Un recorrido por la historia del arte moderno a través de 200 pinturas, esculturas, fotografías y piezas conceptuales cargadas de riesgo e innovación. Con descripciones detalladas de las obras y análisis de los principales movimientos, este libro es un compendio riguroso de las ideas y creaciones artísticas que pusieron en jaque a los cánones academicistas, atacaron lo establecido e irrumpieron con fuerza con una propuesta vanguardista.

La vida y la época de Pieter Bruegel el Viejo (c. 1526/30?1569) estuvieron marcadas por el conflicto cultural. Fue testigo de guerras religiosas, del brutal mandato del duque de Alba como gobernador de los Países Bajos y de los efectos palpables de la Inquisición. A día de hoy, el artista flamenco continúa estando rodeado de misterio. No se sabe exactamente ni dónde ni cuándo nació. Si bien los primeros estudiosos de su figura enfatizaron el carácter vernáculo tanto de su pintura como de su obra gráfica, la investigación moderna otorga más relevancia al contenido humanista de sus creaciones.
Tras unos inicios como diseñador de grabados para el editor Hieronymus Cock, Bruegel produjo numerosas series de litografías que se distribuyeron por toda Europa. En ellas ilustraba vicios y virtudes junto a alegres fiestas en los pueblos y magníficos paisajes panorámicos. Con el tiempo fue volcándose cada vez más en la pintura, realizando encargos para la élite cultural de Amberes y Bruselas.
Esta monografía es un homenaje a la evolución artística de Bruegel, un creador que afrontó con valentía los problemas de su tiempo a la par que ofrecía innovadoras propuestas y soluciones novedosas. En lugar de idealizar la realidad, ilustró el espanto de las guerras religiosas y adoptó una posición crítica con respecto a la iglesia católica. Para ello desarrolló su propio lenguaje pictórico de la disidencia, introduciendo en escenas cotidianas inocuas ideas subliminales con el fin de eludir las repercusiones.
Esta colección tamaño XL abarca la totalidad de sus 40 pinturas, 65 dibujos y 89 grabados en reproducciones impecables. Cada obra es un testimonio único de las costumbres religiosas y de la cultura popular de su época.

Julian Schnabel makes art out of life, finding his materials in the fabric of the everyday. He uses broken plates as an improbable picture ground; he paints on velvet, market stall covers, army tarps, kabuki theater backdrops, and boxing ring floors, finding surfaces that lend their own rich history to the painter’s exploration. A figurehead for the return of painting after his overnight success with a first New York solo show in 1979, he has since worked in a wide variety of media: making sculptures that transpose his pictorial forms into space as raw, seemingly time-worn artifacts; directing award-winning movies that paint portraits of artists and other subtly heroic figures; and even building his own dream of a Venetian palace in New York. “I want my life to be in my work, crushed into my painting like a pressed car. If it’s not, my work is just some stuff,” Schnabel has said, and this urgency permeates his oeuvre no matter what means or media the artist chooses.Now available in a popular edition, the complete range of Schnabel’s work is portrayed in unprecedented depth in this TASCHEN monograph, made in dialog with the artist. The texts were contributed by friends and collaborators: Laurie Anderson draws an intimate portrait of Schnabel; in three essays by curators and art-historians, Éric de Chassey discusses the paintings, Bonnie Clearwater the sculpture, and Max Hollein the site-specific work; Donatien Grau writes on the Palazzo Chupi, the artist’s extravagant home in New York’s West Village; while the novelist Daniel Kehlmann explores his cinematic oeuvre. This edition allows you to study the surfaces and artistic gestures and actions, offering the most generous opportunity to experience Schnabel’s art outside of meeting it in person.

A primera vista, las acuarelas de animales a gran escala tan sumamente detalladas recuerdan a los grabados de los ilustradores del siglo XIX John James Audubon y Edward Lear. Una segunda mirada más de cerca, sin embargo, revela un complejo universo perturbadoramente antropomórfico, lleno de símbolos, bromas pícaras y alusiones a la cualidad “operística” de la historia natural tradicional.En este universo visual asombroso y siniestro a un tiempo, las bestias y los pájaros no son meros objetos estéticos sino más bien actores dinámicos en batallas alegóricas: un pavo aplastando a un pequeño loro con sus garras, una colección de monos causando estragos en una mesa formalmente dispuesta, o un búfalo rodeado por una manada de lobos blancos ensangrentados. Las imágenes, deslumbrantes acuarelas, impresionan tanto por su impecable realismo como por su complejo contenido.Disponible originalmente en edición limitada y firmada, este volumen actualizado de Pancha Tantra es el estudio más exhaustivo de la obra de Ford hasta la fecha, que incluye más de 20 nuevas obras del artista. Ofrece detalles deslumbrantes, una exploración en profundidad de su universo visual, una biografía completa y extractos de los textos que le sirvieron de inspiración: desde cuentos populares indios y las cartas de Benjamin Franklin a la Autobiografía de Benvenutto Cellini y la Ornithological Biography de John James Audubon.

Fritz Kahn (1888–1968) fue un médico alemán, pedagogo, autor de textos de divulgación científica y pionero de la representación gráfica de la información. Obligado a salir de Alemania por los nazis, quienes prohibieron y quemaron sus libros, Kahn emigró a Palestina, Francia y finalmente a Estados Unidos para continuar con el trabajo de su vida.

