura con la Universidad Politécnica de Cataluña y con la Politécnica de Madrid. Entre 1987 y 2001 participó como profesor y experto asesor en los proyectos derivados de los convenios suscritos entre el Gobierno de España y los de Ecuador, Perú y Argentina para la recuperación del patrimonio mueble e inmueble.
Ha dirigido también diferentes proyectos de investigación y actualmente participa junto a otras instituciones en el desarrollo de diversos proyectos.
Asimismo, ha impartido charlas en reuniones técnicas y congresos nacionales e internacionales, y ha participado en el comisariado de exposiciones tales como Otto Dix: Retrato de Hugo Erfurth. Técnicas y Secretos (2008), Ghirlandaio y el Renacimiento en Florencia (2010) y El Greco. De Italia a Toledo (2014).
Desde hace algunos años forma parte del comité de expertos de Feriarte, Feria de Arte y Antigüedades de Madrid.

La realidad aumentada es una tecnología derivada de la realidad virtual que, a diferencia de esta, no consiste en generar un entorno virtual separado de la realidad, sino que se caracteriza por insertar objetos o gráficos virtuales en un entorno real. Aquí el individuo no queda inmerso en un mundo virtual, sino que mejora o «aumenta» el espacio que le rodea con elementos generados por ordenador que complementan la realidad.
Las posibilidades que ofrece la tecnología de realidad aumentada en espacios expositivos y patrimoniales han crecido exponencialmente en los últimos años debido a su gran atractivo para el público, constituyendo un importante recurso dentro de sus programas museográficos más vanguardistas.
De este hecho se han derivado numerosas experiencias que tienen como escenario los espacios museísticos, arqueológicos y monumentales, donde la realidad aumentada ha tenido un papel protagonista para la difusión y el conocimiento del objeto cultural, que nos muestran la intrínseca relación que existe actualmente entre este tipo de entornos y esta nueva tecnología.
Sin lugar a dudas, podemos afirmar que dentro del ámbito del patrimonio cultural las perspectivas que encontramos en la realidad aumentada son múltiples, algunas de ellas aún por descubrir, como cuantiosas son las necesidades que este campo presenta y que a través de la tecnología se pueden codificar y presentar de forma coherente con miras a la difusión y la accesibilidad del gran público.

• David Ruiz Torres es doctor en Historia del Arte por la Universidad de Granada con la tesis doctoral El papel de la realidad aumentada en el ámbito artístico-cultural: la virtualidad al servicio de la exhibición y la difusión (2013). También es licenciado en Historia (2009) por dicha universidad, donde ha realizado el Máster en Historia del Arte, especialidad en Conocimiento y Tutela del Patrimonio Histórico, y el Máster Propio de Museología.
Actualmente (2013) forma parte del grupo de investigación Andalucía-América: Patrimonio y Relaciones Artísticas, del Plan Andaluz de Investigación (HUM-806). Es miembro del proyecto I+D+i «Conocimiento aumentado y accesibilidad. La representación museográfica de contenidos culturales complejos», del Ministerio de Economía y Competitividad de España y la Universidad Complutense de Madrid.
Sus líneas de investigación se centran en el patrimonio cultural, la museología y las nuevas tecnologías, centrándose en el uso de la realidad aumentada en espacios expositivos y patrimoniales, y en el ámbito de la creación artística, de las cuales se han derivado varias publicaciones en España y Latinoamérica (México, Argentina y Brasil), además de la participación en diferentes congresos a nivel nacional e internacional.

No es este un tratado académico, sino un libro pensado y redactado desde la propia experiencia profesional y personal de un galerista y marchante español con una dilatada trayectoria en el mercado del arte nacional e internacional desde la década de los setenta del pasado siglo. Y este es su principal valor, las reflexiones que, desde el profundo conocimiento de su vivida actividad como comerciante del arte, Miguel Espel nos ofrece sobre los distintos tipos de bienes artísticos, su valor y sus fundamentos económicos, sobre sus transacciones, sus circuitos comerciales y sus diversos agentes (artistas, galeristas, marchantes, anticuarios, subastadores?), sobre el papel de las ferias y las exposiciones, sobre los compradores y coleccionistas, sobre las inversiones en arte y sus riesgos, sobre la crisis del mercado del arte y sobre su globalización, sobre su promoción y sobre las prácticas fraudulentas, sobre los nuevos retos que la actividad comercial del arte habrá de afrontar?, abordando, en suma, el complejo entramado de una actividad comercial singular y única.
• Miguel Espel (Mundaca, Vizcaya, 1944) es licenciado en derecho y en ciencias económicas por la Universidad Comercial de Deusto de Bilbao, donde se inició profesionalmente en el ámbito de la gestión y dirección empresarial, y es a partir de 1977 cuando se vuelca exclusivamente en el sector del arte como galerista y marchante, actividad que, a través de su Galería Mun, le permitió estar presente en el mercado nacional e internacional del arte, desarrollando además una intervención activa en destacadas asociaciones españolas de arte a lo largo de su dilatada trayectoria profesional, en la actualidad ocupada fundamentalmente en la consultoría de arte y en la docencia sobre estas materias.

