Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d’Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.

Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya; también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito; y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.

El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro; un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso; llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad; las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz –aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico– y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»

Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad.  

¿Tiene el arte la capacidad de ver lo que no vemos, de hacer visible lo invisible? Este libro fue escrito durante la pandemia de covid-19. El tiempo suspendido del confinamiento acaso sea un anticipo del futuro al que estamos abocados: virtualidad, trabajo y relaciones a distancia, vigilancia, entretenimiento digital... Y en esta realidad el arte quedó refugiado en lo virtual, convertido en un «arte sin nosotros», mudo, hablando para nadie. ¿Qué puede decir el arte en medio de la catástrofe? Partiendo del Perro semihundido de Goya, la autora propone tres itinerarios por el arte y la literatura que nos interpelan en tiempos de pandemia. Tres itinerarios vinculados con tres temas fuerza: el cambio climático y la destrucción del planeta; el mundo digital, la virtualidad y el control, y por último la manipulación de la verdad, la ficción y el artificio. 

El grueso de los textos aquí reunidos se centra en la pintura que va del romanticismo y el realismo a los movimientos posimpresionistas, con artistas como Géricault, Delacroix, Courbet, Manet, Fantin-Latour, Cézanne, Degas, Odilon Redon, Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton y Braque. Y en la parte final del libro se suman otros ensayos, sobre las paradojas visuales de Magritte, las esculturas blandas de Oldenburg, el crudo realismo de Lucien Freud y los colores de Howard Hodgkin. Un amplio y muy estimulante paseo por el arte moderno y contemporáneo de la mano de uno de los grandes escritores británicos actuales. Barnes aporta una mirada perspicaz, inteligencia y sensibilidad a raudales, sugestivas conexiones entre literatura y pintura, una grata ausencia de agobiantes corsés académicos y un contagioso

Fritjof Capra demuestra que Leonardo fue el «padre (no reconocido) de la ciencia moderna». A partir del examen de más de seis mil páginas de los cuadernos de notas que han sobrevivido, Capra explica que Leonardo abordó el conocimiento científico con la mirada del artista. Sus estudios de las formas vivas y de las inertes lo convierten en un precursor del enfoque empírico y siste mático de la observación de la naturaleza, lo que hoy se conoce como método científico. Las exploraciones científicas de Leonardo abarcaban un espectro muy amplio. Estudió los patrones de vuelo de las aves para crear algunas de las primeras máquinas de volar. Con su conocimiento de las palancas, las trayectorias y las fuerzas, diseñó armas. Estudió óptica y las funciones del corazón humano. Era un genio de la mecánica, y sin embargo su visión del mundo no era mecanicista, sino orgánica y ecológica. «Hace que nos preguntemos, al igual que Capra, si la historia de la ciencia no habría sido muy diferente de haber sido publicadas las notas en su tiempo y no cua­trocientos años después de su muerte» (Oliver Sacks).
Fritjof Capra, doctor en física teórica en la Universidad de Viena, es autor de "El Tao de la Física", "El punto crucial" y "Sabiduría insólita", siendo asimismo coautor con David Steindl-Rast de "Pertenecer al universo", obra ganadora del American Book Award en 1992. En la actualidad es director del Center for Ecoliteracy de Berkeley, California.

Warhol ha marcado la escena artística y social de los últimos treinta años. Nombre señero del Pop-Art en los sesenta, impulsor de aventuras vanguardistas en su célebre Factory ?desde bandas de rock como la Velvet Underground hasta películas como Sleep o Lonesome Cowboys, sin olvidar algunos de los «happenings» más estrepitosos de la historia?, se convirtió, con su revista Interview, en el árbitro que decidía «quién era quién» en la sociedad neoyorquina. Homosexual, voyeur e infatigable frecuentador de todos los lugares de encuentro de ricos, modernos y famosos, después de su muerte ha seguido provocando, con sus diarios, grandes oleadas en los revueltos mares en los que navegara. Registro minucioso de todo lo que hacían y decían sus amigos y conocidos, por sus páginas desfilan desde Truman Capote a Jackie Onassis, desde Lennon y Yoko Ono a Donald Trump, Madonna y Mick Jagger, en una crónica de la modernidad escrita desde el centro del imperio. Una visión absolutamente franca de los personajes más célebres de nuestra época y de sí mismo, tal vez el personaje más misterioso y fascinante de toda esta glamourosa galería. «Lo que distingue a Warhol es su naturalidad, una inocencia de grandes ojos abiertos que recuerda la de los primeros cineastas. Warhol es, en más de un sentido, el Walt Disney de la era de las anfetaminas» (J. G. Ballard).

La idea del museo como espacio de recogimiento dedicado a la muestra y contemplación de obras de arte ha perdido su anclaje en la realidad. Los museos se construyen ahora para regenerar el espacio urbano, promover la industria turística y conseguir réditos políticos y de imagen con la operación. Esto es lo que ha sucedido con el Guggenheim de Bilbao. Según el autor, el museo ha lavado la cara de una ciudad antaño feísta y mugrienta, y ha transformado la roña de los viejos almacenes portuarios en brillantes reflejos de metal pulido. Esteban reconstruye en este libro la historia del museo y analiza los elementos que más controversia han causado, desde la falta de una colección permanente y las exposiciones dedicadas a las motocicletas y al modisto Giorgio Armani hasta su lugar en el imaginario nacionalista.

Se dice que la vida de Duchamp es su mejor obra de arte, pero ha habido que esperar a la publicación de la monumental biografía de Calvin Tomkins para comprender la interacción entre su vida y su obra. Duchamp decidió instalarse en París poco antes de que el cubismo revolucionara la pintura. A pesar de coincidir con ese hito histórico, a lo largo de su existencia se trazaría siempre su propio camino: una aventura en la que concebía el arte como una "cosa mentale", en el espíritu de Leonardo da Vinci. Fue Duchamp quien planteó, radicalmente, que el arte debía tener una realidad propia y abandonar la mera imitación. Duchamp colocó el arte al servicio de la mente y fue precisamente ese deseo lo que socavó sigilosamente quinientos años de arte occidental hasta transformarlo por completo. Un texto soberbiamente escrito que revela la originalidad del artista y que cautivará a todos los interesados en el arte con sus más de cien reproducciones y fotografías poco conocidas.

Bajo la apariencia de un diccionario, el autor, con su habitual agudeza, ha escrito lo que bien pudiera ser una introducción al problema general de las artes en la actualidad, sobre la Muerte del Arte y las paradojas de la modernidad. Esta nueva edición pone al día la bibliografía e introduce correcciones y enmiendas, así como un prólogo programático.

Por sus revolucionarias ideas y su inteligencia iconoclasta, Duchamp está considerado uno de los artistas más influyentes del siglo. Esta biografía ilustrada, sutil, inteligente y ligera, aborda la trayectoria vital y artística de este genial provocador, desde su nacimiento en el seno de una familia burguesa hasta su muerte, pasando por sus estancias en Estados Unidos y en Cadaqués.

«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo; George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá; la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino? Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos más brillantes de un movimiento que transformó radicalmente el arte del siglo XX y cuyas ramificaciones llegan hasta nuestros días. Una revolución antiacadémica y provocadora que, partiendo de la idea de destrucción, logró construir obras artísticas y literarias de una frescura y una vitalidad que aún no se han apagado. Sin dadá, nos dice Jed Rasula, hoy no tendríamos collages musicales, ni fotomontajes, ni happenings? Y ni siquiera habrían existido el surrealismo, el pop art y el punk. «Sin dadá, la vida moderna tal como la conocemos difícilmente podría calificarse de moderna.»