En esta edición revisada, TASCHEN rinde homenaje a Kahn como genio creativo especialmente adepto a la visualización de ideas científicas complejas. En obras como Man as Industrial Palace (El hombre como palacio industrial), observamos cómo Kahn desarrolla vívidas metáforas visuales para desmitificar la ciencia y cómo sus conceptos han influido en generaciones de ilustradores científicos, especialistas de la comunicación visual y artistas infográficos hasta hoy.

El libro incluye más de 350 ilustraciones con completos comentarios, tres textos originales del autor, un prólogo escrito por Steven Heller y un ensayo sobre la vida y obra de Kahn.

A lo largo de su carrera artística, Wassily Kandinsky (1866-1944) no solo transformó su propio estilo, sino que además cambió el curso de la historia del arte. Desde su primera pintura figurativa y paisajista, avanzó hasta convertirse en un pionero del uso espiritual, emotivo y rítmico del color y la línea, y hoy se le acredita la creación de la primera obra de arte puramente abstracta.

Tanto cuando ejercía como maestro y teórico como en su práctica artística, los intereses de Kandinsky en la música, el teatro, la poesía, la filosofía, la etnología, la mitología y lo oculto fueron aspectos esenciales de sus pinturas y grabados. Perteneció a los influyentes grupos Blaue Reiter y Bauhaus, y no solo dejó un legado de obras visuales asombrosas, sino también influyentes tratados como Sobre lo espiritual en el arte. Entre sus principios básicos figuraban las conexiones entre la pintura, la música y la experiencia mística, y la purificación del arte al alejarse del realismo material y acercarse a una expresión emocional condensada, en concreto, en el color.

Este libro expone las obras clave de Kandinsky y presenta su repertorio de vivos colores, formas y emociones. Este recorrido por la radical evolución estilística del artista muestra cómo la progresión de un pintor allanó el camino para las futuras generaciones de expresionistas abstractos.

Sobre la serie

Cada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Si siempre ha querido lucirse dibujando, Aprender a dibujar es su libro. No necesita más que un lápiz, unas hojas de papel en blanco y los consejos que encontrará en estas páginas. Esta obra, pensada para enseñarle la esencia del dibujo de manera sistemática, pone los cimientos para que desarrolle su propio estilo de dibujo.

Incluido en el libro

Curso práctico de dibujo e ilustración, apto tanto para principiantes como para los que desean progresar

Ejercicios y ejemplos prácticos paso a paso, fáciles de seguir

A partir del dibujo de objetos sencillos, aprenda a dominar todos los aspectos del entorno, personas y animales

Bosquejo y observación, materiales y teoría, trucos y técnicas: todo lo que necesita saber para crear dibujos, caricaturas e ilustraciones originales

Más de 1.000 ilustraciones

Para Marc Chagall (1887-1985) la pintura era un intricado tapiz de sueños, cuentos y tradiciones. Con su vocabulario visual, reconocible al instante, Chagall se forjó un lugar único en el arte de principios del siglo XX y fue, a menudo, identificado como una de las primeras expresiones de nuestra experiencia psíquica.

Los lienzos de Chagall se caracterizan por sus pinceladas vagas, sus colores profundos, su particular inclinación por el azul y un repertorio de tropos recurrentes entre los cuales figuran músicos, gallos, azoteas, flores y amantes que flotan en el aire. Rebosantes de encanto etéreo, sus composiciones solían estar plagadas de referencias complejas. En ellas combinó no sólo los colores y las formas, sino también sus raíces judías con su experiencia parisiense, las expresiones de fe con los gestos de amor, los símbolos de esperanza con los testimonios del trauma.

Esta fiel introducción al artista indaga en las múltiples versiones del rico vocabulario de Chagall. A través de escenas de nacimiento, amor, matrimonio y muerte, valiéndose de imágenes de la torre Eiffel o de escenas de Vítebsk, su ciudad natal, esta obra rinde homenaje a la estética única, tan elegante a la vista como atractiva a la imaginación, de uno de los más reconocidos maestros de la modernidad y uno de los artistas judíos más influyentes de todos los tiempos.

Sobre la serie

Cada libro de la Serie Básica de Arte de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

A menudo imitado pero nunca igualado, Jan van Eyck (c. 1390-1441) dejó una huella indeleble en el arte renacentista y allanó el camino a los futuros pintores realistas. Con una precisión sin precedentes y un uso magistral del color, el Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, que representa la boda de una joven pareja, es testimonio de la maestría del pintor flamenco, referente de la escuela pictórica holandesa de los primitivos flamencos. Van Eyck pintó temas tanto seculares como religiosos, y enfatizó un realismo y naturalismo que se movía a la perfección entre el reflejo de la vida cotidiana del siglo XV y planteamientos poéticos y celestiales. Trabajó con pintura al óleo y aportó innovaciones técnicas que permitieron lograr colores de gran intensidad y profundidad.

Conozca la impresionante obra del artista con esta monografía publicada en tapa dura que incluye retablos, imágenes religiosas y retratos de encargo. Con detalles ampliados y pormenorizados análisis de obras maestras como el Altar de Gante, este libro también ofrece una cronología de la obra de Van Eyck, incluida la producción de su taller, que continuó incluso tras su muerte.