Los museos forman parte del mundo de la comunicación, y en este manual se hace un zoom a una herramienta especial de las muchas de las que dispone el diseñador de museografías: el espejo. Es especial porque en el mundo de la comunicación, en un medio audiovisual, una suma de verdades parciales puede generar una mentira y, por contra, la suma de reflejos de realidades en espejos puede sugerir mundos irreales u oníricos, pero siempre son reflejo de una verdad.
Para conseguir sugerir estos mundos y comunicar sensaciones mediante el uso de los espejos, este manual sintetiza, clasifica y ordena los espejos planos, según su cantidad, transparencia y relación entre ellos, para analizar, en cada grupo de variables, los efectos que producen. Todos y cada uno de los efectos coinciden con una experiencia real narrada en detalle, lo cual nos descubre el truco del mago.

• Joan Sibina Tomas es arquitecto especialista en arquitectura de la comunicación y museología. Ha simultaneado más de treinta años de profesión con su labor docente en diversas universidades del país, con la dirección de arte y la creación de programas televisivos y con la conceptualización, el diseño y la dirección de proyectos museográficos. Ha recibido múltiples premios, siendo los más significativos tres Laus de Oro y siete de bronce del FAD (España), dos Awards de Bronce del Broadcasting Dessigners Association (Estados Unidos), un Trofeo Europeo del European Art Directors (Unión Europea), la Medalla de Oro por el pabellón de los Emiratos Árabes en la Exposición Mundial Zaragoza del 2008, entre otros.
Su obra nacional más reciente en el campo de la museografía es CosmoCaixa y el Museo Olímpico de Barcelona, la iglesia románica de Sant Climent de Taüll, el Gaudí Centre de Reus, el mNactec, el Aquarium de San Sebastián, el Vilamuseu (Villajoyosa) y, a nivel internacional, el Museo del Sporting de Portugal y el Museo Olímpico de Qatar.

En este manual, el autor establece una serie de diálogos entre los diferentes elementos del museo (arquitecturas, objetos, usuarios y museografías). Partiendo de la planificación y programación necesarias, se exponen situaciones que ayudan a la toma de decisiones y cuestiones técnicas del trabajo en los museos. Se analizan el espacio o la gestión de colecciones, la conservación y la iluminación, o la difusión y la comunicación, centrándose especialmente en el montaje de exposiciones temporales.
A partir de este trabajo se concluye la necesidad de estimular la confianza de usuarios y responsables de las administraciones, mediante una buena planificación y la gestión de calidad, así como la tendencia a la sostenibilidad y la gestión de recursos, imprescindibles en los nuevos planteamientos. Se apunta a la información y el conocimiento como recursos museográficos a explotar en la institución y la necesaria apertura de los museos a la incorporación de los usuarios a través de las nuevas tecnologías.
La museografía expositiva está cambiando para adaptarse a una sociedad que demanda otras formas de comunicación, y el museo debe estar abierto a las nuevas tendencias.

• Andrés Gutiérrez Usillos es facultativo conservador de museos. En el Museo del Ejército ocupó el puesto de jefe de Departamento de Colecciones, y en el Museo Nacional del Prado tras comenzar en el Departamento de Exposiciones Temporales pasó a desempeñar durante años el cargo de jefe de Área de Registro y Documentación. Desarrolló también su actividad como subdirector general adjunto de Museos Estatales y en la actualidad es coordinador del Departamento de Desarrollo de Proyectos del Museo de América. Ha publicado monografías sobre museología y documentación, y sobre culturas del Ecuador prehispánico, materia en la que está doctorado, además de artículos y conferencias de estos mismos temas. Los diferentes cargos y tareas desarrolladas, desde la gestión de colecciones e información a la coordinación de trabajos desde las unidades centrales del Ministerio de Cultura, le confieren una visión amplia y una panorámica adecuada para la exposición del conocimiento práctico en este manual de museografía. En la editorialo Trea ha publicado la obra Museología y documentación. Criterios para la definición de un proyecto de documentación en museos (2010).

En Worpswede, una pequeña localidad de la Baja Sajonia, comenzaron a establecerse a finales del siglo xix diversos pintores que llegaron a constituir una auténtica colonia de artistas, amparados por la armonía de su paisaje y el austero discurrir de sus días. Acuciado económicamente y deseoso de asentarse junto a su esposa y su hija recién nacida, Rilke llega a Worpswede en el otoño de 1900 para realizar el encargo de escribir una monografía sobre la colonia y sus integrantes. En un género ensayístico al que dota de una belleza rara y subyugante, traza Rilke un retrato —más lírico que analítico— de quienes considera el núcleo esencial del grupo pictórico (Fritz Mackensen, Otto Mondersohn, Fritz Overbeck, Hans am Ende y Heinrich Vogeler), tras una introducción, magistral y genuinamente rilkeana, donde busca profundizar en la esencia del paisaje en su vinculación con la pintura: Rilke «evita juzgar» y, enfrentado a la tarea de «escribir la historia del paisaje», se encuentra «abandonado a merced de lo extraño, lo distinto, lo inconcebible», pues el paisaje «no tiene figura […'>, no expresa una voluntad cuando se mueve», y, ante la naturaleza, «por muy misteriosa que sea la muerte, más misteriosa aún es una vida que no es nuestra vida, que no se interesa por nosotros y, en cierto modo sin vernos, celebra sus fiestas, a las que asistimos con un cierto apuro, como invitados que llegan por casualidad y que hablan otro idioma».
Ilustrada con una veintena de muestras pictóricas de los protagonistas, esta obra se presenta al lector por vez primera traducida al español.

En el 2009 se cumplen setenta años del final de la guerra civil española y, por tanto, del comienzo del exilio de muchos artistas republicanos, cuya ausencia dejó un hueco en la vida cultural de nuestra sociedad, el cual solo poco a poco se iría rellenando a medida que fueron regresando a España o que comenzaron a llegar importantes conjuntos de sus obras. Para algunos casos señalados, incluso se cuenta en la actualidad con fundaciones museísticas monográficamente dedicadas a algunos de estos artistas, creadas a partir de colecciones legadas por ellos mismos, sus familiares o sus amigos. Se ha ido desarrollando en España, pues, un fenómeno museístico particular, todavía en plena efervescencia, sobre el que se esboza una primera aproximación panorámica en este libro, cuyo objetivo es ofrecer una visión de conjunto sobre las exposiciones permanentes y museos monográficos dedicados a los artistas exiliados a causa de nuestra guerra civil.
Los museos, instituciones dedicadas a la memoria, se han revelado así como un instrumento eficaz para nuestra recuperación de la memoria histórica de quienes vieron sus carreras artísticas desligadas del territorio natal, devolviéndonos su presencia a través de sus creaciones artísticas y de las exposiciones, congresos, conferencias, talleres u otras actividades propias de estas instituciones, a cuya casuística particular se pasa revista en esta obra.

Christa Beissel (1924-2005) fue una artista gijonesa nacida en Alemania. En Asturias residió prácticamente toda su vida y desarrolló en la villa de Jovellanos una carrera artística breve, pero inusitadamente intensa.
Inició su formación creativa en la afamada escuela de talla de Oberammergau (Baviera), trabajando piezas de madera. Una vez en España, se interesó por varias técnicas de expresión, hasta que definió un personal soporte de su sensible creatividad: las pizarras pintadas. Con ellas creó un lenguaje singular, un repertorio propio y un estilo que solo se entiende si se analizan su biografía y sus diversos intereses intelectuales. Toda su obra es un homenaje a la sencillez: la vida humilde, la religiosidad pura y la relación con la naturaleza.
Durante su breve carrera ensayó todas las posibilidades que se ofrecían con la pizarra como soporte, tanto en obras bidimensionales como en esculturas o instalaciones. La piedra le permitía aunar su temprana afición a la talla con el aporte pictórico. En sus cuadros hay siempre una latente inspiración en la naturaleza, mientras que en lo escultórico se mueve entre el totemismo y la geometría.
Esta obra viene a concretar una vida dedicada al arte, a la experiencia estética y a la poesía de lo visual.